Muzak – Emulsió – Very Solid Groove Records – 2007

Hace poco Triángulo de Amor Bizarro me respondían a cómo estaba la escena española con: “sigue pasando lo de siempre, lo más interesante está muy enterrado por toneladas de basura”. Uno de los mejores ejemplos es este grupo: Muzak. Acaban de firmar uno de los discos del año, publicando su tercera referencia desde que comenzaron en el 2000 y aún hoy siguen siendo desconocidos para la mayoría.

Para más inri la publicación ha caído de nuevo bajo Very Solid Groove Records autoeditado con la banda, lo que refleja el escaso sitio que tienen estas propuestas en nuestra escena. En vez de un label con mayor presencia en el mercado, ha tenido que ser publicado por un sello que no goza de las condiciones necesarias impuestas por el sistema para poder distribuir, promocionar y dar a conocer el trabajo de los barceloneses. Ahora eso sí, si este disco hubiese sido firmado por un grupo de jóvenes en Glasgow ya lo tendríamos como portada en cualquier revista de tendencias.

Y es que Emulsió no es un disco cualquiera, la calidad que hay en él desde la primera canción hasta la última, ralla la perfección. Todo esto tras la publicación el año pasado de Escenes en Cercles (2006) bajo el mismo sello. Trabajo que ya les consolidó como grupo a seguir recibiendo buenas críticas por todos los lados. Y al parecer no había bastante, si Escenes en Cercles conseguía erigirse en la experimentación a la hora de construir los temas, ahora Emulsió ha dado un paso más en el sonido. Todo tiene más fuerza, mejor construido, y con ritmos nuevos en los que derivar. Sorprende el poco tiempo entre ambos trabajos y el salto tan grande que se ve en ellos.

El ejemplo donde llevan todo hasta el último extremo es en la combinación de tres temas en uno solo: “Mediterraneo/Necio/Bso”. Los casi catorce minutos de duración juegan con acercamientos al free jazz, tanto en el saxo como en la batería, como con partes de post-rock potente en las guitarras. Evitando la separación de las temas de forma evidente, con breaks que cambian el ritmo como si se intentase hacer un solo ejercicio de experimentación.

El resto también posee algo que les hace imparables. La batería jazzy con el riff pegadizo de “No Madrid No” que rompe la canción en dos; la oscura “Valdric” en la que el saxo se halla por detrás de una melodía post-rock fuerte; la influencia del kraut-rock que modifican a su antojo en “Vigor Mountain” o el cierre experimental de “Marion Grey” en el que combinan todos los instrumentos variando el ritmo. Por el camino se queda la extraña “Invocando a Mabuse” entre experimento y juego, con la intriga de si es el pintor renacentista quien da nombre al tema y el por qué de su elección.

Un disco imprescindible para tener en la discoteca personal de cada uno, a nivel de grandes como Tortoise o Mogwai. Esperemos que sigan teniendo la posibilidad de publicar más trabajos, ya sea fuera o dentro de España, pero que sigan mejorando para poder disfrutar de su música. ¡Una maravilla!

para AbsolutZine

Muzak – Emulsió

The World/Inferno Friendship Society – Addicted to Bad Ideas – Chunksaah Records – 2007

Desconocida para muchos, la música de The World/Inferno Friendship Society es una de las propuestas más eclécticas de los últimos años en Estados Unidos, donde cuentan con un gran número de seguidores. De primeras sorprende su sonido, más si nunca habías oído nada de ellos o de alguien parecido. Esta sorpresa se va transformando en alegría cuando los ritmos de sus canciones se van haciendo más similares.

El eclecticismo del grupo de Brooklyn queda latente a la hora de acercarse a ellos, la mezcla que elaboran se nutre de géneros muy bien combinados entre sí para transmitir un ritmo bueno, y en cierto modo fuera de lo corriente. Desde la música folklórica irlandesa hasta el punk, y entre medias circo, cabaret, indie rock y todo lo que lleve cierta vida en la melodía. Para esto cuentan con un gran número de miembros consiguiendo la riqueza instrumental entre guitarras, violines e incluso campanas y la mezcla entre variantes del saxo (tenor, alto y barítono).

En cuanto a la construcción del trabajo las referencias son otras, los primeros 70 con óperas conceptuales como Tommy (1969) y Quadrophenia (1973) de The Who, o The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars de Bowie (1972), sólo que en este caso el punto de atención se centra en la figura de Peter Lorre, conocido actor húngaro principalmente por su papel en M (1931), del cual repasan toda su vida, y le dedican el subtítulo del disco: Peter Lorre’s Twentieth Century.

Para dicho repaso qué mejor que una obertura fiel al estilo del vals europeo, con los violines creando una gran melodía, y variando el ritmo con la regrabación del tema “Pete Lorre”, ya publicado en Just the Best Party (2002), al igual que “Heart Attack ‘64”. Dicha combinación de parte lenta y una potente subida deja claro cuáles van a ser las intenciones de las siguientes canciones. Otra de las más destacadas se halla al inicio, “With a Good Criminal Heart” sigue la estructura de la anterior con breaks que varían el tempo, con Jack Terricloth haciéndose él solo con el tema, y con una gran melodía final. Es con la llegada de “Ich Erinnere Mich an Die Weimarer Republik” donde está el momento álgido del disco, puro ritmo que por momentos podría verse como una buena aproximación al ska. Anteriormente “‘M’ Is for Morphine” relata la adicción de Lorre con esta droga lo que le acabó llevando a la muerte tras una depresión.

