Layabaouts / Tachenko / La Habitación Roja – Low Club On Stage 3º Edición – 2007

En un breve periodo de tiempo ya se han organizado tres ediciones del Low Club On Stage. Todas ellas han apostado por nombres del panorama nacional importantes, más otros en auge; y como recinto la sala Heineken, una de las mejores que hay ahora mismo en Madrid en relación a la capacidad y cercanía. Para la primera edición Intromúsica –quien organiza el evento– decidió traer a Nadadora, Niños Mutantes y al Sr. Chinarro. El resultado fue con muchos altibajos ya que para una noche de fiesta tanto al pop intimista de Nadadora, como a los desvaríos injustificados de Antonio Luque, es difícil sacarle su máximo partido. En cambio Niños Mutantes pese a la similitud entre sus canciones y la escasa variedad, levantaron algo al público y les dieron lo que querían: diversión. Ya en la segunda edición se percataron del hecho y trajeron a Love of Lesbian (¡para abrir el concierto!) al que le siguieron Facto Delafé y Las Flores Azules y Delorean. En este momento deslumbraron los últimos encontrándose más a gusto en el evento, aunque Love of Lesbian siempre destacan.Ahora tocaba la tercera con motivo de la navidad supuestamente, y para asegurar la buena música se encontraban: Layabouts, Tachenko, y La Habitación Roja. El cartel seguía teniendo un gran nivel, el público volvió a llenar la antigua sala Arena como en las dos anteriores ediciones y todo casó a la perfección.

Quienes iniciaron el show fueron Layabouts, grupo madrileño que está comenzando. Han firmado un buen disco de presentación y tocaba defenderlo en directo, donde coge más fuerza su música. Tenían los ingredientes idóneos para divertir al público que allí se encontraba: guitarras potentes de garage, una gran influencia de New Order a los teclados, y beber de la misma fórmula que grupos como Bloc Party, Franz Ferdinand o Arctic Monkeys, es decir, riffs pegadizos y un ritmo alegre.

En el caso del Bloc Party el parecido era muy cercano en algunas canciones, la voz de Jon conseguía algunos fraseos que recordaban a Kele Okereke, salvando las distancias claro está. Realizaron un directo fresco, alegre, en el que nadie permaneció parado e indiferente a su música. Temas como el single “Fine For Me” o “Cut My Strings” les hace parecer un grupo británico intentando revisionar la fórmula una vez más, esta vez con un efectismo bastante alto. La única pega es la similitud entre todo su repertorio y sobre todo los seis años en los que este sonido lleva saturando muchas de las propuestas más impulsadas. Layabouts apuntan calidad para sus siguientes trabajos pero tienen que evitar tanta influencia externa.

Después los zaragozanos Tachenko tuvieron que amoldar su pop sencillo a un público que no pedía precisamente tranquilidad en ese momento, a una sala donde el ruido de las personas era molesto para escuchar incluso a Sergio Vinadé y a Sebas Puente cuando se intercambiaban los papeles en sus canciones. No era el sitio más adecuado para disfrutar de los ex-Gusanos, aunque ellos en su repertorio final intentaron sonar más rockeros. Combinaron clásicos, canciones de Jugadas Imposibles (Grabaciones en el Mar, 2005) y otros nuevos temas de anticipo a su esperado tercer largo.

Pero el grupo esperado de la noche era La Habitación Roja. Todos parecían exaltados cuando la banda valenciana subió al escenario y comenzó directamente con “La Vida Moderna” de su nuevo disco Cuando Ya no Quede Nada (Mushroom Pillow, 2007). Así uno tras otro de sus hits fueron sonando, canciones que si bien no tienen ya nada nuevo desde el cambio que dieron en Nuevos Tiempos (Mushroom Pillow, 2005), atrapan por la buena unión de letras y sonido, y por el gran papel de Mark Greenwood al bajo que en directo les da una fuerza sobre la que apoyarse.

Entre distorsión, efectos de guitarras y oscuridad en la voz de Jorge Martí, temas de su anterior disco como “Scandinavia”, “El eje del mal” o “Van a por nosotros” fueron los más aclamados y los que mejor sonaron; complementados con los del nuevo, destacando “Paris Ardiendo”, “La vida moderna” y “Posidonia”. Se echaron de menos otros como “Por ti” o “Tened piedad del expresidente” pero no hubo tiempo para todo ya que como dicen en “Nunca Ganaremos el Mundial”: “Los clásicos serán siempre modernos”. Así el cierre tenía que ser con su mejor tema desde que empezaron: “Mi habitación”, habiendo recuperado entre otros también “Te Quiero” o “Crónico”.

