Felt – Forever Breathes The Lonely Word – 1986 – Creation Records

Lawrence Hayward podrían ser dos palabras que diesen pie por sí solas para hablar de este disco. Por desgracia ni el nombre ni el apellido de este británico de Birmingham son tan conocidos como la mención de Robert Smith, Bob Dylan o Iggy Pop, por citar tres casos donde el nombre también dice mucho de la obra. Hayward tiene un público selecto aunque, eso sí, una vez ha tenido la suerte de descubrirle nunca le deja de lado y su grupo Felt pasa a convertirse en indispensable en su colección. Porque Felt causa adicción, pongamos que tanta como la heroína a Lou Reed en The Velvet Underground.

Comenzaron a sonar con el LP “Crumbling The Antiseptic Beauty” (1981) y sus tres primeros discos forjaron un sonido que les enmarcó dentro de la new wave. Con reminiscencias declaradas de Televisión por parte de Hayward, gran admirador de Tom Verlaine. Los papeles principales se los dividían Hayward a la voz y composición y Maurice Deebank a la guitarra. El cambio llegó con “Ignite the Seven Cannons” (1985). Robin Guthrie, de Cocteau Twins, les admiraba tanto que decidió producirles su cuarto trabajo. Se los llevó a su barroco terreno pop, lo que desagradó a un Deebank que, tras varias fricciones internas, decidió despedirse. Es justo ahí cuando surgió la reformulación de su sonido, gracias al fichaje del teclista Martin Duffy, futuro miembro de Primal Scream, cuyas aportaciones se convirtieron en el contrapeso de Hayward.

En los dos años siguientes firmaron sendas obras impolutas. Con “Forever Breathes The Lonely Word” tocaron techo, aunque tampoco tiene desperdicio “Poem Of The River” (1987). Que la carátula de su masterpiece de 1986 refleje la mitad del rostro de Martin Duffy es un detalle que intencionalmente o no resalta su peso en la banda. No en vano su magnífico soporte instrumental a las letras y la voz convirtieron las ocho canciones en una sola, como era la intención de Hayward. Se habla de luchar por tus sueños estando hundido (“Down But Not Yet”), de declaraciones de principios (“All The People I Like Are Those That Are Dead” y “Hours Of Darkness Have Changed My Mind”), de la visión oscura de la vida (“A Wave Crashed On Rocks”), pero en ninguna falta una melodía alegre y melancólica. “September Lady”, la más colorida, es la de significado más confuso: no desvela la intención de Hayward ni el mensaje de su letra.

El legado que Felt dejó tras su ruptura en 1989 supo ser percibido por bandas como The Smiths y aún hoy Stuart Murdoch, de Belle & Sebastian, confiesa que son su máxima influencia a la hora de componer. Mirándose en su espejo es posible valorar al jangle pop más como una fórmula artística atemporal que como ciencia comercial de éxito.

para El Lorito

Las elecciones acabadas, los medios exprimiendo cada dato al máximo durante horas y durante días futuros, por desgracia los resultados demuestran el estado en que se encuentra este país. No hay nada que comentar, es mejor verlos y que cada uno saque sus conclusiones. De todo lo acontecido yo me quedo con esta viñeta (pulsar en ella para ver en grande que se ve mejor), me encanta. Felicitaciones a Mauro Entrialgo, mejor que los políticos es el humor que con ellos se hace.

Travolta – Entrevista

Los grandes artistas poseen la cualidad de prevalecer ante su creación. Desde Lou Reed hasta Robert Wyatt, llevan implícito un sello personal que les distingue entre la gran cantidad de productos que hay. Puestos a buscar equivalentes patrios, pocos más adecuados que Joaquín Pascual. Lo entrevistamos como líder de Travolta, aunque ya sabes que en su hoja de servicios aparecen los nombres de Surfin’ Bichos y Mercromina, bandas que han marcado el camino a nuestro indie. No hay dos sin tres.

JUEVES. 24/05/07.

EL LORITO: Cuál es la aportación de Travolta a la música actual

JOAQUÍN PASCUAL: Un poco de calma, un alto sentido del romanticismo y sensibilidad a la vieja usanza. Es un grupo al que le gusta vivir en el tiempo en el que está, pero de alguna forma plantearse su existencia como más tranquila, más pausada.