Por otro lado no todo suena tan fresco como las mencionadas, “Everybody Comes to Rick’s” puede repetirse salvo el solo de la guitarra, al igual que le ocurre a “Thumb Cinema” que no alcanza el gran nivel de las anteriores pese a contar con una buena letra.

El cierre lo dan la homónima al disco, la más melancólica de todo el trabajo, y “Heart Attack ‘64” con el clarinete y acordeón recordando, como no podía ser de otra forma a la hora de cerrar el trabajo conceptual, la muerte de Peter Lorre y su mensaje optimista.

Un trabajo que sorprende, con el que The World/Inferno Friendship Society mejoran su sonido firman un gran disco y se unen a la difícil tarea de crear un álbum conceptual sobre un personaje tan peculiar. Todo un acierto.

para AbsolutZine

World/Inferno at Spiegeltent – With a Good Criminal Heart

The Right Ons – Do Your Thing, Babe! – 2Fer Records – 2007

Ya pueden surgir varios estilos revisionando o planteando nuevas alternativas, que cuando un nuevo disco de funk bien hecho llega, no hay quien lo supere. Para los amantes a este sonido hay otro (gran) nombre que apuntar para seguir sus pasos, son The Right Ons, grupo madrileño, quienes presentan un single de adelanto a su primer álbum 80.81 (2007).

La calidad es muy notable, más si tenemos en cuenta la escasa presencia de grupos de este estilo por nuestra escena. Uniéndose al espacio ya abierto en los últimos años por Toxio Sex Destruction pero sin derivar tanto al rock como los admiradores de R. J. Sinclair. The Right Ons prefieren encontrar el ritmo fuerte del género rock en el soul imparable de Sly & The Family Stone o la locura de The Famous Flames y posteriormente de The J.B.’s. Actualmente la propuesta también podría relacionarse con el funk-rock de The Bellrays, grupo del que fueron teloneros habiendo transcurrido escasos meses desde su formación. Al igual que con Toxio Sex Destruction, les falta una carga más rockera y en este caso la gran voz femenina de Lisa Kekaula, para asemejarse a ellos. Pero es ahí donde radica la genialidad de estas canciones, que suenan a muchos y a la vez a ninguno en concreto. No cuentan con ningún saxo o trompeta que les defina de forma clara en el estilo, no hay grandes voces que asimilen el timbre negro, ni siquiera el bajo goza de instrumentales extensos en los que derivar a un ritmo imparable; pese a esto, casan todos los elementos para hacer de su sonido algo fuera de lo normal y con gran calidad.

Las voces de Ramiro Nieto y Álvaro Guzmán dan buen juego a los temas, aunque a veces se pide quizás unas variaciones mayores; estas son compensadas por Rafa Fernández y Juan Rodo, quienes también añaden su parte como backing vocals. El ritmo “Do Your Thing, Babe!!!” recae en el juego de las diferentes partes, desde el intercambio de voces agudas y graves, hasta los punteos de la guitarra, y la harmónica levemente distorsionada. Es en el tramo final donde el ritmo aumenta entre instrumentales y coros. La otra joya que podemos escuchar es “Shake, Shake, Shake”, canción inédita sin publicar en el álbum. En ella el bajo recupera un riff típico que hipnotiza desde el primer momento, dejando a las partes instrumentales todo la carga llevando el nombre del tema a la práctica.

Sólo dos canciones, pero qué dos canciones, una auténtica maravilla para disfrutar a la espera del álbum que ya está llegando, creciendo poco a poco con el boca a boca y los directos del grupo, como realmente un artista demuestra la calidad de su sonido. Ya lo decía James Brown: “Get Up!.”

Para AbsolutZine

El único criterio objetivo son las ventas

La época en que esperar un nuevo disco de Tarik con su Fábrica de Colores se hacía eterno, pasando siete años u ocho entre cada referencia nueva, ha pasado temporalmente. Ahora se presenta de forma estable al mercado con Mushroom Pillow como aliada para sus tres nuevas referencias. Sequentiale (2005) nos avisó de que no había dejado este mundillo, de que seguía componiendo a un gran nivel bebiendo de unas fuentes clásicas entre Ray Davies y Elvis Costello, y la siempre influencia del northern soul. Dos años después, El Hueso y la Carne, título que bien podría aparecer como uno más de Surfin’ Bichos o de Chucho, mira más allá del pop psicodélico de su antecesor. Ahora las guitarras tienen más protagonismo, y el español ha sustituido al inglés en todas las canciones del disco. Si quedaba alguna duda de cuál era el sitio de Tarik en esta escena, esta nueva entrega lo despeja, consolidando su situación con calidad y un buen sonido. Publicando uno de los mejores discos del año.

De sus cuatro discos hasta ahora, por una vez se cumple lo que en todos los procesos de promoción se oye o se lee, “este es mi mejor disco”. ¿Cree usted que es así?

Por supuesto.

¿Y qué hay detrás de “El hueso y la carne”?

