Interpol – Our Love to Admire – 2007 – Capitol

Primer disco tras su fichaje por Capitol, anteriormente en Matador, y primer disco nefasto. Demasiada casualidad éste acontecimiento para no tenerlo en cuenta, aunque no por el hecho de haber fichado por una multinacional el grupo tenía que haber presentado un trabajo tan pobre. Quien esperase un nuevo Turn on the Bright Lights (2002) que se limite a volver a éste, porque Our Love to Admire no es ni la sombra de lo que sonaba en sus dos anteriores trabajos.

La banda neoyorkina presenta la re-revisión de su sonido, que es a su vez la revisión de grandes nombres de la escena post-punk (Joy Division, Echo & The Bunnymen…), la fórmula que habían utilizado hasta el momento les situaba como cabezas de lista entre todo el pelotón de grupos que aparecieron de la nada para abarrotar un mercado incapaz de dar salida a tanta oferta. Sólo las canandienses The Organ o los británicos de The Rakes habían cuajado tan bien los planteamientos de la generación oscura. Pero el estancamiento les ha hecho mella, la sorpresa que su primer trabajo despertó es inexistente en ninguna canción, hits de la calidad de “Evil” han desaparecido para dejar paso a composiciones de usar y tirar que cansan a las pocas escuchas. Si bien es cierto que algunas pueden salvarse de la criba, la mayoría son para olvidar en cuanto cambias a otro disco. “Pioneer to the falls”, “No I In Threesome”, “The Heinrich Maneuver” y “Mammoth” con sus riffs típicos, estribillos y alguna que otra subida pegadiza, son las que sacan un poco pecho, junto a “Rest My Chemistry” con sus parones y partes instrumentales. Pero la sorpresa llega con la recta final, a partir de “Wrecking Ball”. Unos Interpol toqueteando con el ambient, teclado al fondo, oscuridad y un tempo extremadamente lento, firmando “The Lighthouse”, la que podría ser su peor canción hasta ahora. También en su sonido, temas como “The Scale” o “All Fired Up” carecen de fuerza en riffs y estribillo, perdiendo la emoción en la escucha.

Toda una desilusión para un disco esperado por muchos. Las reformulaciones de lo ya enunciado nunca suele salir por buen camino e Interpol en el tercer intento cayó, puede que en posteriores trabajos retome un mínimo de calidad, pero son ya varios los grupos similares que se han quedado atrás (The Killers, Bloc Party, Franz Ferdinand…).

para Popchild

Devendra Banhart – Smokey Rolls Down Thunder Canyon – XL Recordings – 2007

No hay barreras para algunos artistas. El cerco de un género o una etiqueta es inútil a la hora de concebir su obra. Devendra Banhart es quizás uno de los más representativos del inconformismo musical hoy en día. Evitando el estancamiento, evitando definirse y a la vez repetir hasta la saciedad una fórmula dentro de un género concreto. Al igual que otros grandes músicos desmonta cualquier idea con cada nuevo lanzamiento, si algún día creíamos que era folk, otro día podremos concebir su figura dentro de la música brasileña, del góspel o incluso del rock.

La quinta propuesta en largo que nos presenta escapa a cualquier planteamiento. Es un mosaico de géneros, de sentimientos y de expresiones. Intimista o bailable, gracioso o triste. Guitarra o piano. Cada canción transmite un mundo diferente a la anterior. La variedad con que el músico de Houston se lleva nutriendo desde joven parece estar saliendo a la luz en sus últimas referencias. Le veíamos cantar en un español horrendo la extrañamente pegadiza “Ay Mama” en “Niño Rojo” (2005) y ahora con una pronunciación más correcta, las canciones que beben de la música sudamericana o brasileña parecen ser cantadas por músicos nativos. Consigue transmitir el ritmo propio de éstas en la electrizante samba “Carmencita”, en “Samba Vexillographica” donde intercala español y portugués con total naturalidad, y en “Cristobal”, con la sorprendente colaboración de Gael García Bernal, la cual comienza muy lenta para abrir el disco y rompe en un ritmo pegadizo que cuesta asimilar en principio. El culmen de la mezcla llega con “Seahorse”, una de las mejores, donde hay ritmos jazzy evocando la música brasileña de fusión para dejar paso en el último tramo a una muestra de rock ácido californiano, como si Jefferson Airplane, The Doors y demás participantes de esa generación se mezclasen para dar origen a lo que se escucha. Si no teníamos bastante variedad el góspel se introduce en “Saved”, el pop de Lou Reed en Transmorfer (1972) se contagia de los Jackson 5 en “Lover” con un ritmo pegadizo de base. No deja a Reed con “Tonada Yanomaminista” que bien podría haber pasado por la No Wave neoyorquina y no haber desentonado en absoluto.