EL LORITO: Los ingredientes del grupo

J. P.: Tiene un componente melódico, no excesivo quizás, porque no somos una banda de grandes melodías, somos un grupo de hits pop. También damos mucha importancia a la música, quizás más que en el formato pop habitual. Eso sí, aunque en nuestro molde la música tenga esa carga tan grande, también se la damos a la letra. Lo que nosotros hacemos huye un poco del estrato este de la canción pop estándar, tiene unos desarrollos y una riqueza instrumental grande, y eso nos gusta, nos ha gustado siempre.

EL LORITO: La voz

J. P.: Es muy importante en Travolta. Guía un poco, da identidad a la canción, la verdad es que es más importante que nunca. No ya por el volumen que tiene, sino por la sensación que crea, lo que transmite. Lo que el texto dice está muy unido a la música, aunque luego también haya desarrollos instrumentales casi sin voz tan sugerentes como las demás. Me refiero al final de “La casa”, al de “Hasta el final”, a “Juego de palabras”.

EL LORITO: La presencia femenina

J. P.: La presencia femenina es mayor en Travolta por una cuestión puramente estética, de gusto y sonoridad. Ana forma parte del grupo, está con nosotros. Hay canciones que yo canto que se las enseño a ella, estoy probando la canción y de repente ella canta conmigo. Otras partes surgen de forma espontánea. Antes esto no podía pasar porque esa oportunidad no estaba en el grupo. Creo que la presencia femenina en adelante será mayor. Ana también se ha descubierto un poco a sí misma, ha empezado a cantar ahora pero cada vez lo hace mejor, con más intención, y le está tomando mucho el gusto.

EL LORITO: La contribución de Paco Loco

J. P.: No habíamos hecho nada con él salvo un pequeño EP que habíamos sacado con Mercromina, “Líquidos” (1997), y estuvo bien, fue una buena experiencia. Pero entre la distancia era muy grande y la mucha dedicación suya a los grupos de la escena gijonesa (Penelope Trip, La Costa Brava, Australian Blonde)… Ahora ya no es el gurú del indie aquel que había antes, eso ya no existe. Paco es otra cosa y nosotros también, y se nota. Tiene un caché como persona, a nivel humano y musical increíble. Ha trabajado con gente buenísima, está acostumbrado a todo. Tiene mucha paciencia y todo lo hace bien. Es un tío que sin darte cuenta te va metiendo un poco en su mundo, no es el típico productor que te ordena las cosas, sino que se deja llevar, te permite hablar mucho y de todo, sin prisa, da vueltas a una idea siete horas aunque luego sea una mierda y no valga para nada. Yo creo que ha vuelto un poco a recuperar sus días de gurú de la producción.

EL LORITO: Sobre los himnos “Corazón valiente” y “El efecto amor”

J. P.: “Corazón valiente” es una composición que cuando me di cuenta que la tenía y empecé a componerla, intenté sujetarla y contenerla para que tuviese el formato de canción. Pensé un poco en temas de los años 50, en Elvis, en todas esas canciones tan profundas y tan rápidas, para que no se me fuese de las manos. Veía que podía ser muy bonita, tener esa intención, esa sensación de himno para nosotros, de canción rotunda sin desarrollo ni nada, un golpe de luz. La verdad, estoy muy satisfecho de esa canción.

“El efecto amor” es más rallante, más delirante. Reconozco más mi forma de soltarme componiendo en “El Efecto Amor” que en “Corazón Valiente”, es una canción que hasta a mí me ha sorprendido poder hacerla.

EL LORITO: Tercera etapa y ¿última?

J. P.: A veces me canso, me siento un poco trillado por el rollo de las giras, pero el momento de tocar es tan inmenso y excitante… Es una sensación especial, y sobre todo ahora, porque con Travolta estamos sintiendo como corrientes de música, algo que hacía mucho tiempo que no me pasaba, y así es muy difícil pensar en dejarlo. Vivo el presente, no quiero pensar en lo que pueda suceder más adelante, creo que esto es algo importante para nosotros, no es un juego, forma parte de nuestra vida y eso nos hace sentir bien, es muy difícil pensar en no tenerlo. Aunque también hay cosas que te agotan y momentos complicados. A veces te encuentras con giras donde tu disco no tiene respuesta y vas por ahí y te sientes un poco solo, es un momento matador. No renunciaré a la música, porque eso no lo haré jamás, pero sí a ciertos castigos. Natxo Sobrado

para El Lorito

Yoko Ono | “Yes, I’m A Witch” | Astralwerks | | 2007

Si preguntas a alguien sobre quién causó la ruptura de The Beatles dirá sin pensarlo: Yoko Ono, si preguntas sobre quién mató a John Lennon incluso habrá gente que te dirá el mismo nombre, pero si ya preguntas quién es el personaje dentro de la música más detestado fácilmente saldrá el nombre de la pequeña japonesa entre los cinco primeros, otro compañero de batallas como es Paul McCartney le quitaría el puesto. A ella todo esto, al parecer, le ha importado siempre lo más mínimo; lo cantaba en el ‘92 (“Onobox”) y lo vuelve a decir ahora para dar título a su revisión: Sí, soy una bruja.