Un concierto muy grato, entretenido y con buena música. Los DJs (Homeboy y Dorian) amenizaron entre los espacios muertos y Amable finalizó el espectáculo con una gran sesión en la que no se paró de mover gracias a su buena elección detrás de los platos. Lo dicho, a esperar a la cuarta.

para Retro Música

La Habitación Roja – Mi Habitación

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En la mezcla está la alegría

Taera es un nuevo proyecto que está comenzando a tomar forma por los circuitos que posibilitan a los nuevos grupos: los conciertos y actualmente MySpace. Sin ser un proyecto en exclusiva personal, Taera además de añadir el nombre propio decide prestar la voz a canciones escritas por ella. El disco se basa en una mezcla de estilos, desde el funk hasta el árabe pasando por un soul templado. Buenos temas que ya han recibido menciones en algunos premios. Falta mucho que cuidar, que ir mejorando, pero lo escuchado no defrauda.

¿De dónde viene el nombre del grupo?

Es mi nombre: Taera

¿Con qué miembros ha contado el grupo?

Con Cata (bajo y arreglos), con Guille Arrom (Guitarras), Javi Castiñeiras (batería). Y ahora viene a tocar con nosotros Marcos Bayón a la electrónica a tiempo real es decir, synthes, efectos, loops…

¿Cuándo empezó el grupo como tal, año?

Empezamos en el 2005, yo llevaba 2 años grabando mis canciones y retocándolas y en ese año decidimos juntarnos a tocarlas (ya tocábamos de antes juntos).

¿Tocáis en otros proyectos?

Javi toca en Femme Fatal, Guille en su trío de jazz, Cata es el guitarrista del Combolinga y Marcos el cantante y yo ahora sólo me dedico a este proyecto.

¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?

Depende, si trabajas en proyectos de otros artistas sí, uno en exclusiva, es difícil pero con tiempo sí.

¿Cómo veis la escena española?

Mediocre

Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión?

Sí, y no es sólo la mejor manera de impulsar tu carrera es lo que le da sentido a hacer música desde luego para mí. Bueno, hay una serie de clubs pequeños en Madrid como el Fenderclub, el Marula, La boca del lobo, El junco… que cuidan mucho su programación y cuentan con grupos de la escena jazz-soul y gracias a ellos puedes tocar a menudo y bien.

Carta Sonora es vuestro primer disco, ¿Qué supone para vosotros este trabajo?

Supone sacar de dentro un montón de cosas, un trabajo de composición, de introspección de arreglos, aportaciones de todos, de grabar con un productor: Fernando Polaino arreglando y dirigiéndolo todo.

Por ahora veo que no hay una discográfica detrás, ¿lo estáis moviendo vosotros?

Sí, estoy dándolo a sellos. La experiencia a veces bien, a veces regular… Todavía no nos han contestado.

Se juntan muchos estilos, es casi ecléctico el disco: soul, funk, acid jazz, mestizaje, y árabe… ¿A qué se debe esta riqueza de registros?

El soul es lo que me mueve de siempre por mi registro vocal y es en lo que me siento mejor, el funk en algún tema más bailable y el rollo oriental de mis raíces ¿y por qué no? es parte de mi también.

Donde yo veo que brillan más las canciones es cuando tiráis al soul y al acid jazz, y también en otras al funk ¿Dónde os encontráis más cómodos?

Sí, la verdad es que en el soul groove que es la base musical del disco.

Sin masterizar la copia y suena bastante bien, ¿masterizada habrá una gran diferencia?

Sí, habrá más volumen y mejor ecualización.

Las letras tratan de amores y de historias personales en la mayoría de los casos, ¿Qué hay detrás de ellas?

Las he escrito yo hablan de las cosas que me pasan de mis obsesiones, reflexiones, relaciones… salvo dos que son letras de mi hermana Sara que hablan de insatisfacción y de amor.

¿Hay hueco en España para el proyecto de Tarea? ¿Cómo lo defenderíais?

Si, sobre el escenario.