Algunos verán vísceras. Otros, espíritu, alma, conciencia…

Cuando empecé a escuchar el tema “Subir Al Tren” y llegaba al estribillo, en vez de “subir al tren” entendía “suicídate”, claro, me extrañó, y ya en escuchas posteriores lo descifré. Me imagino que será una anécdota sin más, unas risas tontas y fuera, pero veía a bien comentarlo. Ya que estamos, ¿Subir a qué tren?

El suicidio sería más bien “Tirarse Al Tren”. Teniendo en cuenta que en el disco anterior, Sequentialee, había una canción que se llamaba “Velvet Suicide”, hubiera sido demasiado insistir en el tema. Nada de suicidios. Por eso y porque se dice de mí últimamente –por lo que he leído– que soy un tipo “psicológicamente inestable y caprichoso”. Quien esté libre de pecado, que tire la primera piedra. ¿El significado de Subir Al Tren? Tú mismo.

Cada canción tiene una carga muy importante en la letra, no son meros acompañamientos a una melodía más o menos efectista. ¿Qué mensaje guardan algunos de estos temas?

No me gusta explicar las letras de mis canciones porque no son artículos de divulgación científica ni nada objetivamente tangible. Tiene que haber un margen razonable de interpretación individual por el que cada persona tienda a adaptarlas a sus “necesidades” emocionales, singulares e intrasferibles. Así se pueden despertar las emociones, pero no explicando el mensaje fuera de su contexto. Cuando estudiaba Diseño Gráfico, teníamos un profesor que nos ponía diapositivas de sus pinturas surrealistas y se empeñaba en descifrarnos los mensajes subyacentes de cada uno de ellos. Me resultaba patético.

El disco fue grabado en el Estudio Antiaéreo, seguro que la experiencia fue magnífica. ¿Qué puede decir de ello?

Que es un estudio analógico estupendo (no menos cierto es que ha de estar siempre en manos de un técnico que lo entienda), que los dueños son amigos míos y que está junto a Sierra Nevada.

Cada vez es más cercano el sonido a grupos como Los Planetas, “Antes de la niebla” tiene unos arreglos que bien podría estar dentro de su repertorio, y en otras pasa lo mismo, ¿Hay intención de acercarse a este sonido?

Los Planetas y Tarik y la Fábrica de Colores bebemos de muchas fuentes comunes. Yo no voy a ocultar mi admiración por gran parte de su repertorio, así como por las letras de J, pero ellos tampoco han ocultado nunca la suya por nuestras canciones. Cuando volví de Londres y grabé “On The Radio”, fuimos a tocar a Granada y allí estuvieron Los Planetas, en nuestro concierto. Por entonces yo ni había oído hablar de ellos, pero, con toda la humildad del mundo, vinieron a saludarnos a los camerinos y ese fue el comienzo de una amistad que dura hasta la fecha. Siempre quisimos hacer cosas juntos y, de momento, Eric ha acabado tocando también conmigo. No puedo pedir más.

Pregunta casi obligada, pone en la nota de prensa que los motivos para sólo cantar en español no existen. Antes he considerado que su música si de algo no peca es de banal y sencilla, no creo que una decisión de este tipo se tome a la ligera cuando hace dos años decía en una entrevista

que le resultaba más cómodo el inglés. ¿Ha cambiado algo para que sólo cante en español?

El inglés me sigue resultando más cómodo para cantar y, créame, no diría lo mismo si me dedicara al flamenco. Además, el hecho de ser bilingüe me permite dedicarme con el mismo entusiasmo a escribir letras en ese idioma. En mi opinión no es tan importante lo que digas, sino cómo lo digas, y eso requiere una concepción espiritual e intuitiva del lenguaje que no tendrías si ni lo dominaras. Por eso pienso que la poesía es la perfecta y excelsa sofisticación del lenguaje. Bueno, no es este mi caso, obviamente –entre otras cosas porque yo no escribo poesía, sino canciones pop–, pero para “tocar” el estado emocional del oyente de este país es necesario cantar en español. No hay vuelta de hoja.

Mezcla gran variedad de tempos en todo el disco, bien puede haber una canción como “Fontaine, Fontaine”, lenta, con una guitarra sólo, y en el otro extremo “La Ascension de Lupo”, por mencionar la que continua en el trabajo. ¿Esta gama de “colores” es buscada o es casual? Desde el punto de vista nuestro, el del oyente, resulta de agradecer.

Toda obra que dure más de quince minutos necesita de unos puntos de inflexión, cambios de dimensión, o como quiera llamarles, que descongestionen los oídos del oyente. Un disco monolíticamente homogéneo (perdón por la expresión) es, técnicamente, un aburrimiento.

En algunas canciones como “Agosto, por Ejemplo” o de Sequentialee me recuerda al sonido de Álex Diez y sus Cooper o a gente como Brighton 64 sin la presencia constante del garage. Un pop alegre que bebe tanto de los Small Faces como de Ray Davies. ¿Cómo lo ve usted? ¿Tiene algún vínculo con el movimiento mod en su sonido?

Comparto con los mods el gusto por el Northern Soul y ciertas bandas de los ‘60, la afición compulsiva a comprarme ropa y la irrenunciable voluntad de salir a la calle con cierta preocupación por la imagen que ofrezco.

Todas esas líneas que abarca la nota de prensa sobre su imagen en un tono diferente al que nos tiene acostumbrado tal formato, ¿a qué se debe? ¿Tan importante es la imagen?