Para la aventura ha decidido juntarse con los avanzados de la clase, los artistas que más suenan cuando se oye el término “moderno”. A estos Yoko Ono, o mejor dicho Astralwerks, les ha dejado vía libre para que revisionasen sus éxitos del pasado, porque tenerlos los tiene; la japonesa se situó a la vanguardia en 1970 con dos trabajos (“Yoko Ono/Plastic Ono Band” y “Fly”) que ahora son recordados poco a poco.

Artistas de la talla como Antony con sus Johnsons, quienes firman una versión perfecta de “Toy boat”, Cat Power cambiando el ritmo al disco mediante “Revelations”, Peaches modernizando y conviertiendo “Kiss, Kiss, Kiss” en un tema discotequero, Le Tigre haciendo mejores canciones fuera que bajo su nombre últimamente en “Sisters O Sisters” o The Flaming Lips en su línea con “Cambridge 1969/2007”, por citar alguno de los participantes.

Una revisión que pasa con nota y que cualquier artista (más si lleva el adjetivo de “maldito”) estaría gustoso de recibir. Para bien o para mal, la japonesa seguirá contando con los tópicos cuando se hable de ella pero cuando quiere demuestra que vale más de lo que se dice. Sólo una curiosidad más… muchos artistas “modernos” juntos… ¿dónde está Devendra Banhart?.

para Popchild

Felt para AbsolutZine

No es un grupo de mayorías, tampoco es un grupo de minorías amasadas, pero siempre uno de sus discos se cuela entre los mejores a escuchar, discos raros, o recomendaciones del músico de turno. 1979 sería la fecha de inicio, donde se apuntaban las primeras maneras; el clima era el estallido del post-punk, todos querían sonar oscuros, todos querían ser más cerrados que el anterior; por el contrario Felt quiso sonar limpio en el sonido, ya que algunas letras serían indescifrables, demostrando que lo suyo no iba a seguir patrones estandarizados.

La figura clave iba a ser, una vez más, un artista maldito, posiblemente un visionario con un ego desarrollado más allá de sí mismo, y sobre todo, con una idea de canción digna de elogiar. Lawrence Hayward era el único componente de Felt como a veces declaró, su proyecto personal, nadie quería (y a la vez odiaba) más al grupo que él. Su pasión proviene de otro maestro, asombrado por Tom Verlaine y sus Television, quería imitar su sonido, esa No Wave neoyorkina que pasaría a desembocar en los ochenta en la New Wave a nivel mundial. Porque si se escucha el primer disco, Crumbling The Antiseptic Beauty (1981), no vemos casi ningún elemento de post-punk, sólo el bajo y la batería oscureciendo la escena. La voz es clara, si bien en segundo plano muchas veces. Se ve más la evolución a esa New Wave que desarrollará en los posteriores trabajos.

Anteriormente Hayward había demostrado su talento grabando en su habitación Index (1979), donde sí se ve ese sonido crudo y primitivo. Pero el grupo no era sólo suyo aunque así lo creyese, una parte esencial era aportada por Maurice Deebank, la guitarra de este recibió todos los elogios de la crítica, su forma de tocar era moderna pero de corte clásico, dicha dicotomía la hacía tan especial. Además de Deebank a la batería se sentaba Tony Race, quien será echado –según rumores– por Hayward debido a su corte de pelo siendo sustituido por Gary Ainge, y en el bajo Nick Gilbert, también sustituido después por Mick Lloyd.

Con Cherry Reds sacaron la mayoría de su catálogo, desde Birmingham consiguieron hacerse oír entre unos pocos. Dos largos más a partir del primero marcarían la etapa inicial. Quizás los tres discos seguidos mejores de la época, sin fallos. Si ya el inaugural daba vistas a lo grande que iba a ser el grupo, el segundo, The Splendour Of Fear (1984), sólo con la instrumental que abre es para detenerse y escuchar boquiabierto. Pero es que las siguientes son para seguir alucinando de lo que se oye. Es como si Lou Reed cantase acompañado de Richard Lloyd y Verlaine a la guitarra. Mientras Hayward tenía claro que quería componer piezas de treinta minutos y no se salía de esta pauta.

