Aroah – El día después – Acuarela – 2007

Cambio de tercio para el tercer largo de la madrileña Aroah. Ha cambiado desde la preferencia por su idioma natal (el inglés también lo es ya que su madre es estadounidense) hasta el sonido que acompaña a sus letras.
Aunque suene a tópico, Aroah con la publicación de “El Día Después” ha dado un gran paso de calidad en su carrera que ya apuntaba alto y con que éste trabajo se le otorga una madurez y una soltura propias de una artista más cómoda con lo que hace. Ella reconoció sentirse insegura, y a la vez entusiasmada por hacerlo ya, al ir a grabar en español.

El cambio tiene que ser visto más allá de las letras, cuando se escucha su música se busca instintivamente a cierto músico español que se prodiga como productor, con un sonido propio, con una clase como pocos. Él es Raül Fernández, y su proyecto Refree tiene en “El Día Después” algo más que un sonido similar. Hablamos entonces de un pop diferente, con clase y elegante, apoyado tanto en versos como en arreglos musicales. Es un pop cercano al folk característico de Aroah hasta ahora, se enfrenta muchas veces desnuda sólo con su voz y algún instrumento como acompañamiento (“Nada”, “El Día Después” parecen auto convencimientos en determinados aspectos de ella misma), y en el lado contrario recibe los arreglos de Raül Fernández con la introducción de instrumentos de viento, trompeta, saxo o diferentes teclados que él mismo toca, los cuales se fusionan perfectamente con la voz de la madrileña. Lo que hasta ahora no podríamos haber imaginado en la discografía de Aroah lo vemos en “Cifras”, “Pequeña y verde”, en el tramo final de “La escala de las cosas”, con el toque jazzy movido gracias a los instrumentos anteriormente mencionados, además del sonido procedente por una batería jazzy en muchas canciones como base.

Las letras reflejan el día a día normal de cualquier persona (amor, desamor, problemas…) pero escritas desde otra óptica como artistas de la talla de Nacho Vegas o La Buena Vida saben hacer, el reflejo de la realidad de una forma artística evitando la monotonía. Un cambio sobresaliente que gustaría ver en siguientes trabajos –aunque lo más probable sea la vuelta al inglés por declaraciones suyas–, y que con éste estará sin duda entre los mejores discos del 2007 a nivel nacional.

para Popchild

Schwarz – Heaven Gazers – 2007 – Acuarela

Cuando un disco empieza con guitarras potentes, batería de fondo y nada de voz, es un buen comienzo si luego se mantiene. Sobra decir que estos ingredientes deben de poseer calidad en sus acordes, en las texturas que crean. Nos encontramos con el sexto trabajo de Schwarz y por suerte la constante de él se va a componer de lo anteriormente descrito. Los murcianos tiñen de post-rock (aunque no les guste la etiqueta) cada canción y no se les decolora el resultado. La calidad buscada en el inicio fuerte es respondida con nota y gancho.

Es la revisión de Suicide, dejando de lado los ruidos, los breves lapsos estrafalarios, que el grupo de Nueva York introducía entre acorde y acorde; de nuevo la revisión de la escena propia de ésta ciudad (la No Wave) por parte del post-rock. Oscuridad frente a la fuerza de las guitarras en algunos tramos. La voz de Alfonso Alfonso guarda gran parecido en el timbre con la de Alan Vega y saben aprovechar la intensidad de ésta para usarla como un instrumento más. En canciones como “Angels” (una de las mejores del disco) es donde más brilla gracias al acierto instrumental que tiene de acompañamiento, también en “She Took My Hand” entre la contundencia por parte de las guitarras y la batería que luego retrocede para dar paso a un intermedio ambiental donde entra la voz. La cruz es el exceso, precisamente en ésta última canción cuyo final se hace interminable, de desarrollos de ambient usados que cargan y empeoran el ritmo anterior. También la reiteración de constantes estructuras sin variaciones dentro de una misma pista cuando se espera un cambio en el ritmo que mejoraría el resultado (el final de “Fuzz Tazz” entre otras). Donde aportan más contundencia es en la instrumental “Esoterica” (el otro hit del disco), la cual sigue el sonido de Mogwai: inicio tranquilo que va ascendiendo mediante la incursión de ritmos para finalmente romper entre guitarras, batería y distorsión.