Si dijera que soy de los que se tiran horas delante del espejo antes de salir a la calle, mentiría. Ni tengo tiempo para ello ni creo que sea necesario darle tantas vueltas. Pero ¿acaso no es importante la imagen en bandas como Ramones, Flaming Lips o White Stripes? Incluso los artistas aparentemente más despreocupados por la imagen están dando una imagen característica. La imagen puede ser sencilla y sobria, o puede ser epatante e incluso esperpéntica, como las túnicas de las bandas sinfónicas de los ’70, o el extra de maquillaje de los Nuevos Románticos. ¿Qué pasaría si no cuidáramos la imagen? Imagínese un cantante con una camiseta talla XL en la que se lea ”I Love Portugal”, unos vaqueros lavados a la piedra y unos mocasines con calcetines blancos. ¿Daría usted un duro por ellos? Personalmente, prefiero dar una imagen sobria, con la que yo me encuentro más a gusto, pero siempre apostaré por las buenas maneras en el vestir como mensaje de respeto al prójimo. Es como la higiene.

Habiendo sacado su segundo disco con Mushroom Pillow ya sólo queda uno según el contrato que firmó por tres discos. Sé que es lejana la fecha y que quizás la pregunta también. Pero el nivel que está manteniendo nos dará Tarik para rato sin tener que esperar tanto tiempo como pasó hasta su vuelta ¿no? ¿Algún plan de futuro que podamos saber?

para Muzikalia

Tarik y la Fábrica de Colores – Entonces Por Qué

Guy Gerber – Saltamonte – Supplement Facts– 2007

para Cultura Nocturna

Guy Gerber – Live @ SAMC 2007 – Cocoon Tent

Revelación psicodélica

La revisión suele estar mal vista dependiendo en qué parámetros se desenvuelva. Es importante la campaña ejercida por parte de determinados sectores para hacer de este fenómeno algo digno de alabar y seguir. Stay es un grupo barcelonés que apuesta por anteponer sus canciones para justificar este revival, que al final consiste en una simple influencia de sus grupos favoritos como en otras bandas. La diferencia es que cuando hablamos de determinados géneros beber de estos significa estar dependiendo directamente de ellos, y no modernizándoles como se hace en otros estilos a través de los grupos punteros.

Iván López, bajo de la banda catalana, abre la nueva sección para Ciudad Bohemia, nueva sección que tratará de ir entrevistando a grupos españoles con la intención de apoyar en su difusión. Grupos que por motivos económicos, en su mayoría, carecen de una promoción necesaria, o incluso de una visión comercial por parte de las discográficas, adecuada a los tiempos que corren. La información de estos grupos es mínima cuando se busca por la red, lo que conlleva el desconocimiento de interesantes propuestas a un público más amplio, no por menor o mayor calidad, sino por facilidad a la hora de transmitir este trabajo. Para todos los grupos que pasen por esta sección habrá varias preguntas comunes con la intención de reflejar su visión y ver la diferencia entre los artistas, y luego preguntas específicas según corresponda a cada uno.

- ¿De dónde viene el nombre del grupo?

-Buscábamos un nombre corto y fácil de recordar…por aquella época eran habituales nombres como Blur, Suede, Coldplay, etc. Encontramos Stay, y nos gustó…el significado no tiene ningún sentido en especial, pero nos gusta decir que es por la canción de The Hollies.

- ¿Con qué miembros ha contado el grupo?

En la actualidad somos:

Jordi Bel, Iván López, Israel Palacio, y Enric Chalaux… Los primeros Stay fueron Yoel Lenti, Jordi Cruellas, Coke Serret, Xavier Cervera, y el fundador, Jordi Bel…

- Ciudad Natal: Barcelona

- Ciudad “habitual”: Barcelona

- ¿Cuándo empezó el grupo como tal?

En 1998. Como muchos otros grupos, Stay empezó haciendo versiones de los más grandes, hasta que en 2002, ya con unos cuantos conciertos y canciones propias decidimos dedicarnos en serio al grupo.

-¿Hay algún grupo relacionado con el vuestro?

Nunca hemos tenido proyectos paralelos que hayan trascendido más allá de juntarnos unos cuantos amigos y pasarnos la noche tocando…

-¿Cuáles son vuestras influencias?

Muchas y muy diversas… Desde los sesenta con George Harrison, Syd Barret, Brian Jones, Neil Young, The Who, The Pretty Things, The Byrds, Crosby Still Nash and Young, The Creation, The Action, Small Faces, Traffic, Humble Pie, la escena freak-beat, la mod, northern soul, el nuggets de San Francisco, etc. hasta la escena Madchester, los noventa y la actualidad con Happy Mondays, Inspiral Carpets, Stone Roses, The Verve, Brian Jonestown Massacre o Wilco entre muchos más…

- ¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?

En nuestro caso de momento no. No es una meta ahora mismo porque en gran parte no depende de nosotros. Hay muchos factores ajenos, que hacen que sea casi una utopía pensar en vivir de la música…nuestros objetivos son otros, pero claro está que si algún día llega la oportunidad no la dejaremos escapar por nada del mundo.

- ¿Cómo veis la escena española?