La influencia de la No Wave también se podría apreciar incluso en las carátulas, la segunda tomada de Chelsea Girls (Andy Warhol y Paul Morrissey) y la tercera con un parecido razonable a Talking Heads: 77. Con este tercer lanzamiento seguían la estela de grupos como New Order en ese sonido tan característico de unos pocos. Entra a la formación Martin Duffy –posteriormente pasará a Primal Scream– a los teclados viéndose más desarrollada esta parte en los posteriores trabajos.

Empieza otra etapa, el pop es más claro que anteriormente. Robin Guthrie (Cocteau Twins) se encargará de producir Ignite The Seven Cannons (1985) acercándoles a su sonido barroco. También participa en a los coros en “Primitive Painters” Luiz Fraser (la otra parte de Cocteau); aunque lo malo de este periodo será el roce dentro del grupo, Deebank no ve con buenos ojos el cambio de ritmo y decide irse para continuar en solitario.

El grupo va creciendo y el apoyo que le ha dado Guthrie les ha servido para que aumente sus seguidores concierto tras concierto, además de las ventas. En 1986 firmarán el primer trabajo para Creation Records, que estaba a punto de ser la discográfica independiente más importante del país. Let the Snakes Crinkle Their Heads to Death dará pie al sexto disco. Este trabajo será el tope, la cima que no se puede superar pese a que se quiera (no es el caso). Entre los mejores discos de la historia, Forever Breathes The Lonely Word muestra la faceta más limpia de Felt, el pop por el pop. Duffy y su Hammond sustituirá la dependencia que antes se tenía de la guitarra de Deebank, aunque sólo pensar si hubiese estado presente en esta grabación…Hayward volverá a la dinámica de los treinta minutos como tope. Elegancia en las ocho canciones que forman el conjunto, lo anterior parece haber servido como maduración a la hora de escuchar este disco.

Pero no contento con una obra de arte al año siguiente saca otra. Prolífico y perfecto, Hayward parece retar a cualquiera a que le igualase ante tal hazaña. Lo hizo al empezar con el grupo con tres trabajos nada menos y ahora lo repite mejorándose así mismo en un año con dos obras maestras. Poem of the river (1987) es el álbum que bebe de cualquier lado, desde un pop californiano a Television, son ambas escenas pasadas por su filtro, y sobre todo por el Hammond de Duffy.

Por desgracia, después de llegar arriba siempre se tiende a ver lo siguiente con guante de seda, a no dejar pasar una. Es cierto que Felt no siguió esta tendencia de seguir en el cum laude, pero no necesitaba más, ya había aportado lo necesario para pasar a la historia. Laurence Hayward después se cansó y con ello aumentó ese halo entorno a su figura. En el siguiente disco, The Pictorial Jackson Review, con el que se inicia la tercera etapa, se deriva a un ambiente instrumental. Con frases en el libreto como: “Recorded quickly”. El siguiente, Train Above the City (1988), Hayward remata añadiendo sólo los títulos a las canciones, no hizo más. Se dice que compraron un vibráfono y tenían que rentabilizar su coste, por lo que Duffy y Gary Ainge pasaron las sesiones en el estudio experimentando.

Y el genio al final tenía que cerrar como tal. No es casualidad que su última referencia volviese a ser en el sello que les dio la oportunidad de empezar –también ayudó que Creation no tenía más dinero y hasta 1990 no podía sacar el disco–, tampoco que cerrase el grupo tras diez años en activo… en Hayward nada parecía ser espontáneo. Volvió a brillar en su último aliento e incluso a querer reconciliarse con Deebank (“Free”). Porque los genios tienden a enemistarse pero al tiempo ven lo que pueden hacer si se unen y la habilidad de dos es figuras no es superada por nadie.

Felt quedó en la recámara de los grupos de culto, de los grupos que alegran un día tras escuchar sólo una canción, de los grupos que en una canción demuestran que el pop es una manera de hacer arte, de los grupos que demuestran lo valioso que es la música…

para AbsolutZine

Deluxe | “Fin de un Viaje Infinito” | Virgin Records/Emi Music Spain| | 2007

Cambio de discográfica a una multinacional (Virgin Records/Emi Music Spain), quinto disco y continuación del español en las letras. Xoel López vuelve tras “Los jóvenes mueren antes de tiempo” sin variar mucho la línea marcada por este.