Samba, doo-woop, folk, góspel, rock ácido… El cóctel es explosivo, apreciando nuevos matices en cada escucha, inagotable frente al tedio. Devendra Banhart ha firmado otro gran trabajo, posiblemente uno de los mejores del año, que le lleva a confirmarse una vez más como gran músico, sobre todo como artista ecléctico.

para Popchild

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Don’t Mess With Texas – Los Días de Junio – Monlee Records – 2007

Ya no sorprende que un sinfín de grupos publique discos, que haya una gran variedad de propuestas y muchas de ellas pecando de una similitud casi idéntica, o que grupos formados por niños graben discos y que figuras de la talla de Lou Reed o David Bowie les hagan de padrinos por haberse encandilado de ellos.

Lo que sí mantiene un poco la sorpresa es que te llegue un disco firmado por un grupo croata que ha publicado con una discográfica eslovena, que implique a Texas en su pseudónimo, y firme su segundo largo con un título en español. Aquí los hilos se juntan, la globalización nos permite esto: fusión de todos los mercados en uno, producción allí, promoción aquí.

Mejor presentar al grupo en cuestión: Formado en 2004 en Zabreb (Croacia), tras la disolución de Radio Free. Isaac, Neven, Ozren y Sasa se juntan con la intención de empezar de cero, llamarán a Ivana que será sustituido por Slobich tras grabar su primer trabajo homónimo ese mismo año. Tras girar por Europa con resultados bastante buenos vuelven al estudio para comenzar su segundo largo. Deciden grabar en una sala grande de cine las nueve canciones de Los Días de Junio. Producido por ellos mismos y masterizado finalmente por Carl Saff (We Ragazzi, Small Arms Dealer, Xiu Xiu, CocoRosie…).

El sonido en cuestión se engloba dentro de la corriente de rock instrumental, del post-rock. No hay ni una voz en todo el disco, nada que no pueda salir de las guitarras, del bajo, teclado o batería. Los cuales se intercalan en el sonido típico del género, subidas con guitarras potentes y distorsión, un teclado muy presente en todas las canciones, sobre todo en las partes más lentas donde lleva el ritmo, y la batería marcando el compás a la vez que el bajo.

Similar a grupos como Don Caballero (salvando las distancias), o a unos Crippled Black Phoenix evitando ruidos externos. Temas como “Los Días de Junio”, “He Builds Houses Like Trees”, “14:47” y “We Are All Astronauts”, casualmente el inicio y cierre del disco, destacan entre los demás por el juego que hacen variando el tempo.

Muy agradable el descubrimiento de éste grupo si te gusta el género. Un gran disco al que su procedencia añade cierto regustillo para los melómanos insaciables en encontrar rarezas en los lugares más extraños.

para AbsolutZine

Danton Eeprom – All I Can Say – Freak n’Chip – 2007

Danton Eeprom continúa en su país natal publicando su primera referencia para el sello parisino Freak n’ Chic precedido por el doce pulgadas en Infiné. Eeprom se sitúa al nivel de grandes djs franceses como Vitalic o Carretta tras más de trece lanzamientos en dos años nada más, de los cuales ocho han sido publicados éste año, y sus performances en grandes clubs europeos. Tras derivar al minimal tech house Eeprom continúa mezclando oscuridad en sus beats, incorporando una voz masculina apagada en un segundo plano que se mezcla con una base constante donde se entrelazan ritmos. Oscuridad acompañada de minimal que sin duda traerá un ritmo lento para la pista de baile, ritmo que el remix de Shonky, segunda pista del 12”, acelera mínimamente. Más cercano al minimal tech, con breaks donde la voz es reducida en su protagonismo frente a unos beats más marcados. Una buena combinación entre la original y el remix, las cuales dejan un sonido más que notable en la reciente carrera del francés.

