A Whisper in the Noise – Dry Land – Exile On Mainstream – 2007

Calma, una predisposición notable y un ambiente adecuado en el que escuchar con atención, es lo requerido para acercarse a este disco. No es un disco fast-food de los que priman estribillos pegadizos, riff bailables y voces adulteradas, de los que te alegran el día sólo escuchando un primer compás. Aquí vemos una variedad de matices reformulando un sonido que les lleva a estar en tierra de nadie. Ellos dicen hacer “orchestral garage rock”, aunque parte de razón llevan, el término es más bien un conglomerado para intentar definir un sonido que intenta separarse de lo cotidiano. Tomando como punto de partida el post-rock deciden introducir un elemento para mejorar lo hecho hasta ahora: la orquestación de su sonido.

Algo que gente como Sigur Rós o Radiohead llevan hacia campos de desvaríos electrónicos, consiguiendo una música tranquila, y a su vez repleta de magia. En el caso de A Whisper in the Noise la cercanía a la banda de Thom Yorke con canciones como “A New Dawn” puede verse de forma notable, sólo que los de Minnesota prefieren evadirse en arreglos de cuerda y el uso de backing vocals antes que en samplers electrónicos. Predomina el concepto de construir la melodía a partir de lo simple en apariencia, así el piano de West Thordson, alma del proyecto, está omnipotente en casi todas las canciones del disco sustituyendo a las guitarras que suelen tener la hegemonía en este tipo de género.

La frontera hacia un sitio concreto se rompe en casi todos los lados, “In Will” es el ejemplo de ello cuando los arreglos de cuerda y la voz de Thorsdon, rememoran la música tradicional árabe entre la neblina oscura del tema. A los hilos de la producción tenía que haber un genio para conseguir este sonido, Steve Albini es quien vuelve a ayudarles tras su primer LP Through the Ides of March (2003), para el cual sólo necesitó dos días en el estudio. El sonido ha sido muy pulido en comparación con sus anteriores referencias, veíamos más experimentación en su carta de presentación, derivando aun sonido más claro en As The Bluebird Sings (2006) y con Dry Land se ha conseguido mezclar todo lo recorrido hasta el momento.

Nos encontramos con un inicio muy bueno, donde están las mejores canciones del disco. Cuando llega a “Armament” el resultado baja un poco, quizás por la escucha de lo anterior, o porque es un disco para escuchar en pequeñas dosis y no una tarde entera. Pero lo cierto es que la melodía de la mencionada parece escuchada con sus predecesoras, “Beauty’s Grace” intenta tirar demasiado de un mínimo piano sin éxito y “True Love Will Find You in the End” parece más bien una prueba que una canción al nivel de “As We Were” o “Awaken to Winter”.

Un trabajo para escuchar cuando, cansados por la repetición de determinados sonidos en el mercado, buscamos algo fresco. Despacio y tranquilo, quizás con el tiempo la calidad que lleva cada canción mejore su apreciación, mientras por ahora, mejor en pequeñas dosis.

para AbsolutZine

A Whisper in the Noise – Tale of 2 Doves

iLiKETRAiNS – Elegies to Lessons Learnt – Beggars Banquet – 2007

Oscuridad es el adjetivo que mejor resume el trabajo de iLiKETRAiNS. Para su puesta en largo han decidido seguir con este calificativo adquirido anteriormente con sus singles y su primer EP. La diferencia ahora radica en la calidad, si antes sonaban dentro del molde clásico del post-rock oscuro e intimista, ahora la gama de matices varía más, aunque sin llegar a separarse del género.

