The Shake – Trippin’ The Whole Colourful World – Flor y Nata – 2006

Qué bueno es rememorar el pasado. Volver a los sesenta simplemente escuchando canciones que te sitúan en el estallido mod inglés. Imaginarte el Soho londinense lleno de prostitutas, chulos y jóvenes bien vestidos. Jóvenes trabajadores que dedican todo su tiempo en trabajos basura, sin motivación e ilusión por su labor, cansados del sistema establecido, y deseosos de que llegue la noche.

Con la noche llegaría el ritmo, las “vitaminas” en forma de diferentes nombres, los trajes de corte italiano conseguidos a través de su mísero salario, elegantes zapatos relucientes y elaborados cortes de pelo para ir preparados con la intención de ser el futuro face de todo el cotarro. Qué agradable es imaginarse todo esto cuando escuchamos un disco.

El trabajo en cuestión es el debut de The Shake, grupo almeriense formado en 2002 y compuesto por: Miguel A. Calabuig (voz y guitarra), Antonio Medina (batería), Alex L. Pierre (bajo) y Javier Maresca (lead guitarra y voz). La discográfica barcelonesa Flor y Nata les ha dado la posibilidad de demostrar su valía en largo tras quedar semifinalistas en el Proyectodemo de 2004 y 2005 con dos maquetas, “Ready, Steady, Go!”, y “The Band Inside Your Mind” respectivamente.
Nadie mejor que este sello para darles el apoyo discográfico en este país, caracterizados por impulsar el revival mod con grupos como: Kamenbert, Brighton 64 y Telegrama.

En las catorce canciones que forman “Trippin’ The Whole Colourful World” se ve el respeto y las influencias por los grupos de la escena anteriormente descrita. Desde unos primeros Beatles a los Small Faces, pasando por las primeras épocas de The Who y The Kinks. La música beat, la psicodelia, el surf y el contacto de la música negra son los sonidos que The Shake toman de forma muy acertada.
Ellos reconocen dar pleitesía a estos grupos y que les gustaría parecerse a ellos, nada de negar la evidencia. Temas rápidos, la fórmula de los tres minutos, bailables, frescos y muy alegres. Hits que bien podrían haber aparecido en el homónimo de los Small Faces, grupo más cercano a ellos en cuanto al sonido, “You Said Goodbye”, “She’s my Girl (I)”, u “Oh No!” por seleccionar tres.

Una gran joya para revivir la época, para trasladarse a ella disfrutando de la buena música. Una revisión por todo lo alto que a muchos les puede resultar criticable por coger elementos ya usados por otros grupos anteriormente, pero que es muy loable al haberse hecho con tanta calidad pareciendo un grupo más de la época y no una copia barata de cualquiera de ellos.

para Popchild

Tu Primer Disco

Todos recordamos cuál fue el primer disco especial que tuvimos, el que no parábamos de poner en el estéreo, el que grabábamos para oír en el walkman (sí, existió algo prehistórico antes del iPod) y del que nos sabíamos las letras si eran en español o nos las inventábamos como buena costumbre de estos parajes si eran en otros idiomas. A veces estos discos nos sonrojan para bien o para mal, puede ser el disco más hortera que hayas tenido nunca pero al ser tu primero siempre lo tienes un especial anhelo. Si por el contrario el disco no nos avergüenza a la hora de comentarlo con otras personas, será un tema recurrente, repetible hasta la saciedad, como algunas bases de temas electrónicos. Haremos bandera de que ese fue nuestro primer disco, de que uno no empezó escuchando cualquier cosa sino que ya sabía lo que se metía en la cabeza cuando por la nariz entraba la plastidecor por error. Las dos posturas son válidas, la primera no tendría que pasar pero es irremediable a veces ocultar que empezamos escuchando artistas más horteras que las lentejuelas de la Movida. Hay que sentirse orgullosos de haber escuchado esos discos en muchos casos, cuando recibías otros no volvías a escuchar los primeros y diferenciabas poco a poco la calidad mientras la plastidecor pasaba de estar en la nariz a desaparecer en la papelera. La segunda postura tiene el error de caer en la prepotencia inaguantable del “snob” de turno.