Habéis conseguido ya ser seleccionados recientemente para lo de Javier Limón, entre las 15 mejores de 2006 para la Mondo… las expectativas no es que sean pequeñas…

En general a todo el que lo escucha le engancha de alguna manera.

De los doce temas si sólo tuvieseis que elegir uno… ¿Cuál? (Yo me quedo con “Tune In” donde De Phazz parece sonar)

Yo me quedo con “Suspendida del cielo”.

para Popchild

Fernando Alfaro realiza su tercer regreso al mercado discográfico con distinto alias. Por primera vez se vale de su nombre para apodar a su proyecto, contando esta vez con Los Alienistas como banda de acompañamiento. Quien fuese el cabecilla (junto a Joaquín Pascual) de Surfin’ Bichos y posteriormente de Chucho, vuelve donde lo había dejado, en su particular visión del pop.

Es quizás el disco más esperado este año por los seguidores de sus anteriores grupos, había un gran interés en ver cómo iba a plantear su nueva propuesta, su nuevo sonido sin sus amigos de Chucho. Aunque éste último hecho no ha sido tan real, ya que tras Los Alienistas se hallan nombres como su mujer Isabel León (Surfin’ Bichos, Is), José Manuel Mora (Surfin’ Bichos, Mercromina), y Emilio Abengoza (Chucho, Los Esbirros). Por si fuera poco la banda la complementan Rosi Herreros (Sangris), y Carlos Flan (Gonzo y colaborador de Mercromina). Con tales profesionales el sonido difícilmente iba a ser pobre.

De todo lo hecho hasta ahora por Alfaro éste trabajo parece una continuación del espléndido Los Diarios de Petróleo (2001, Chewaka-Virgin). Es un sonido luminoso, alegre, en el que la influencia de la new wave o del synth pop se deja ver entre el rock crudo de Surfin’. Si “Abre la ventana” hubiese sido publicada de nuevo en este trabajo no habría desentonado lo más mínimo. Los arreglos de viento y cuerda en muchas de las canciones, o en otras con una tendencia hacia unos arreglos de metal más claros, cubren lo mejor del disco: las letras. Este hecho no es arbitrario, Kaki Arkarazo ha sido quien ayudado en la grabación al igual que hizo con el mencionado de Chucho, Carlos José Martínez a los arreglos de nuevo, y para más coincidencias, el sitio elegido ha sido el mismo estudio que la anterior vez.

Así podemos ver los mismos versos oscuros sobre muerte, sexo, amor, política y amistad con unos coros claros, juegos de voz que no hacen caer en la cuenta sobre lo que se está cantando si no se ha escuchado antes a fondo la trayectoria de Alfaro. “Ulala Que Fácil Es” es magnífica, una de las mejores junto a “Con Las Manos en la Sangre” y a “Queda Expulsado de la Especie Humana”. El trío de ases refleja todo lo hecho hasta el momento, si el sonido acerca a Chucho, la oscuridad de los textos trae más al Alfaro de Surfin’. “Silverio, Tenor de la Comarca” recupera la fórmula de riff pegadizo con subidas del punk que tanto ha bebido en su carrera; “Problemas de Sueño” y “Luz de Gas” hacen creer que las canciones de amor no tienen que ser siempre cursiladas vacías en su forma.

Para rematar la jugada Mariano Tejera (su mánager) y el propio Alfaro han sido quienes han puesto en marcha el sello Los Amigos Imaginarios con este disco evitando así las típicas discográficas. Ofrecen el disco de forma gratuita por el MySpace del grupo al igual que otras bandas intentando “adaptarse” a los nuevos tiempos y a sus nuevas fórmulas.

Si Los Planetas y Love of Lesbian no hubiesen publicado trabajos igual de redondos que Carnevisión ahora estaríamos hablando de una victoria aplastante de la nueva reencarnación de los Surfin’. Este año junto a Travolta (el nuevo proyecto de Joaquín Pascual y Carlos Cuevas) han vuelto a demostrar el por qué de su influencia con una calidad que pocos consiguen. Ya ha pasado más de una década del nacimiento de Surfin’ Bichos y sus proyectos paralelos mantienen más viva que nunca su influencia, renovándola desde diferentes géneros siempre con un nuevo punto que añadir, evitando el estancamiento y vivir de las rentas. Sin estos grupos el panorama por aquí no sería igual.