Progress – Reform (2006) supuso para los amantes de este sonido un descubrimiento al que añadir en su discoteca particular. La cercanía a Godspeed You! Black Emperor era palpable y muy agradecida, grandes solos instrumentales que llegaban al punto álgido del tema y rompían sin dilación. Ahora los de Leeds han fichado para el label inglés Beggars Banquet tras pasar por Fierce Panda Records. El fichaje demuestra la calidad del proyecto ya que el catálogo de Beggars no es precisamente de bajo nivel, a lo que va unido la relevancia que han llegado a conseguir iLiKETRAiNS siendo portadas de publicaciones tan dispares como NME o Financial Times. Por los pasos dados hasta ahora la publicación en largo sólo podría traer buenas noticias si continuaban con lo hecho.

El resultado es soberbio, ya no sólo desde el punto de vista del género, sino como obra artística. Goza de todos los componentes necesarios para ser disfrutada sin cansarse de ella. Desde el diseño del trabajo, donde se apuesta por la unión entre dibujo y cartón para proteger al disco, hasta la carga histórica de las letras. Estas últimas conjugan un álbum conceptual formando un manual con el que intentar ayudar al ser humano a que no caiga en los mismos errores históricos que hasta ahora ha ido repitiendo cíclicamente.

Así nos encontramos con grandes acontecimientos pasados, desde los juicios de las brujas de Salem (“We Go Hunting”) hasta la huida de la primera persona de la República Democrática Alemana (“Come Over”), pasando por la plaga bubónica que llegó a Eyam tras extenderse por Londres en 1965 (“We All Fall Down”). La intención por parte de los de Leeds de conseguir transmitir una enseñanza con estos temas, carga de valor añadido a cada canción por encima de letras banales en las que el valor es mínimo frente a la melodía. La única pega con la que podemos topar es la constancia en la voz de David Martin, es casi nula la variación de su tono durante todo el disco. Mantiene el fraseo en todas las partes igual, no hay ningún verso, por mucha carga dramática que lleve, que sea entonado diferente. Resultado que no empaña el conjunto, pero si hubiese sido diferente quizás estaríamos ante una obra de mayor calidad.

El punto álgido es conseguido al final, con el recuerdo al único primer ministro británico asesinado, “Spencer Perceval”. Son nueve minutos donde se crea una atmósfera en la que diferentes ritmos van entrando y variando el sonido, solemne tras un inicio apagado y una mitad en la que la mecha explota como anticipo del final instrumental en el que la batería y las guitarras tienen el dominio.

El resto de las canciones varían entre tempos más movidos y otros calmados, teniendo casi todas un final potente con el que rematar sea cual sea la melodía previa a ello. “We All Fall Down” consigue un inicio increíble, el cual “The Deception” mantiene dando una visión pesimista del mundo acrecentada por “Death of an Idealist”, dejando la temática para que “Death Is the End” ponga el remache final para cerrar el conjunto. Un conjunto que bien recuerda a The Black Heart Procession o a Sigur Rós, con el que la presentación de iLiKETRAiNS no sólo mantiene la calidad demostrada hasta ahora, sino que se convierte en otro grupo a seguir dentro del género.

para AbsolutZine

Caribou – Andorra – City Slang / Sinnamon Records– 2007

Cuarto largo para Caribou, aunque oficialmente, y más en el terreno de la electrónica donde el alias es el sonido, es su segundo LP tras haberse cambiado el nombre de Manitoba por causas legales. El canadiense Daniel Snaith vuelve a retorcer lo hecho hasta ahora, vuelve a reformularse evitando repetir un sonido en cualquiera de sus canciones. Si en unos comienzos con Start Breaking My Heart (2001) Manitoba veía la frontera del ambient y el downtempo próxima a su música, cada referencia nueva ha ido eliminando esos campos. En el caso del downtempo se mantuvo más la estela, pero con Andorra ha habido el stop definitivo; desprenderse del calificativo de lento para pasar a un dinamismo puro, alegría, y gozo en cada tema.