para CulturaNocturna

MySpace de Danton Eeprom

Danton Eeprom – Working Class Hero (Cover J. Lennon)

Gregor Tresher – A Thousand Nights – Great Stuff Recordings – 2007

Presentación en largo para Gregor Tresher, uno de los productores alemanes más importantes del último año; con razón los lectores de la revista Raveline le votaron como mejor del 2006 en éste campo. Tresher sigue con el prestigioso label de Munich Great Stuff Recordings e intenta demostrar el por qué de su importancia en la escena, llevar el éxito de sus hits sueltos a grandes dosis sin cansar al oyente. Y el resultado es de nota, continúa mezclando un techno bailable con su querido electro del que tanto ha bebido en sus influencias. Ritmo no le falta, abriendo desde el inicio con “Black Rain” la cual cuenta con unos beats marcados de base que dejan paso a una serie de temas con un buen nivel. La subida empieza en “Running Systems” con la mezcla entre un bajo potente y ritmos intermedios que se mantienen constantes bajando al final; la canción que da título al disco muestra una tendencia más electro que las anteriores, intercala diferentes ritmos a través de ecos y loops mínimos que rompen en la mitad; “Syncopia” con unos bajos duros va dando paso a ritmos electro que se mezclan para el baile; ya en “Painkiller” el nivel es superior esperando una subida que engancha; y el hit del disco llega a la mitad, con “Full Range Madness”, éste tema ya rompió en el 2006 apareciendo en la Cocoon Compilation F, con él retoma su buen hacer a la hora de enfocar su producción a la pista de baile, apoyándose en una subida fuerte que mantiene el tipo para después bajar y retomar al rato entre agudos y graves. Posteriormente el nivel es menor, quizás por el impacto de éste tema o por una longitud en las pistas que las hace demasiado repetitivas, algunas de ellas cuentan con un enganche fuerte pero les falta algo más. “Benthos” arriesga mostrándose más desnuda, “Now People” rápida en base y ritmos agudos intermedios, asegura también dosis de baile; y cierra más tranquilo en “Good life”. En conjunto un buen disco con el que disfrutar tanto solo como en la pista cuando empiece a sonar, cuenta con un hit imparable y eso ya le vale para seguir su buena racha.

para CulturaNocturna

MySpace Gregor Tresher

Rechazando comparaciones, rechazando encasillarse junto a cantantes de la talla de Aute para sentirse más cerca de Bob Dylan, y sobre todo evitando la sombra de su hermano aparentemente presente en el disco. La intención era simple: poder expresarse por sí mismo bajo otros parámetros que hasta ahora marcaban su música en Manta Ray, necesitaba cargar de un mayor protagonismo a unas letras que en el grupo gijonés son el segundo plano frente a las guitarras. Tenemos un anticipo de su puesta en largo con el minicd Canciones Sobre Traiciones y Mentiras y la buena noticia de que Manta Ray continuará contando con su presencia. Ahora ya sólo queda disfrutar de éstas grandes canciones.

El debut es de una calidad bestial, todo. Queda poco de Manta Ray, alguna que otra subida en las guitarras, y mucho de cantautor en la línea de Aute. ¿Cómo ves tú tu propio trabajo? ¿Es lo que querías conseguir?

Lo que buscaba trabajando en solitario era abordar una parte de la música y de la composición que con Manta Ray no tenía cubierta. Me refiero a la parte más narrativa, más textual… Los textos son centrales, cosa que no sucede en Manta Ray. De todas maneras no quiero verme como un cantautor tipo Aute (con todos mis respetos) sino como un músico de rock con inquietud por las letras. Bob Dylan sería un buen referente en ese sentido.

Primer trabajo en solitario y te lanzas ya en labores de producción, contando la ayuda de Kaki Arkarazo, ¿qué ha motivado éste hecho?