Podría ser usado el cliché de nueva etapa para éste trabajo al ser el primero publicado bajo el sello Acuarela, tras su larga estancia en Astro Discos, pero los murcianos siguen dando vueltas a su sonido, y en una discográfica o en otra, su etapa empezó hace diez años, no hace unos meses. Resultado cercano al notable con algunos bajones que esperemos se limen en siguientes trabajos.

para Popchild

Goon Moon – Licker’s Last Leg – Ipecac Records – 2007

Vainica Doble – Revisión

Tras el término sobre el bordado que se realiza al borde de los dobladillos, se esconden la entrañable pareja formada por Carmen Santoja y Gloria van Aerssen. Ambas dieron a luz al dúo que posteriormente grandes personajes de la música (desde Carlos Berlanga a J de Los Planetas) reconocerían su influencia imprescindible a la hora de entender la canción. En 1966 Carmen Santoja ya había iniciado la tarea de composición y, por desgracia, la abandonó de forma definitiva el 23 de julio de 2000 cuando falleció. Dejando tras de sí siete grandes discos –Carbono 14 (1997) no entra en esta lista- donde sentaron uno de los capítulos más brillantes en el pop español.

Empezaron desde la televisión y el cine, con la película de Marisol Carola de día, Carola de noche (1968). Luego gracias al cuñado de Carmen, Jaime de Armiñán, graban la sintonía y algunas canciones de la serie Fábulas (1968). Entre otras series a las que pusieron música se destaca Del dicho al hecho (1970) que luego pasaría a ser el tema “Refranes”.

En su camino discográfico siempre tuvieron grandes padrinos que gracias a ellos consiguieron las condiciones necesarias para grabar su música. El primero fue José Nieto, quien les presentó al grupo Nuevos Horizontes con quienes grabaron algunas canciones, además de conseguir grabar su primer single con Columbia.

Este fue el primero y el último, ya que la pareja discutió con la discográfica y pasaron a Ópalo, donde en 1971 salió su obra prima Vainica Doble. Canciones aparentemente infantiles pero con lenguaje culto, ensoñadoras y alegres componían esta obra. Este LP se convirtió tras el rápido cierre y mala distribución de Ópalo en una pieza codiciada por los coleccionistas.

Antes de pasar a Ariola graban con Ópalo un disco navideño donde colaboran con Aguaviva. Temas como “Oh, Jesús” o “Evangelio según san Lucas” demuestran cómo hasta las canciones de Navidad sabían darlas su toque personal. Ya en Ariola graban uno de sus mejores discos, Heliotropo (1973), hechos habituales, amor, amistad y ambiente bucólico.

Pero no paran, siguen con su colaboración en cine y cambiando de discográfica. Esta vez con la banda sonora de Furtivos (1975) y firmando con Gong. El título fue el más acorde para definirlas, Contracorriente (1976), sonido derivando a la psicodelia aunque ellas no quedaron satisfechas con el resultado.

Será la movida madrileña con genios como Carlos Berlanga o Nacho Canut quienes reivindiquen (una vez más) al dueto. A su vez, se publica por parte de El Zurdo un libro sobre la historia y declaraciones del grupo. Y ellas graban para Guimbarda dos discos más: El eslabón perdido (1980) y El tigre de guadarrama (1981). Aunque será con Taquicardia (1984) en la discográfica Nuevos Medios, donde cerrarán su etapa. Más oscuro que sus anteriores pero sin romper su línea. Siguieron con colaboraciones espontáneas, y Carmen escribiendo letras a otros. Hasta que Miguel Ángel Arenas decide hacer Carbono 14 donde pudo más el motivo económico que el artístico.

Será Álvaro de Cárdenas para el sello Elefant quien limpie esa imagen grabando En familia (200) con canciones como “Dices que soy”. Así se despidieron, de la mejor forma que sabían, creando magia con música.

para Azúl Eléctrico (revista de León)

PD: Salió hace un mes o más, pero el olvido y la pereza siempre evitaba que lo subiese.

Björk | La Granja de San Idelfonso | Segovia | 2007-07-15

Al parecer iba a ser la noche de las contradicciones, por lo menos todo apuntaba a ello. El lugar elegido volvía a ser el mismo (salvo por unos metros de distancia) que acogiese a los Pet Shop Boys el año pasado poniendo música al Acorazado Potemkin, La Granja de San Idelfonso, más concretamente su palacio. Un pueblo tradicional que se iba a ver las caras con una de las artistas más experimentales en los últimos años del mercado musical, unas entradas que oscilaban entre los 60 y los 120 euros consiguiendo con algún que otro espacio vacío llenar un aforo limitado a 1.600 personas. Frente a esto el concierto al día siguiente en Madrid, entradas por la mitad de este precio, y el aforo de las Ventas como escenario. Podía salir el experimento como error, podía ser un fallo la acústica al aíre libre rodeada de árboles y paredes de palacio para su sonido; pero por suerte nada de esto pasó, Björk llenó el escenario con su aspecto infantil, con su particular gusto en el vestir y con lo que mejor tiene: su voz.