En apariencia es lo que transmite Snaith con su nuevo trabajo, evitar caer en melodías reiteradas en unas bases suaves siendo sustituidas por un conglomerado de instrumentos que él mismo toca. No hay que olvidar su formación matemática, su padre es una eminente figura dentro de este campo, y su hermana va camino de ello, casualmente Snaith se licenció hace unos años de la misma rama, siendo la música un fiel reflejo de este campo. Inicialmente las cifras que la discográfica suministra son de 670 canciones compuestas para Andorra, de las cuales sólo nueve han pasado a formar parte del disco, verdad o mentira (¿es acaso relevante?) la elección del esqueleto del trabajo es perfecta. Bien podríamos hablar desde el inicio hasta el final, nada hace que caiga la escucha en un comienzo soberbio para aburrirse con un final de relleno como en muchos casos pasa. Aquí vemos la mezcla entre grandes temas y otros más simples y anodinos, dejando el último puesto, la nota final, a la mejor canción del largo. Con “Niobe” Caribou puede optar sin duda a una de las mejores canciones de electrónica del año, sus casi nueve minutos son la ensoñación llevada a la canción, entre un tímido inicio y una voz, deja paso a un juego de subidas y bajadas que vuelven loco a cualquiera. Pero antes de quitarse el sombrero ante él “After Hours” se ha quedado por el camino, alegre como ninguna sabiendo conservar un halo oscuro a su vez; “She’s The One” bebe del pop californiano electrificándolo, labor para la que se ayuda de Jeremy Greenspan (Junior Boys); las restantes mantienen el nivel, con un inicio del trabajo pegadizo (“Melody Day” adrenalina pura) y en la recta final más lento con “Sundialing” la cual atrapa y no deja libre.

Un gran trabajo, ya que el pabellón estaba muy arriba tras The Milk of human kindness (2005) pero Andorra ha sabido mantenerse firme, sin necesidad de superarlo al ser sonidos diferentes. 28 años cuenta Snaith, dos grandes obras a sus espaldas ya, y lo que le queda…

para Muzikalia

Pinback – Autumn of the Seraphs – Touch and Go Records – 2007

La madurez por estos terrenos supone encontrar la unión sólida entre buenas letras y melodía. Una vez hecho esto el juicio personal de cada persona puede entender si está o no conseguida esa supuesta madurez. Tras haberlo pensando podría llegarse a la conclusión de que es absurdo valorar un trabajo por si es más maduro que lo anteriormente hecho, lo único que tiene que haber en el disco es un buen sonido; maduro o inmaduro, eso ya es indiferente. Las letras pueden hablar de amores, de una visión del mundo filosófica o de temas existenciales propios de una clase media acomodada, pero si la música es monótona bien pueden quedarse con su madurez que otros preferimos el conjunto imperfecto.

La empresa discográfica estadounidense ha encontrado un target sobre el que incidir y al que vender el producto de otra manera. Bajo términos como “adult alternative” engloba un sonido que bien podría colarse en series como Anatomía de Grey como pasar a ser grupo de culto. Pinback refleja otro ejemplo más de esta oferta, tras dos discos bajo Ace Fu Records (la misma discográfica que dio la oportunidad a Kaiser Chiefs, The Dears o Ted Leo) sin nada que ofrecer respecto a otros grupos, Touch and Go Records les ficha y se nota el cambio para “Summer In Abaddon” (2004).

Ahora, tres años después dicen haber sacado su obra más madura, donde el sonido está más pulido, retocado. En conclusión, una producción casera en el estudio del multiinstrumentista Zach Smith (también conocido con el humilde nombre de Armistead Burwell Smith IV) que poco tiene de ello. El resultado es un sonido monótono, sin fallos eso sí, donde las guitarras y los bajos casan a la perfección con la batería y los teclados, pero sin dar un paso más que les haga atractivos. Se espera en algunas canciones el momento en el que rompe la melodía y es en vano, porque ya sea derivando a registros suaves o en una línea más aguda, no hay nada que trastoque el conjunto. Los artífices del proyecto, Rob Crow y Zach Smith, son los que intercambian las voces para conseguir ese sonido tranquilo que se desprende de las doce canciones.