Además del disco inicial que cada uno recordará, el de un servidor es el Transformer de Lou Reed y Rabo de Nube de Silvio Rodríguez aparte de algún que otro innombrable de Ana Belén, todos tenemos después de nuestro recuerdo del primer disco escuchado, el primer disco que compramos, que nos dejaron, y ahora ya podría hablarse del primer disco que nos bajamos. Este disco puede también caer en la dicotomía anterior: vergüenza u orgullo. Hablo del primer disco con criterio a la hora de realizar la compra, ese que te pedías siempre que podías arañar algún regalo o ahorrabas semanas que parecían eternas hasta que ibas a la tienda a por él. Aquí el disco es encumbrado a un pedestal aunque en posteriores años veas muchos defectos en él, escuches mejor música, y te hayas percatado que no es un gran disco; para ti sí que será un buen disco con el que discutirás en eternas charlas (también estilo bucle, vuelven cada cierto tiempo) con tus amigos o desconocidos, los cuales atacarán para rebajar la calidad que tú crees ver en ese trabajo. Esta es mi parte favorita. Mi primer disco comprado fue el homónimo de Blur, sé que no es uno de los mejores discos de la historia, pero así lo defiendo. Singles como “Beetlebum” o “Song 2” (por no poner todas) son dos grandes canciones que no muchos hacen. Las discusiones en este punto son entretenidas si encuentras con alguien que tenga el mismo interés que tú por defender “su disco”. En este caso el rival ideal es un defensor a ultranza de Oasis. El pique entre ambos grupos da a los seguidores, que no fans, a ponerse en el papel y pasar largo rato hablando sobre cuál es el mejor, por argumentos que niegan por completo al contrario, ni siquiera se le reconoce, es un mero títere, una mera copia barata de tu grupo. Al final de estas discusiones, si ambas partes son sensatas en la mayoría de los casos se termina sin un final concreto. Ambas se acaban dando una parte de la razón, y se pasa a otro tema sin cerrar este, ya que dentro de equis tiempo volverá a aparecer, y se volverá a decir lo mismo.

Esto es lo apasionante que tiene la música, acordarse de determinados discos a través de recuerdos pasados, de seguir defendiendo “tu disco” a pesar del largo tiempo transcurrido, discusiones sin sentido que terminan siempre en risas (salvo acérrimos cerrados en sí mismos), con unas cañas, volviendo a pinchar ese disco o incluso el disco “contrario”, porque al final todos disfrutamos de la buena música. Y los seguidores de grupos como Blur, acabamos reconociendo que Oasis también nos gustan, e incluso que tenemos todos sus discos originales más los singles… pero eso sólo lo decimos al final, después de mucho tiempo…

Lo que iba a ser una columna breve hablando de los grupos principales – The Who, The Velvet Underground, Joy Division, los ya mencionados Blur y Los Planetas– de un servidor en diferentes épocas desde la perspectiva del coleccionista, ha acabado convirtiéndose en algo extenso sobre los primeros discos. Pero esto será para otro día ya… Ahora toca recordar “tu disco” y contar alguna anécdota sobre él.

para AbsolutZine

Hidrogenesse – Animalitos – 2007 – Astrohúngaro

¿Es posible otro pop español, con calidad y una temática fuera de lo común? Hidrogenesse han vuelto a demostrar que sí con estas composiciones, a las que el desgastado adjetivo surrealista se les queda corto. Gracias a la labor del sello Astrohúngaro tenemos en nuestras manos “Animalitos”, cuando antes nadie se podía haber planteado la publicación de una canción como “Caballos y ponis” en el panorama nacional –salvo Vainica Doble–. Grupos como Chico y Chica, Feria y Mano de Santo son tres ejemplos más de la rebeldía empresarial de esta discográfica. Detrás, como mecenas, se hallan Genís Segarra y Manolo Martínez. La mitad de Astrud representada por Genís es quien da forma al dúo Hidrogenesse, con Carlos Ballesteros como pareja.

El sonido no tiene gran complejidad, son estructuras repetidas, la batería -Alfonso Melero, también en Hello Cuca– marcando el ritmo, el punto de mira puesto en Alemania con Kraftwerk como principal influencia, en el glam de Gary Glitter, y un tecno–pop en la línea de Aviador Dro impregnando las bases propias de un juego de Spectrum. Pero el resultado final es adictivo, las canciones alegran la estampa más apagada, te introducen en su mundo e incluso te hacen creer ser un animalito más de su juego. Hay dos que resaltan por encima de las demás: la ya mencionada “Caballos y ponis” y “El árbol”. El aire arty que desprenden, más la voz templada de Genís y los sintetizadores campando libres es como un chute de adrenalina. Otra que podría aspirar a hit es “Disfraz de tigre”. El disco no sólo les confirma como grupo fetiche, sino que muestra que por estos pagos podría haber más jugo del que se exprime, por desgracia.