Bueno, es mi primer disco en solitario pero con Manta Ray siempre hemos autoproducido nuestras grabaciones (también con la ayuda de Kaki), así que no me daba ningún miedo hacerlo. Menos aun contando con Kaki y en su estudio. Además, me costaría muchísimo dejar que alguien ajeno a mi produjera alguno de mis trabajos. Me gusta tener el control del producto final.

¿Esta salida en solitario se va a continuar en un futuro o seguirás con Manta Ray? ¿Necesitabas dar rienda suelta a un proyecto en solitario?

Si, lo necesitaba. Y además no es incompatible con Manta Ray. Por ahora convivirán ambos proyectos, aunque reconozco que ocupa más espacio en mi cabeza y más tiempo en mi vida Xabel Vegas que Manta Ray. Quizás porque en Manta Ray somos cuatro personas y nos dividimos el trabajo al 25%.

Las coincidencias son muchas, y la pregunta seguro que la esperas. Tu hermano Nacho salió de Manta Ray, tú también, sacó un mini-cd como presentación (él contaba con Aroah, y aquí no, vale), tú también, el sonido es muy parecido, y las letras son de una calidad que parece como si os hubieses reunido a componerlas juntos. ¿Hay algo de tu hermano en éste proyecto?

No, no hay absolutamente nada de Nacho. Ni siquiera he escuchado sus últimos discos. Pero supongo que las comparaciones serán inevitables, vaya. Y en este caso yo soy como Ralf Schumacher o como Marc Gasol. Jejeje…

Con un título como Canciones sobre traiciones y mentiras vas directo al grano, ¿es todo sobre algo malo? ¿El arte siempre viene de algo duro para convertirse después en algo apreciado ­–desde las pinturas de la guerra de Miró hasta las canciones de Joy Division, por poner un ejemplo–?

Supongo que hay más poética en el dolor que en la felicidad. Pero aun así yo trato de utilizar también el humor en las canciones para que no se conviertan en “canciones atormentadas”. En cuanto al título, una vez grabado el minicd me di cuenta de que todos los temas hablaban de uno u otro modo, sobre la traición y la mentira, elementos ambos que siempre me han interesado y me han parecido fascinantes. Pero supongo que fue fruto de la casualidad. No había intención, en principio, de hacer un disco alrededor de una idea.

¿También eres de los que siente “simpatía por el débil”? Le dedicas hasta un agradecimiento a éstas personas

Si, la simpatía por el débil, de cualquiera de las formas en las que se pueda entender esa frase, siempre ha sido un motor de mi vida y de mis emociones.

¿Cuál es el por qué del sobrenombre del grupo “Las uvas de la ira”?

Está basado en la novela de John Steinbeck. Nada más puedo decir que quien sea capaz de leerla y no emocionarse ni empatizar con el dolor de quien sufre injustamente está hecho de piedra.

Hay una dedicatoria a la librería Paradiso, me imagino que será de Gijón, las letras beben mucho de la literatura o son más personales?

La Librería (y tienda de discos) Paradiso es un referente en Xixón para la gente con inquietudes culturales. Además yo trabajé allí una temporada, así que para mí es uno de los rincones de Xixón que toda la gente que visite la ciudad debería conocer.

Siento insistir en éste hecho, pero soy un gran admirador de tu hermano y tus letras unidas a tu voz y la música me hacen escucharle a él muchas veces. Es admirable la elevada calidad de ambos, ¿no habrá ningún trabajo conjunto en el futuro? Si hubieses sustituido a Bunbury en las Cerezas el resultado hubiera sido espectacular.

Gracias, de veras. No, no creo que haya una colaboración directa mía con Nacho. Sería alimentar más el morbo de las comparaciones.

para Popchild

Madee – L’Antarctica – BCore – 2007

Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira – Canciones Sobre Traiciones y Mentiras – Mushroom Pillow – 2007

Brillante es poco, perfecto también se queda vacío, y completo no consigue definirlo bien. El debut de Xabel Vegas sorprende y agrada en cuanto empieza a sonar el primer verso de “Nuestra sociedad secreta”. Acompañado por Las Uvas de la Ira, formado por: Eras Sánchez (bajo, guitarra y coros), Jon Álvarez (guitarras y coros), Iker González (pianos y teclados), consigue dar cuerpo a su primer trabajo en solitario tras Manta Ray. Xabel Vegas emprende así su carrera como ya lo hiciese su hermano Nacho en 2001, coincidiendo en muchos aspectos: su salida de Manta Ray, su primer trabajo es un mini-cd… y sobre todo, en la música.