Un resultado formal para un disco que bien puede sonar de fondo y dejar indiferente a cualquiera, melodías cuidadas, y un sonido templado. Con una frontera mínima entre el pop y el rock, con canciones brillantes como “Bouquet”, “Walters” o “Barnes”, y con una percepción final de haber escuchado otro disco recto en sus formas, pero frío a la hora de transmitir algo. Si quieren englobarse con grupos como Death Cab For Cutie o Yo La Tengo, la distancia sigue siendo enorme, casi inalcanzable. Mientras la imperfección e inmadurez de otros grupos sigue atrayendo más que éste manierismo alternativo.

para Popchild

Jamie Jones – Still Here? – Freak n’Chic – 2007

Dos temas nuevos para los amantes del deep house; Jamie Jones sigue reciclando un sonido pasado y que últimamente tiende a ser recuperado. Quien le escuchase por primera vez en Amazon EP (2006) vería en el galés una figura a seguir y a tener en cuenta en breve, el label francés Freak n’Chic le dio la oportunidad de pasar a formar parte de su catálogo y hoy ya va por su cuarta referencia con ellos. Por el breve camino ha ido aumentando su prestigio firmando un remix junto a Matthew Styles para el label de Ellen Allien, BPitch Control, o recientemente con su primer mix álbum para Crosstown Rebels. La mezcla puede ser explosiva, los ritmos minimalistas de Villalobos y una voz oscura con Tricky como referente. Mientras que “Should have Gone Home” se construye con una base mínima, dejando a la voz un gran protagonismo en la mayoría del minutaje, “Can’t Believe I’m Still Here” prescinde casi del componente vocal para centrarse en unas breves subidas con intención de mantener el ritmo. Dos canciones más con las que disfrutar de este gran sonido.

para CulturaNocturna

Markus Lange – Perihelion – Craft Music – 2007

Cuando empezó a sus 17 años no creo que se plantease sacar más de catorce referencias en escasos tres años. Tampoco se habría planteado que la mayoría de sus trabajos mantuviesen un gran nivel siendo encumbrados varios de ellos por djs de la talla de Sven Väth. Lo del berlinés Markus Lange ha sido una carrera de rápido ascenso y en la que se ha asentado como si se tratase de un dj veterano en la escena, juntando preferencias por un sonido moderno mientras combina referentes antiguos. En sus últimas referencias Lange ha prescindido de incorporar su voz, uno de sus elementos característicos en sus primeros trabajos y por lo que se distinguió de muchos. En cambio sigue apostando por la mezcla perfecta de electro y techno, bases duras sobre las que diferentes ritmos van entrelazándose. El tema que da título a su última apuesta es soberbio, sin fallos, atrapando en su primera escucha y destinado a engrosar su lista de éxitos como ya lo hiciesen anteriormente “Big Trouble in little China” o “Pai Lung”. Julian Jeweil nos ofrece un remix de “Perihelion” bajando el tempo y llevándole al terreno del house, manteniendo el momento de cuando rompe en un crescendo suave. Por desgracia no todo es bueno, el segundo tema incluido, “Fallout”, deriva demasiado a un techno duro, con una repetición cansina y un final en apariencia forzado. Sólo los amantes de este sonido podrán ver en este tema algo que llame su atención. “Perihelion” triunfará, tiene suficiente calidad como para hacerse notar aun teniendo un escollo a su lado.

para CulturaNocturna

Igloo – Una Luz de Estío Glaciar – Junk Records – 2007

Al parecer poco a poco se apuesta por parte de las discográficas, independientes en su mayoría por no decir en exclusiva, en los nuevos talentos que hay en este país. Grupos que pueden tener una calidad suficiente e incluso mejor que algunos extranjeros, y que por A o por B nadie confía en su propuesta musical a la hora de ventas. Ya sea por complejos o prejuicios absurdos, de lo que pasa por aquí estamos desinformados frente al boom constante del extranjero con vidas y milagros de los cantantes.