A nivel de grupos la veo muy bien. Ccreo que en los últimos años se está haciendo muy buena música en muchas partes del país. El problema es que no salen a la luz los que deberían salir, y sí los que están de moda y cuentan con una propuesta mucho más superficial, caduca y por supuesto “cool”…que parece ser junto con la actitud lo único que importa a la hora de valorar a un grupo desde algunos medios. Pero nosotros no nos fijamos en esas cosas, y disfrutamos mucho con montones de bandas nacionales que conocemos, ya sean de Barcelona o fuera. La nueva herramienta del myspace te permite descubrir esa clase de grupos que nos hacen ver que se puede vivir al margen de las modas pasajeras. Esto nos ayuda a reafirmar nuestra propuesta y creer más en nuestra música independientemente de cómo te valore la gente o determinados medios.

- ¿Existe un futuro?

Sí, siempre hay un futuro ¿no? Si va a ser mejor o peor, no lo sé…pero somos optimistas por naturaleza y preferimos pensar que trabajando duro y con mucha fe, tendremos nuestra recompensa…aunque realmente ya la tenemos, porque somos cuatro amigos haciendo lo que más nos gusta y transmitiendo nuestra pasión en mayor o menor medida a toda la gente que se acerca a vernos/escucharnos y hablarnos.

En el fondo todo se reduce a eso, pasarlo bien…a veces en el local de ensayo te puedes sentir totalmente realizado al pasar un buen rato tocando con tus amigos, y no piensas en nada más…

- Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión? Unido a esto, las infraestructuras con que se cuentan en España en relación a salas es mínima… ¿Así cómo podemos disfrutar de la música? El sonido es infame en muchas, el aforo…

No estamos del todo de acuerdo con eso…al principio pensábamos que sí, pero con el tiempo hemos visto que la clave, al menos en nosotros, está en sacar discos. Si los discos que sacas son buenos, estos te llevarán a hacer conciertos, a la radio, a la tele, etc. Si no son buenos se olvidarán de ti en un par de semanas. Nuestro objetivo ahora es grabar todos los temas que vayamos componiendo e ir editándolos en diferentes formatos.

Respecto a las condiciones de las salas, es verdad que muchas dejan bastante que desear, pero es más un problema administrativo que de las propias salas creo. Si los ayuntamientos creyeran un poco más en la música en directo, tendríamos más y mejores salas de diferentes aforos bien acondicionadas. Pero todos sabemos que cada día hay más obstáculos para disfrutar de una amplia propuesta de música en directo en las ciudades, así que no encuentro una solución clara a este asunto.

="MsoNormal">- Psicodelia, freak beat, recuerdos del los sesenta ¿a qué se debe este exquisito gusto por sonidos tan lejanos en apariencia?

Llevamos escuchando música desde que teníamos 13 ó 14 años, y después de revisar todas las décadas, la que más nos ha llegado ha sido la de los sesenta. Para nosotros es la década más prolífica y genial de la historia de la música. Aquellos años marcaron un antes y un después en lo que ahora conocemos como música pop, y difícilmente pasará otra vez. Debió ser una confabulación de los dioses, para que en un corto espacio de tiempo se juntaran tantos genios creando canciones con una inspiración envidiable.

-¿Tenéis alguna vinculación con el movimiento mod? Ya sea musical, social, o por otras razones.

Bueno, nos marcó mucho en un determinado momento la escena mod, no solo musical sino también social como bien dices. Durante un tiempo fuimos descubriendo grupos de la escena, películas, las fiestas y las ropas que se llevaban por aquel entonces y estábamos fascinados, aún nos sigue gustando mucho, pero no quisimos cerrarnos, por miedo a no evolucionar. La escena mod forma parte de nuestras influencias, pero ni es la única ni la más importante…

- ¿Cuáles son las cosas que tú no puedes ver?

Hay muchas interpretaciones del significado del título, y esa es una de las cosas que más me gustó al elegirlo. Para nosotros las cosas que no puedes ver pueden ser la manipulación a la que estamos sometidos desde los medios partidistas principalmente, las cosas que ocurren sin que te des cuenta y que al cabo de un tiempo te van a afectar directamente o las líneas que te marca el destino y que algunos llaman sucesión de casualidades, etc. También son cosas intangibles, las canciones… Tengo que decir también que el título del disco lo encontré en una canción de uno de mis grupos favoritos de los sesenta, The Action, llamada claro está “Things You Cannot See”.

- Small Faces, The Who, The Beatles… si no me dijesen que sois un grupo actual bien podría sonar dentro de esa época. Suena tan bien que no se aprecia la diferencia ¿Es muy fuerte la influencia de vuestros referentes? ¿Una especie de homenaje?

Es un halago que incluyas nuestro nombre entre esos gigantes. Sí que es muy fuerte la influencia, y en algunos casos puede parecer un homenaje o un revival, pero no es más que eso, una influencia; nosotros creamos nuestras propias melodías y hacemos la producción nosotros mismos. Quizá nos gusta reivindicar esas influencias como en “We need Neil Youngs”, porque hoy en día se acostumbra a escuchar otro tipo de música, y los clásicos siempre estarán ahí para nosotros, son más fuertes que todas las new waves de la new wave que nos han enviado estos años…

- Dais mucha importancia en algunos temas, por ejemplo los punteos geniales de “We Need Neil Young”, a la parte instrumental ¿es así?