para Retro Música

Fernando Alfaro y Los Alienistas – Ulala qué fácil es

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Marc Ashken – Root Rot – Leftroom – 2008

Cuando se ven las influencias reconocidas por el londinense se encuentran nombres como: Marvin Gaye, BB King o James Brown, entre otros como: Villalobos o Hawtin. Sobra decir que la similitud con estos últimos es más notable, acercándose al minimal del chileno en muchos de sus temas, pero los primeros se cuelan de fondo en el sonido, oscuro y con buenos ritmos demostrando que no todo está reñido a la monotonía. En 2005 se dio a conocer con el hit “Bus Driver”, imparable en su definición, luego ha continuado con “Grancha” en la que se cuela el eslogan que ya le caracteriza: “Have You Seen My Dancing Shoes?”, y culmina el año con “Roots Dyed Dark” precediendo a este adelanto de su primer LP. Root Rot presenta la puesta en largo bajo el sello Leftroom, hecho que muchos otros tienen que esperar un buen tiempo y que Ashken consigue tras menos de diez 12”. Para ello se agencia con Shonky, Glimpse y Reagen. En el caso de Glimpse la canción original se la lleva hacia terrenos donde se podría ver a Matthew Herbert, Shonky por su parte prefiere su terreno de minimal techno para firmar otro gran remix, y la excepción se da con Reagen, un remix cansino, perdiendo la gracia inicial. Ashken deja ver lo que vendrá en enero y todo indica que el largo no defraudará si continúa con lo escuchado hasta ahora.

para Cultura Nocturna

Marc Ashken – Promo 

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2001 se convirtió para la carrera de Matthew Herbert en su punto de inflexión, todo lo que había hecho hasta ahora había servido para dar formar al tercer disco y a su vez sólo habían sido procesos de aprendizaje culminados en esta gran obra. De la misma manera, todo la labor posterior se ve bajo la influencia, y exigencia, de Bodily Functions (2001, Studio !K7). La pega se encuentra en la publicación de un trabajo tan redondo y que los demás se perciban de forma menor, cuando tendría que ser lo contrario; reconocer los méritos de este disco al igual que los siguientes dentro de su contexto. Scale (2006, Studio !K7) fue el disco que continuó la fórmula, un trabajo infravalorado porque se quería una segunda parte del anterior y Herbert no lo quiso así, presentó algo más bailable, muy influenciado por su colaboración con Roisin Murphy en su aventura en solitario.Antes de su tercer largo el genio londinense ya había sorprendido a muchos con su presentación –1000 Lbs (Phono)–, en la que daba una visión particular del house, adelantándose a lo que vendría después de países como Alemania. También había experimentado su parte reivindicativa y experimental en sus diversos alias, bajo Wishmountain o Radio Boy, proyectos que dan más valor aún a la carrera del británico. Pero el momento especial, donde cambia su sonido hacia terrenos más jazzy, se halla a mediados de los 90 cuando conoce a su actual pareja sentimental y artística Dani Siciliano en un viaje a San Francisco. Así Around The House (1998, Phonography) es la obra a caballo entre un sonido y otro, la trayectoria de Siciliano en el jazz influye gratamente al eclecticismo de Herbert y el resultado no se hace esperar.

Son catorce canciones que componen un conjunto perfecto, desde la confluencia en un mismo punto de géneros tan variados como el deep house del que Herbert era tan afin, hasta un acid jazz más cercano a la elegancia del lounge neoyorquino. Predominan los medios tempos a los que Dani Siciliano saca el máximo rendimiento con su voz, suave, tranquila y con juegos acertados evitando la monotonía que otros discos del género traen consigo. La variedad llega desde el inicio, templado con “You’re Unknown to Me”, a la que continua “It’s Only” poniéndonos en situación de qué va a venir después. “Suddenly” y “Leave Me Now” combinan los distintos elementos creando una atmósfera insuperable; “You Saw It All” es de las pocas canciones donde colabora con alguien que no sea su pareja; Luca Santucci es quien añade un toque dub a todo lo anterior.

Y no sólo se apoya en estos sonidos, el jazz se va haciendo un hueco con temas completamente instrumentales sin casi ornamentos eléctricos. “I Know” con un piano y un gran contrabajo ayudado de la batería; al igual que “About This Time Each Day” en la que prefiere bajar la intensidad con el predomino del piano. Estos experimentos Matthew Herbert los continuará dos años después con su banda firmando Goodbye Swingtime (2003, Accidental), entre altibajos constantes a la hora de enfocar el jazz.