Aún así, siguen saliendo discos, discos que podrán quedarse en el olvido por la poca repercusión y la imposibilidad de los componentes a vivir de la música y mejorar en ella. El ejemplo actual es el primer mini-cd tras el largo homónimo publicado el año pasado por Igloo. Una luz de estío glacial trae consigo un sonido bueno, sin romper barreras y sin pedir que lo haga. Es un rock muy cercano al hardcore en las bases usadas, bases que se mantienen constantes con escasas variaciones durante todos los temas sobre los que la voz de Beni casa a la perfección. Acompañando a Beni están la pareja que creó la idea del proyecto: Diego Castro (bajo) y Juan Gil López (sintetizadores y programaciones) (ambos coincidieron en Moop y Deluxe), junto a David (Batería) y Selín (guitarra). Un grupo procedente de Vigo y derivando a sonidos que dejaba entrever con su “Igloo” (2006) entre un ambiente suave, con el pop de telón de fondo y las guitarras entre medias.

Ahora las guitarras son lo principal, situándose cerca de grupos a nivel nacional como los barceloneses Standstill, sin llegar a niveles tan herméticos, también a los últimos álbumes de La Habitación Roja con canciones como “Nadie Más”, la más cercana al pop, y en desvaríos instrumentales cuando suena “Shibuya” próximos a Lavadorama.

Una pena que no haya más discos que presenten propuestas similares a Igloo. Un mini-cd que si dejamos de lado la cover de la banda sonora de Twin Peaks, presenta cinco canciones con un buen sonido con el que disfrutar.

para Popchild

Githead – Art-Pop – swim~ – 2007

No siempre la unión de talentos propicia material sobresaliente, a veces sólo se queda en lo correcto, o como se suele decir: en lo políticamente correcto. Githead es otro ejemplo de ello, la unión de Colin Newman (Wire), Robin Rimbaud (extenso currículum a sus espaldas como colaborador de Current 93, Coil o Nurse with Wound, entre otros, además de lanzarse en solitario y mil proyectos más), y los ex Minimal Compact Malka Spigel y Max Franken, no consigue enfatizar la escucha respecto a otros grupos. Lo extraño del caso es la gran trayectoria de todos sus miembros por caminos más o menos ortodoxos, rompiendo con lo establecido como sonido estereotipo, y que en Githead se hayan olvidado de ello. Puede haber algún atisbo de reformular el pop, pero al final es un pop que ya puede verse en cualquier grupo novel que cada día es alzado por cualquier discográfica.

No hay nada de malo en la línea marcada, un pop con breves dosis de fugacidad, pero sin decir nada, sin llegar a transmitir nada. El problema es que su primer EP, “Headgit” (2004), sí que tenía más brillo, poseía el paso adelante que su segundo largo se ha dejado en el aíre. Las canciones se acercaban a una buena mezcla con el rock, y ahora derivan a un pop con apariencia guitarrera cuando por desgracia son estribillos o estructuras ya esperadas las que se cuelan entre los temas. “On Your Own” (nada que ver con la canción de Blur) suena simplona y repetitiva, al igual que “These Days” o la simplona “Rotterdam” en un aparente intento por retomar algún ingrediente de la new wave. En otras les da por tirar a un rock más movido y el intento se agradece en comparación con el resto, “Drive By” no deja de ser el riff repetido pero con un resultado pegadizo, “All Set Up” igual pero en una línea cercana al pop, y “Space Life” o “Darkest Star” siguen intentando levantar lo posible el resultado aproximándose a The Cure y similares.

En conjunto es un disco más para escuchar y olvidar, de los que pones una vez en el stereo y no recuerdas hasta que no vuelves a ver su portada simple, sin mucho artificio, perdida entre los otros discos que sí merece la pena reescucharlos mil veces.

para Popchild