para El Lorito

Mala Rodríguez – Malabarismo – 2007 – Universal

Atemporal, sin prejuicios y acertando con la dosis de chulería. Son tres rasgos que imperan en la obra de la jerezana. Aplíquense a “Malabarismo”, la continuación del buen hacer de su hip hop. La Mala Rodríguez sigue creando un sonido ajeno a modas y estilos cerrados; ni nos encontramos con un hip hop puro (si es que existe) ni ha caído en la trampa de hacerse MC para vanagloriarse de sus atributos por boca de su personaje. Dispara rimas, no balas. Se ha pasado tres años haciéndose desear mientras digería la confirmación que supuso “Alevosía” (2004), tiempo que ha aprovechado para mejorar su voz con clases de canto y entablar relaciones sólidas que le permiten ahora rodearse de buenos colaboradores. Ése es uno de los puntos clave de “Malabarismo”, las colaboraciones. Distribuir entre varios los controles en la producción ha generado aquí una agradecida diversidad en el sonido. Hablo de las sabias manos de Griffi ­–mitad de Sólo los Solo­–, DJ Rectangle (DJ de Warren G), Sr. T Cee y Giggi Mantequiggia.

La Mala ha contado también con Mahoma, que da el contrapunto grave al disco en la dura “Miedo” (“te da miedo porque no necesita tu cultura, te da miedo que no ame las figuras que tu adoras”); Tego Calderón, que dribla el reggaeton, donde tiene reputación de padrino, para volcar en “Enfermo” un hip hop claro y una de las mejores bases del disco; Raimundo Amador, que pone voz al estribillo de “Te convierto” y guitarras en “Déjame entrá”; y Julieta Venegas, con una pobre aportación en “Tiempo pa pensá” en la que no demuestra que hoy por hoy sepa o pueda rapear y transmitir algo a la vez.

Escuchamos influencias que van del flamenco al funk, en ocasiones sobre bases que sorprenden por su sencillez y siempre con el fraseo desenfrenado de la Mala por encima de todo. No le tiembla el pulso al atacar el maltrato de género (“Nanai”) con versos como “hacéis muy buena pareja, tú le pegas y ella se deja”, ni desentona al aludir al ego ajeno en “Menos tú” y al propio en “Volveré”. Estamos sólo ante su tercer disco, no lo olvidemos. Si su evolución continúa a este mismo ritmo, sus logros futuros pueden ser explosivos. Usando palabras de su flamante álbum, “como una patada en toda la boca”.

para El Lorito

Nadadora – Hablemos del miedo – 2007 – Jabalina

Las comparaciones son odiosas y eso no es una excepción en el indie español. Una sentencia que aún resulta más evidente en el terreno de ese pop intimista y orquestal que tanto se estila por aquí. Pero nos gusten o no, son un buen elemento para situar a cada grupo en su sitio. Fueron usadas para inscribir a Nadadora en ese estilo y los gallegos han decidido darle la vuelta. Atrás quedaron sus EPs, ahora toca apostar por un sonido más claro, evitando los arreglos que mandaban la voz a un tercer plano, casi hasta el punto de no oírla. No reniegan al 100 por 100 de aquello, pero sí se nota en las canciones un aumento de la aportación vocal, que por parte de Sara es más consistente.

Con sólo cinco años de trayectoria y a sólo tres de la publicación de su primer EP, el salto ha sido rápido y les evita estancarse en las buenas críticas recibidas por su debut. El sonido intimista y apoyado en arreglos instrumentales que caracterizaba “Todo el frío del mundo” (2005) es suplido por un predominio de las guitarras (en “La electricidad en el hueso” hasta el extremo de ser casi la única acompañante de Gonzalo), mientras la batería y el bajo ganan potencia y dejan pocas opciones para que el anterior sonido recupere su hegemonía. Hasta el tempo ha sido modificado y ya no hay ninguna canción muy lenta, sino que todas incorporan determinados elementos que evitan los parones.

Un enfoque acertado de cara a sus próximos pasos. Pero si bien este disco mejora de forma notable lo ofrecido anteriormente, hay algo de lo que buscan o necesitan que aún no ha sido encontrado. Cuidar más las voces, por ejemplo. Como dan la sensación de poder lograrlo, sólo queda esperar ese momento y mientras ir escuchando “El Bosque”.

para El Lorito