La joya del trabajo la reserva para el final en la que “The Audience” brilla por sí sola. Un funk eléctrico combinado con lo ya mencionado, Siciliano pone voz y deja ver lo que firmaría tres años después en Likes… (2004, Studio !K7), Herbert también descubre la fórmula usada en Ruby Blue (2005, Echo) con unos instrumentales mantenidos y culminados arriba de forma impecable.

Bodily Functions se ha ganado el puesto de forma merecida entre lo mejor del siglo XXI, tanto de electrónica como en general, al igual que se ha convertido en uno de los discos más influyentes dentro de su género. Matthew Herbert es un artista único, desde conseguir melodías de simples ruidos a intentar cambiar el mundo de forma utópica con su música.

para Retro Música

Herbert – The Audience

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2000 And One & Daniel Stefanik – Red Cabaret/Synkope Remixed– Vakant – 2007

Se da el caso con muchas canciones que el intento de remix se convierte en un fiasco absoluto, habiendo quedado mejor el tema sin el mínimo retoque; es el caso de ejemplos tan claros como “Song #2” de Blur convertida al techno bajo el título de “Song #3” o James Brown enlatado varias veces para cualquier dance floor cutre. Por el contrario también hay casos donde la canción no sólo mejora sino que parece otra, el resultado final goza de una calidad inimaginable en el tema original; por ejemplo: muchos de los mixes de Matthew Herbert, o la revisión de Count Basic por parte de Kruder & Dorfmeister. Es este último caso el que nos plantea el nuevo 12” de Vakant. El label berlinés da la oportunidad a 2000 And One & Daniel Stefanik de mezclar a dos de sus grandes nombres dentro del catálogo: Mathias Kaden y Onur Özer. Kaden es remezclado por Stefanik y Özer por 2000 And One. El planteamiento del tema “Synkope” por parte de Stefanik consigue mejorar el sonido original, prefiere más claridad, una mayor mezcla y más baile. Mientras 2000 And One es quien se enfrenta a “Red Cabaret”, ya de por sí soberbio, añadiendo ciertos aíres brasileños mínimos al ritmo. Dos buenos mixes que tendrán su justa repercusión.

para Cultura Nocturna

Onur Ozer Live at Love Parade 2006 – Berlin

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Triángulo de Amor Bizarro – El Hombre del Siglo V – Mushroom Pillow – 2007

Hay dos formas de entender o abordar este disco: La primera de ellas es desde la comprensión de una recopilación de caras B e inéditas; la segunda es desde un punto de vista más crítico viendo aquí la “gallina de los huevos de oro”. Las dos son válidas, Triángulo de Amor Bizarro son una de las sensaciones del indie nacional del 2007 y es entendible que su discográfica quiera exprimir al máximo su rentabilidad, cada uno podrá ver adecuada o no la publicación del disco desde este punto de vista, pero al fin y al cabo lo que los seguidores del grupo buscamos es más material, independientemente de la política de empresa.

Echando cuentas vemos sólo cuatro temas inéditos frente a los nueve que construían el disco homónimo de la banda gallega. Escaso material para disfrutar de nuevas canciones, aunque la justificación se encuentra en que en un principio iba a ser un single de transición antes de su segundo largo. La incorporación de nuevo de los temas ya publicados se basa en la alta calidad con que fueron presentados en formato maqueta, gracias a ello vemos las versiones originales que se barajaban y que fueron modificadas. La distinción entre nuevo, entendido como inédito, y antiguo, publicado con anterioridad, puede limitarse a meros convencionalismos. Las canciones escuchadas hasta este momento dejaban un gran sabor de boca, firmando un disco redondo en el que todo cuadraba a la perfección. Pero por qué ese sonido, por qué una producción más cuidada en vez de un sonido más potente, por qué delimitar la distorsión y las partes melódicas. El Hombre del Siglo V cuenta con esa baza, con la presentación de lo que podría haber sido.

Un sonido crudo, las guitarras aún más protagonistas si cabe, estructuras que van desde la escena shoegazer, hasta el post-punk pasando por Suicide y compañía. No hay un solo segundo que no tenga su carga imponente. La voz de Rodrigo Caamaño casa mejor aquí buscando el sitio a versos duros, a versos que cuando se logran captar en su totalidad llega la orgia de todos los elementos combinados.