Sí, nos encantan los pasajes instrumentales y les damos mucha importancia en nuestra música. Esos cortes dicen muchas cosas también y no es necesario llenarlo todo con voz. Es un recurso que utilizamos mucho porque nos hace sentir libres para desarrollar con el instrumento, y cuando hay química entre ellos se nota. Tenemos hasta tres temas instrumentales y son casi los que más nos gustan.

- Dos discos con Wild Things, ¿qué nos espera en breve para los seguidores del grupo?

Ahora mismo estamos trabajando de lleno en la grabación de dos temas inéditos y una versión de “Strawberry Alarm Clock” para incluirlo en un EP que tiene previsto publicarse en marzo-abril 08. También incluirá una remezcla de “Super Heavy Soul Mamooth Explosion” y el video-clip de “Waiting for my girl”.

- El tercer largo no será con vuestra discográfica habitual, ¿A qué se debe?

Llevamos tres años con Wild Thing Records y creemos que se está acabando un ciclo. Lógicamente hay un desgaste y un desencanto quizás en el tratamiento que se ha dado a Things You Cannot See (2007). Hay cosas que todavía no entendemos y creemos que de hacer una apuesta real y fuerte por este disco las cosas hubieran sido diferentes. Nuestra relación ha sido muy buena estos años y ambas partes hemos sacado provecho del trabajo realizado conjuntamente. Después de dos discos y tres singles con ellos, es posible que sea el momento de hacer un cambio. No es algo que hayamos hablado todavía, y realmente estamos abiertos a la posibilidad de editar el tercer disco con ellos, pero las condiciones tendrían que ser bien distintas a las que teníamos anteriormente. Habrá que esperar acontecimientos para saber con quién trabajaremos en este tercer disco.

- ¿Y a qué sonará? ¿Seguirá la estela iniciada hasta ahora?

Será diferente; no nos gusta repetirnos, ya en Things You Cannot See se aprecia un cambio sustancial respecto al primer disco, y en este tercero mantendremos el toque sixties en la mayoría de canciones pero será menos evidente. Habrá un mayor desarrollo de los pasajes instrumentales que antes hablamos, se notará mucho la música que estamos escuchando ahora mismo, sobre todo la influencia de Wilco va a estar muy presente. La psicodelia estará ahí con el sitar, el farfisa, y nuevos instrumentos con los que estamos experimentando como la flauta travesera o la mandolina, y en la grabación contaremos con alguna sorpresa como una sección de vientos y más cosas que aún no podemos desvelar como algunas colaboraciones sonadas.

- Habéis contado con varios amigos vuestros para la grabación de las canciones, ¿es muy importante este apoyo entre los grupos?

Para nosotros fue vital. Después de que nuestro guitarrista y segundo compositor dejara el grupo junto con el batería, tuvimos que tirar de amigos para sacar el disco adelante. Encontramos a Enrique, que al día siguiente ya se comprometió con nosotros y se convirtió en miembro oficial del grupo a la guitarra, al sitar y al theremin. Con el batería tuvimos más problemas que todavía hoy persisten, ya que de momento no tenemos batería fijo. Por aquel entonces Andreu y Gabi nos ayudaron a grabar seis temas, y Perico de The Queen Machine y Nacho de April Fool´s Day grabaron dos temas cada uno. Este último además nos ha ayudado en esta parte final de la gira realizando los conciertos que teníamos pendiente, y también será el encargado de grabar los temas que irán en el nuevo EP.

- Dentro del último disco hay varios temas que destacan por encima de los demás, yo me quedo con “Revelation of Soul” (temazo!) y “We Need Neil Youngs” ¿Cuáles son vuestros favoritos?

Pues va por momentos. Quizás la más llamativa sea “Super Heavy Soul Ma

mooth Explosion” por aquello de ser un tema con el sitar como instrumento predominante, y seguramente porque era algo totalmente distinto a lo que habíamos hecho hasta entonces sea mi tema favorito. Hay un antes y un después de esa canción en Stay. Pero ahora escucho “We Need Neil Youngs” y me parece nuestro tema más completo. Creo que Jordi diría “I Feel You Around”, Enrique “Sweat Leader” y por último Irra diría “Modern Ropes”.

- Para mí el mejor tema de vuestro último disco es “Revelation of Soul”, ¿qué opináis vosotros?.

“Revelation Of Soul” es sin duda nuestro tema más ambicioso. Desde el momento en que Jordi lo compuso y me lo enseñó, teníamos claro como debía ser. Quisimos darle un tratamiento muy negro al ritmo y enseguida vimos lo que había que hacer en la parte final. El coro Gospel le dio una aire de gran magnitud con las excelentes voces de las chicas, y reportó un gran añadido a la canción. La producción fue muy compleja y buscamos el efecto soul para darle más fuerza aún. Fue impactante para nosotros escuchar el tema finalizado. No podíamos creer que eso que sonaba éramos nosotros, fue una sensación única; todavía recuerdo los pelos de punta…

Stay – Super Heavy Soul Mamooth Explosion

Quique González vuelve con su séptimo disco Avería y Redención

Calidad ante todo

Pocos artistas pueden mirar atrás ahora mismo y contemplar con orgullo siete discos publicados. Desde Personal (1998) el madrileño ha ido creciendo firmando grandes discos y creando un sonido propio.