El comienzo fue moderado, no había que enseñar lo que se podía hacer nada más comenzar. Canciones de anteriores trabajos se iban entrelazando con otras de “Volta” (2007). Sin echar mano de ninguna colaboración como en este trabajo, donde cuenta entre otros con Antony sin sus Johnsons, Björk daba todo con su voz alcanzando graves y agudos imposibles que por su desarrollo parecían accesibles a cualquiera, sin titubear en ningún momento y acompañada por unas potentes bases de electrónica donde se fundían muchos estilos según avanzaba el concierto (desde deep house hasta trip-hop), además de percusión, de una banda con instrumentos de viento-metal que también le acompañaba de vez en cuando a los coros y de un instrumento curioso imposible de descifrar manejado por una cadena metálica al contacto con un vidrio…

Todo iba perfecto, las butacas seguían siendo el soporte para un público que le gustaba lo que oía (o por lo menos así parecía entenderse en los aplausos) y mientras la cantante islandesa seguía tema tras tema, sin hacer ninguna parada más que para decir un “gracias” en un curioso español.

Pero no iba a quedar ahí la cosa, el repertorio de Björk no sólo se compone por temas lentos, entre ellos hay muchos que son todo lo contrario. Y para muestra “Play Dead” donde empezó a cambiar el ritmo marcado hasta el momento, los graves se oían muy potentes y mucha parte del público les siguió el ritmo poniéndose a bailar. Más hits siguieron por este camino, “Army Of Me” fue uno de los que más pegó, a los que se unió el inicio de su último trabajo: “Earth Intruders”.

Lo que había empezado como una sesión tranquila más cercana al disfrute de una voz a capella estilo “Medúlla” (2004) acabó siendo más parecido a un club techno. El final del concierto fue muy intenso, el cual habría sido mayor si el escenario hubiese propiciado a ello con un público posiblemente más conocedor de la artista del que allí estaba, Björk intentó dar el micro en una canción al público y éste no supo seguirla.

Sin pasar la hora y cuarto de duración el recital de la islandesa fue para quitarse el sombrero, deseando que hubiese sido más largo pero dando las gracias por la calidad de lo ofrecido.

para Popchild

Tennis Courts – Tennis Courts – 2006 – Pop Ulysses

Lo mejor de todo son los dossier de prensa que se adjuntan con los cedés en cuestión. En este caso sirve para presentar al grupo Tennis Courts, absurdo ya en el nombre. Son un trío de Chicago formado por Wes Hollywood, voz y guitarra, Partrick Thornbury, bajo, y Jason Styx a la batería. La gracia del dossier viene cuando intentan hacer creer que su sonido suena como determinados grupos, que beben de unas influencias y no de otras. No se cortan poniendo que se ven influenciados por The Kinks y Elvis Costello, así como por el power pop y el rock de los 70 tras los ritmos del post-punk… Al leer eso lo primero que uno se espera encontrar entonces es un coctel bueno, que tenga la contundencia del grupo de los hermanos Davies más la elegancia de Costello, y ya si se le une los bajos que tenían los Division y compañía más algún que otro ritmo, podría ser un disco con mayúsculas… ¿Cuál es la pega? Que no lo es. El disco es el típico sonido mainstream que tanto triunfa en la MTv, melodías facilonas que a determinado público no le saldrán de la cabeza, hará el boca a boca entre sus amiguetes y poco más. No hay atisbos de The Kinks, de Costello, y menos de algún “intento” por beber del post-punk. Están más cercanos a los insufribles Keane pero sin caer en tanta melosidad, cercanos a cualquier clon creado para un público juvenil que al día siguiente ha cambiado de grupo. Podría verse algún intento si queremos creer que hay algo en su debut, “Realease my love” o “Kiser’s last day”, para salvarles, pero la reiteración de los estribillos, de la métrica, y la falta de sorpresas, hace que antes de acabar de escucharlo te hayas dormido, así que escucharlo muchas veces para analizarlo es más una tortura injustificada que un disfrute. Tremendamente aburrido.

para AbsolutZine