El primer pico llega con “El Crimen: Cómo Ocurre y Cómo Remediarlo”, es mejor que el resultado publicado con anterioridad, más oscuro, propio de la escena No Wave, alargando los instrumentales y la distorsión. Siguiendo a esta, casi todas suenan imparables. “El Himno de la Bala” aporta más de un minuto a uu sonido desgarrador, “Isa vs. El Partido Humanista” nos presenta una locura cercana a Devo, más desnuda, con la voz de Isabel Ceba ganando protagonismo. Por el contrario “El Fantasma de la Transición” es idéntica, la apreciación es mínima si no se confrontan a cada segundo el original y la maqueta. “Ardió la Virgen de Las Cabezas” empeora ya que es una versión con una duración menor, y “Para Los Seres Atados a Condiciones Terrenas” le falta la crudeza que tiene en la versión definitiva.

Por su parte, los cuatro temas inéditos mantienen el sonido y el nivel. “Salud y Belleza” repite un riff constante y al final le falta un toque más a la hora de romper, “El Hombre del Siglo V” es un buen apetito para esperar al siguiente trabajo, y junto con “Pantalones Abajo Marinero” recuerdan, de nuevo, a Surfin’ Bichos. Por último “Nosotros Honrados Bárbaros” apuesta por los desarrollos instrumentales sin salirle mal la jugada.

para Muzikalia

Triangulo de Amor Bizarro – El Himno de la Bala (Radio 3)

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Two Gallants – The Throes – Alive Records– 2007

La pareja formada por Adam Stephens y Tyson Vogel han conseguido poco a poco irse creando su sitio, tal es así que su primer LP publicado por Alive en 2004 se ha reeditado este año con una canción extra y una tirada mayor de lo que fue en su momento. Hay que aprovechar la fama conseguida este año por la pareja de San Francisco, y sobre todo hay que rentabilizar ese posible puesto, bien merecido, de su trabajo homónimo entre lo mejor del 2007.

The Throes (2007, Alive Records) es de sobra conocido por los amantes de un género donde es imposible establecer barreras, debido a que los mejores grupos mezclan características desde el folk hasta el blues, incluso derivando al rock en muchos momentos. Two Gallants en ese sentido no tiene problema alguno, consigue rematar las lentas igual que las rápidas, no hay un hilo constante en el que dormirse con el álbum de fondo, sino que consiguen dar a sus formidables letras lo que necesitan: una carga melódica hecha a medida para cada ocasión.

Pese a la variedad en el sonido hay una constante que remite a los orígenes del blues o del folk ya sea en el fraseo o en la forma de contar las historias; son una pareja de jóvenes de 26 años pero conscientes de las raíces de esta música, lo que les ha llevado a recibir elogios por cualquier lado por una música que no peca de superficial buscando el sonido a cualquier coste.

Para ello comienzan con “You Losin’ Out” en la que la armónica juega un papel fundamental; “Two Days Short Tomorrow” con subidas y breaks donde recogen un blues electrificado; y cambiando el registro en la autobiográfica “Crow Jane”, quizás la mejor del trabajo; para volver a la mezcla con “Fail Hard To Regain” la cual impregna un ritmo alegre a una buena historia sobre el amor.

Empezaron por todo lo alto con The Throes y se han ido superando en los siguientes trabajos, algo difícil hoy en día. Letras trágicas, poéticas, y buena música, es imposible pedir más.

para AbsolutZine

Two Gallants – Crow Jane (Live at Houston, 2004)

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New Idea Society – The World Is Bright And Lonely – Exotic Fever Records – 2007

Otra entrega procedente de tierras yanquis, y otra referencia caracterizada por su similitud. New Idea Society presenta su segundo largo tras dos años en los que la parte principal del proyecto, Mike Law –también en Eulcid–, no ha parado de trabajar para su composición. Junto al songwriter de Brooklyn se halla su inseparable amigo y compañero de viaje Stephen Brodsky, miembro de Cave-In y de Kid Kilowatt, ahora ya consiguiendo dar prioridad a la grabación por encima de sus otros proyectos.