“Nunca he tenido un público masivo pero sí muy selectivo y especial” comenta Quique González; bien podría ser este el resumen de su carrera, una carrera de fondo que le ha llevado poco a poco a confirmarse como uno de los mejores cantautores rock que hay en este país. Rechazando el éxito, pese a iniciarse con él tras presentar algún hit a las radiofórmulas, González ha sabido cuándo decir basta e irse por su cuenta para publicar grandes discos como Kamikazes Enamorados (2003). Ahora volvemos a tener la oportunidad de escucharle en directo este sábado en la sala Cabaret gracias a las Jornadas Musicales. Antes respondió a algunas preguntas con motivo de la publicación de su último álbum Avería y Redención.

Son siete discos y al pie del cañón, pocos pueden decir eso ahora mismo. ¿Cómo ves tu carrera?

Uno no es muy consciente de su propia evolución porque tampoco tiene perspectiva, lo está viviendo uno mismo. Para mí es un orgullo haber ido poco a poco creciendo disco a disco, con un nivel de producción casi a uno por año, algo que ahora no es muy habitual, lo cual no significa que sea siempre así. Durante este período he tenido las canciones y lo he aprovechado, ellas me han ayudado a seguir creciendo. Estoy orgulloso, pero es mi trabajo, es lo que me gusta.

Avería y Redención plantea un cambio y a la vez una continuación en algunas canciones con el sonido de La Noche Americana. Un buen rock alegre pero también la parte lenta más sentimental. ¿En la mezcla está la calidad? ¿En qué vía te sientes más ágil?

Siempre he hecho canciones más explícitas, quizás autobiográficas, y otras más narrativas, que contaban otras historias. Tampoco estoy seguro de que siga un estilo continuista de La Noche Americana, precisamente hemos intentado cambiar un poco el registro y la instrumentación para que sonara un poquito distinto. Creo que lo hemos conseguido. Pese a ello algunas canciones pueden estar más cerca ya que tienen dos años, fueron compuestas en el periodo del anterior disco, tanto musical como narrativamente.

Leyva, de Pereza, colabora en la canción “Avería y redención” ¿Cómo salió esta colaboración?

Es mi mejor amigo en esto, le admiro mucho como persona, como músico es un fuera de serie. Llega un nivel de amistad entre las dos bandas que ya no es una mera colaboración sino que es algo más casual. Nos vemos por el estudio, somos amigos y nos gusta lo que hacemos. No es de cara a la galería, es casi muchas veces por una cosa nuestra.

El nuevo disco lo forman diecisiete canciones, son muchas para un disco actualmente, ¿a qué se debe la selección de tantos temas?

En principio quería hacer un disco doble. Que el primer volumen fuese Avería y el segundo Redención. Grabamos un montón de temas, y al final creí que estaba bien dejarlo en diecisiete, todo guardaba un concepto común. En todos ellos había un sonido, un estilo de la banda y dejé los otros tres temas fuera. También me gusta ser generoso con mi público, nunca he tenido un público masivo pero sí muy selectivo y especial. Considero que cuanto más generoso sea más cerca van a estar de mí y más lo disfrutarán.

A Segovia has venido varias veces a actuar, ¿Cómo te ha acogido el público de esta ciudad? ¿Te gusta?

He ido bastantes veces; incluso mi pareja anterior vivía allí, conozco a su familia. La ciudad me gusta mucho, no sólo por la cercanía que tiene por Madrid, donde nací, sino por la gente que he conocido por allí. Tengo una conexión, en este sentido, segoviana. Siempre que he venido el público me ha acogido muy bien, han sido conciertos muy especiales.

para El Adelantado de Segovia

Quique González & Enrique Urquijo – Aunque tú no lo sepas (live)

Turistas Espaciales – Telepatia Astral Para Gente Normal – Closer Records – 2007

Entre la duda y la confirmación, intento ver algún detalle que antes no he apreciado, que he dejado de lado y que en posteriores escuchas podré contemplar, pero por más que lo intento no hallo ese detalle, nada que me haga entender este disco. No, no se puede mentir, aquí no hay otra cosa que más de lo mismo. ¿El sonido? Anodino.

Aparentemente lo que nos íbamos a encontrar según los grandes textos que las discográficas suministran como cortinas de humo camufladas, era un sonido entre Radio Futura, Stone Roses y nada menos que David Bowie. La cosa pintaba bien, parecía un disco pretencioso, si tenía sólo un ápice del talento de los Auserón, la potencia de los británicos y la clase de Bowie, como mínimo sería disco del año, pero es que las cosas no son tan fáciles como simples referencias en un papel. Aquí los nombres más semejantes son Pereza, Pignoise, o cualquier grupo que tire de lo estereotipado mil veces sin aportar ni un solo ápice. Las melodías son todas iguales, con guitarras distorsionadas que no varían en absoluto de una canción a otra, la batería dando la lata y la voz de Diego Lunático poniendo la guinda al agrio pastel. Lunático es el líder del proyecto, anteriormente en solitario como Diego Rivera, quien se pone el traje de gala igual que si se pusiera un uniforme, la nueva formación sustituye al grupo Maya quienes ya le habían acompañado cuando giró bajo el pseudónimo de Lunático.