Pese a que las variaciones no son muchas, en las canciones se nota una maduración en el uso del idioma, compagina mejor con la melodía y no cae tanto en el estribillo como hacía en el anterior. Además el pop que practicaba hasta ahora Deluxe se ha dejado contagiar por arreglos de orquesta; tubas, trombones o saxos componen en muchas canciones la melodía donde se apoya la letra (más lento en “Tendremos que esperar” o jovial en “Simone”). Retoma con buen pie la fórmula de su mayor éxito hasta ahora, “Que no”, en “No es mi primera vez” ­­­–una de las mejores del disco- y en “Réquiem” donde se contrapone la letra con el ritmo alegre. Se atreve con un rollo más cantautor de folk en “El amor valiente” y deja buenas canciones pop como “A un metro de distancia” en la que la voz de Sara Iñiguez (Rubia) mejora el resultado final, o las iniciales “Colillas en el suelo” y “Gigante” donde se nota la estructura del anterior disco. También cuenta con bajones como “Ver en la oscuridad” y otras más sencillas.

Bien podría ser un segundo disco acompañante en el lote de Los jóvenes mueren antes de tiempo. Una continuación notable en la carrera de Xoel López cantando en español.

para Popchild

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La tristeza alegre

¿Quién necesita drogas teniendo a La Costa Brava (LCB)? Son igual que una pastilla cualquiera salvo por la ausencia del efecto negativo de ésta. Ven el mundo de forma positiva y los problemas se digieren mejor así. Con el sexto disco en el mercado, Sergio Algora, una de las voces del grupo junto a Fran Fernández, nos da unas claves desde Zaragoza para entender mejor su optimismo vital.

Lo primero que experimento al escuchar vuestra música es siempre un chute de alegría. ¿La felicidad como fin último de la canción? ¿Qué os metéis para hacer canciones tan alegres?
Desde siempre la manera de abordar los temas en LCB es bastante positiva. Pero es la manera de abordarlos, porque luego hay letras como ‘Natasha Kampush’ (‘Hazme una perdida)’ o ‘Japonesa’ que son canciones que pueden estar contando una historia de amor o de tristeza; pero la manera de arreglarlas, el tratamiento, casi da una impresión más optimista. En el disco abunda más el tono fresco como en ‘Olímpicos’ u ‘Hospital’ aunque la letra sea bastante chunga.

Muchos opinamos que las letras son perfectas ¿cómo las componéis?
A partir de un sentimiento positivo de la vida. Las letras son un poco tristes, pero la manera de hacerlas hace que transmitan un poco de felicidad. Últimamente nos centramos en vivencias personales, como en ‘Hospital’. Una canción de ruptura, ‘Amor bajo cero’ es un superhéroe de la Marvel que se editó muy pocos números porque no tuvo el visto bueno comercial.
Intentamos que haya más narrativa, basadas más en hechos que en cosas ambiguas o surrealistas; o frases que queden bien pero que no van a ningún sitio. A veces se consigue y a veces no. Sobre todo también que son canciones pop, lo que interesa es que la melodía funcione y que quede bien dentro de los arreglos y de la música, que tampoco puedes hacer una novela.

Ya lleváis seis discos con este. ¡Y sólo en cuatro años! ¿Cómo componéis tantas canciones en tan poco tiempo?
En todas las épocas del grupo han estado componiendo tres personas, no es como en muchos grupos donde las labores recaen sobre uno o dos. En este disco componemos cuatro, el batería (Enrique) compone letra y música en una canción, Richi dos, Fran seis y yo cuatro. En el fondo se reparte mucho el trabajo. Por eso yo pienso que somos tan prolíferos, por la estrategia del grupo a la hora de componer.

¿Cómo lleváis tantos conciertos juntos? ¿Preferís directo o estudio?
Es diferente. El directo nos gusta mucho porque ahora mismo la banda lleva entre año y medio y dos juntos, salimos a tocar con bastante seguridad, tenemos menos problemas con salidas del grupo como había anteriormente. Ahora hemos vuelto a disfrutar tocar de forma estable.
Grabar nos gusta mucho, pero nosotros solemos grabar en Cádiz, y el presupuesto… Nos encanta grabar, pero lo que ahora nos divierte es tocar. Grabar es un proceso por así decirlo más serio y más complicado, es un proceso de componer, ensayar, hacer maquetas,… hay más tensión y nervios grabando, tocando es más divertido.

para ECCUS