Dicho proceso de grabación ha seguido los esquemas tradicionales, sin recurrir al overdub en ningún momento, y grabando a la vez en el estudio todo lo que se escucha en el disco, incluso las voces. Para esta apuesta por el sonido típico contaron con el productor Andrew Schnieder, quien también produjo a Cave-In y a Zozobra, entre otros.

El resultado es una mezcla entre el folk tranquilo y el indie en sus variantes pop y rock estadounidenses, un sonido que grupos como Clem Snide han conseguido con gran nivel, y que New Idea Society se halla a gran distancia todavía de encontrar. Por su parte los desarrollos son más lineales, constantes, sin nada nuevo que presentar, sólo una estructura simple a la que únicamente le salva en muchos casos la letra. Aquí Mike Law se muestra como un buen compositor tratando desde historias de amor a otras más duras o críticas.

Por desgracia las que destacan en este sentido son sólo tres respecto a las doce que componen el conjunto. “The Medicine Show” se basa en un tempo más allegro para la narración de algo fantástico; “Waking Dreams And Rooms” prefiere la lentitud que corresponde con el carácter intimista de la canción; y “Compass” tiene la figura de Dylan de forma clara como referencia nada más comenzar, donde parece escucharse más una cara B descartada del estadounidense que un tema en relación con los anteriores.

La cruz del disco se ve desde el inicio hasta el final, desde la poca maña a la hora de combinar narración y una mínima melodía –de ocho minutos nada menos– (“Part II: The World Is Bright And Lonely”), a la repetición constante de riffs y versos (“Single Thread”). Consiguen firmar así un trabajo que no presenta ningún matiz diferente al género, nada que no se haya hecho y repetido hasta la saciedad con mayor arte, un resultado simple, demasiado simple. Un paso atrás respecto a su anterior trabajo: You Are Awake or Asleep (2005).

para AbsolutZine

New Idea Society – Don’t Sleep

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CocoRosie– The Adventures of Ghosthorse – Touch & Go Records – 2007

Las hermanas Bianca y Sierra Casady vuelven al feroz mercado musical con su tercer LP, de nuevo con la confianza del prestigioso sello Touch and Go Records. Su cuento de hadas y de visiones más propias de cuadros dalinianos o películas de Buñuel acabó según empezó, con La Maison de Mon Rêve (2004, Touch and Go Records), disco imprescindible para entender a qué se llama neo-folk, y después de esa joya no consiguieron encontrar algo sobre lo que aferrarse, tampoco encontraron a los que les encumbraron rápidamente como nuevo hype y que posteriormente tardaron un día tras la salida de Noah’s Ark (2005, Touch and Go Records) para afilar sus críticas. Sin rumbo y más bien sin ideas creativas, intentan con este tercer trabajo mezclar todo lo existente para por lo menos sacar un producto que aparente.

No es de extrañar cuando se escuchan bases y melodías que recuerdan a la nueva hornada de artistas agrupados bajo el término post trip-hop, ya en el primer largo las hermanas Casady demostraron que la mezcla era uno de sus fuertes, y ahora en The Adventures of Ghosthorse se hace patente, y más cuando llegan fragmentos en los que se deriva a una pseudo-ópera innecesaria y artificial. Así el resultado melódico es variado, creando una atmósfera en la que los artificios imperan y el efectismo de buscar lo nuevo justifica el fin de la obra.

El inicio con “Rainbowarriors” da esperanzas de una posible mejoría, la mezcla con elementos procedentes de la electrónica, como scractches continuos o diferentes samplers, y el juego de voces, consiguen un buen tema. Por desgracia las siguientes sólo se limitan a intentar levantar algo vacío en contenido, ya sea imitando constantemente al timbre y fraseo de la islandesa Björk, o creyendo que por situar una base suave constante se soluciona el experimento. “Bloody Twins” es mejor que hubiese sido descartada; “Japan” carece de la gracia aparente que intentan crear; a las que se une “Houses” donde el término arty cae por sí solo. Por el camino “Animals” volvió a intentar salvar algo roto hace tiempo, incluso “Sunshine” a través de la delicadeza; pero no, ni la emocionante voz de Antony consigue dar otra cara a “Miracle”.

Tercer experimento en apariencia y cada vez una mayor desilusión al escuchar aquel grupo que creaba la fantasía como nadie en su casa francesa, ahora sólo hay sutilezas, juegos sin gracia, y mundos creados para ellas mismas, más que un mundo real.

para Popchild

CocoRosie – Rainbowarriors

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