Las diez canciones cogen el rock y se tiran a la piscina. Abusando de estribillo en todas ellas, la repetición de escuchas puede convertirse en algo soporífero. Aunque lo mejor está por llegar cuando Lunático demuestra su gran voz en unos agudos mantenidos en “Mi meteorito favorito” y en “Mi mente no soporta mis pasiones”. ¿Algo que rescatar? Pues no, si bien algún comienzo que se tiende a pensar que no caerá en un simplón estribillo, pero es en vano porque dicho y hecho, cae. Así “La serpiente de mi boca” por lo menos tiene algún amago de chulería, “Demasiado cerca no interesas” en la estrofa promete más de lo que finalmente es, y “Fin de la transmisión” es el punto álgido, cuando suena “hemos llegado al final de la transmisión” las ganas de vivir retoman en el oyente, y corre a la estantería para ver si Bowie se ha cambiado de chaqueta, por si Stone Roses no son esos melenudos que tanto admiraba y La ley del desierto, la ley del mar (1984) es aun hoy mejor de lo que intentan vender algunos grupos españoles.

para Muzikalia

Turistas Espaciales – Lunático

Caminando por colinas de cebollas y metal…

1990, comienzo de una década más para el pop en general, comienzo de una década revolucionaria para el pop en español. En este año surgen los granadinos Los Subterráneos, por motivos legales Christina Rosenvinge se queda con la denominación y el grupo que empezaba a dar tumbos, formado por Juan Rodríguez (J) y Florent Muñoz, tenía que llamarse de otra manera. Qué mejor que Los Planetas. La justificación de éste nombre podríamos verla en el 2003, cuando el dúo formado por Irantzu Valencia (La Buena Vida) y J cantaban: “Los Planetas son la única preocupación/que gira alrededor/de más de investigador.” No les faltaba razón en ninguno de los versos, pocos grupos españoles han conseguido la supremacía de Los Planetas, la aceptación como grandes estrellas tanto de crítica, desde la más snob hasta la más sencilla, como de público. Sólo podrían unirse a la lista de grandes grupos del indie español nombres como Surfin’ Bichos, El Niño Gusano o La Buena Vida, por su influencia dejada tras la separación o por su carrera de fondo respectivamente. Además Los Planetas podría verse como un “súper grupo” debido a que la mayoría de los componentes aportan su grano de arena y no les basta con este proyecto para desarrollarse musicalmente hablando. J es el más inquieto de los cinco, colaboraciones varias, desde la ya mencionada con el grupo donostiarra, hasta con Nacho Vegas, y cuenta con su grupo paralelo, la Cultural SolyNieve, con el que experimenta en un sonido más andaluz y libre; Florent también se deja ver mucho a través de colaboraciones con Los Enemigos, también con Nacho Vegas o Clovis, al igual que Banin y Miguel; por último, la colaboración de Eric Jiménez con Lagartija Nick.

Los ingredientes que han aportado en sus diecisiete años de existencia, ¡se dice pronto!, han bebido de fuentes muy variadas, lo que les ha permitido una riqueza musical que tanto escaseaba por estos lares. El rock psicodélico o rock ácido de la Florida de los sesenta, con grupos como Jefferson Airplane, Grateful Dead o Group 1850, la revisión del rock andaluz de la mano de Triana, el rock progresivo español de Máquina o Pau Riba, la parte electrónica de Radiohead, las guitarras de Pixies y ciertos avisos de post-rock; todo esto podría verse como coctel explosivo para dar con el sonido ya característico de Los Planetas. Un sonido donde hay distorsión, donde la voz de J tras largos años de escucha el oído se acostumbra a entender (o no), un resultado final que apuesta por la experimentación. Si con Super 8 (1994) podrían haber ido derivando al pop más accesible, Una Semana En El Motor De Un Autobús (1998) suponía la vuelta de tuerca a su sonido, y especialmente a la escena española, elaborando su mejor trabajo, su tótem que tantos intentan conseguir. No conformes con esto, juegan con la instrumentación, con largos solos en Unidad de Desplazamiento (2000), en Encuentros Con Entidades (2002) donde se veía en ciertos temas lo que podía estar por venir. Esto lo plasmaron en Contra la Ley de la Gravedad (2004), temas que les podía hacer más comprensibles a un nuevo público que antes no era de su agrado pero que sólo eran espejismos que tres años más tarde despejaban con su último disco hasta la fecha: La Leyenda del Espacio (2007). Aquí Los Planetas no revisionaban a Camarón, al flamenco, ni a nada, aquí Los Planetas demostraban una vez más que su sonido no tenía barreras. Daban el do de pecho para seguir creyendo que les queda mucho que ofrecer en un futuro cercano.

Puede que peque de prepotente, sentenciador, de ignorante o de iluso, pero Los Planetas son, y serán si el panorama no progresa en calidad, el mejor grupo español de la historia. Gracias por existir.

para Azul Eléctrico

Hoy Ciudad Bohemia sale en el diario El Adelantado de Segovia. Pese a que hay algún error en el artículo a la hora de citar nombres de medios, el resto es correcto. Se sigue aumentando la relevancia del sitio con nuevos visitantes. Gracias a todos los que seguís día a día las actualizaciones. Y a los nuevos, sed bien recibidos al blog.