Es la única traba con que se podría encontrar el gijonés, que la sombra de su pariente sea más grande que la personalidad propia. Por otro lado si se le empieza a tachar de demasiada similitud sería caer en el error, no es idéntico, aunque sí parecido. Sigue la estela de buenos cantautores como Aute en los que la letra es esplendida y la música semejante entre ellos. Un público, el de su hermano, podrá recibir éste debut con antagonismo por lo ya comentado anteriormente, pero tendría que triunfar debido a la calidad del conjunto. Agradeciendo finalmente la apuesta por éste sonido y no por otro, con lo que aumenta la oferta escasa (o nula) que hay en el panorama actual de éste país.

Las cinco canciones tienen a la guitarra y a la voz como elementos principales. “La cena” es la más desnuda de todas ellas, una guitarra lenta y alejada acompaña a la voz tranquila de Xabel que narra una dura historia. Mientras “Nuestra sociedad secreta” es la más rápida, con coro y una batería más marcada, reflejando una complicada historia de amor; “Simpatía por el débil” se guarda las subidas para el estribillo en la que parece una historia autobiográfica; “El polvo no me puede matar” se acoge a un riff mantenido y a los teclados de Iker González para rememorar la música de los cincuenta; y finaliza con “Dinamita” tan pesimista como Nacho Vegas en “En la sed mortal”.

El mejor trabajo en corto que ha salido en lo que va de año, un trabajo que nos permite confiar en otro artista con una gran calidad en su proyecto, en su música y sobre todo en sus letras. Esperando ya, como siempre que algo bueno se nos presenta en tan breves dosis, el largo.

para Popchild

Levy – Glorious – One Little Indian – 2007

Desde Nueva York como si estuviéramos en Manchester. La ciudad de las fábricas, de los barrios obreros, de la oscuridad y de The Hacienda, vuelve desde la otra parte del océano. Vuelve porque su interés se centra en los años ochenta, en esos inicios donde un amanerado cantante, de prominente tupé y de escasa vergüenza en sus actuaciones empezó a dar vida a uno de los grupos que más han influido en la música.

Éste hombre no es otro que Morrissey y sus Smiths, ya cuando se separa de ellos, en el 1987, evolucionará a un sonido más claro sin tanto hermetismo. Es la mezcla de ambos momentos en la que James Levy va a poner su atención para formar su sonido.

James Levy fue incluido dentro de la escena “anti-folk” con composiciones pop alegres, accesibles y unas buenas letras. Tras acompañar a Regina Spektor, Adam Green, Athlete o Razorlight, entre otros, Levy consiguió llamar la atención de One Little Indian y la discográfica le dio la oportunidad de grabar Rotten Love (2005) a través del cual fue conocido gracias a temas de la talla de “On the Dance Floor” o el que daba título al disco.

Dos años después se despega mínimamente de la figura de Morrissey pero siguen quedando resquicios suyos. Guarda la clase característica del pop de las Islas, el buen desenvolvimiento en sólo tres o cuatro minutos con el objetivo de contarte una historia de amor que tiene un perfecto acompañamiento musical de base, y todo esto con una voz buena, sin desprecio alguno por parte del oído.

Predomina un tempo moderado, baladas en su mayoría, como si el mencionado Morrissey le restase velocidad a Pulp, o a New Order le diese por los medios tempo sin tirar de samplers y sintetizadores. Introduce un acertado acompañamiento de cuerda en una de las más notables del disco, “Love and Pain”, un riff pegadizo al acelerar en “Lady Nicole” y en “Mint, y el clasicismo en la apertura con “Glorious”, la cual resulta ser un gran enganche para las posteriores.

Un trabajo bien acabado, de los que puedes recordar cada cierto tiempo debido a la calidad de él, el buen sonido y una clase implícita. Sí, no se confundió al poner el título al disco, toda una lección gloriosa por parte de Levy.

para AbsolutZine