La Costa Brava - Llamadas Perdidas - Mushroom Pillow - 2004

Con la inesperada salida de Mushroom Pillow por la puerta de atrás, y sin motivos aparentes, (decisiones empresariales, nada que decir en este punto) a La Costa Brava se le plantea un nuevo horizonte sobre el que seguir creciendo como hasta ahora lo han hecho. Fran Fernández (aka Francisco Nixon) en su blog, ha ido dando pistas de qué harían a partir de ahora, y sobre todo aclarando que LCB no está muerta, sino que se encuentran en un gran momento y seguirán pese a las dificultades. Las buenas noticias para sus seguidores llegaron igual de rápido que llegó la decisión de su discográfica; al parecer actualmente el tiempo es mínimo entre decisiones y acciones. Debido a toda esta movida había que rescatar su segundo mejor disco de la estantería, donde no es precisamente uno de los cedés que más se mantienen sin ser escuchados.

¿Y por qué el segundo mejor y no el primero? La respuesta está en que Los Días Más Largos (2003, Grabaciones en el Mar) no fue publicado por su ex-sello y que Llamadas Perdidas sí, además su título puede venir a cuento en este momento de información y desinformación, donde todo puede irse de repente arriba en un día como abajo al siguiente, justo lo contrario que los días largos de su segunda referencia en el mercado.

A estas razones, que son mera justificación para escribir algo sobre un disco que me emociona, se le añade otra de peso. Llamadas Perdidas es más sólido que su compañero de viaje, en sólo un año LCB consiguió sacar nada menos que cuatro discos y el salto dado entre su segundo y su cuarto en unos meses, fue muy importante.

Aquí el quinteto liderado por dos de las grandes personalidades del indie nacional, como son Sergio Algora y el mencionado Fran Fernández, añade más magia a su sonido y a sus canciones. Ahondan más en terrenos de la new wave, la psicodelia y el synth-pop, las melodías que acompañan a las letras no son meros hilos que sostengan a las primeras, sino que están en constante cambio y buscando sonidos más trabajados que el de la canción pop corriente.

La carta de presentación, el single con el que conquistar al público, fue desde un primer momento un himno, a la altura de los que componían con El Niño Gusano (“Angel Guardia”, “La Mujer Portugesa”…). Y es que “Adoro a las pijas de mi ciudad” es pura dosis de lo que posteriormente denominarían como Costabravismo, en el EP de mismo nombre. Templado ritmo, Fran Fernández suave en su fraseo y firmando la letra quizás más cantada por todos los seguidores del grupo. Ya con este hit lo tenían todo de cara, el pelotazo estaba asegurado entre cierto público, y la sorpresa también llegó con una mínima aceptación por un público más alejado a toda esta “movida” (véase secta, masonería, adictos, melómanos, y un largo etcétera…).

Pero allí no empezaba ni acababa el disco. El verdadero comienzo al introducir el compacto en el estéreo llegaba con “Falsos mitos sobre la piel y el cabello”, impregnando, como sólo saben hacer ellos, de alegría los temas más tristes, pese a que aquí tampoco es uno de sus temas más joviales. La continuación quedarían en manos de “Vuelvo a ser yo”, Ennio Morricone es trasladado de sus western para vestirle de pop entre psicodelia pura, de las mejores de este trabajo. Después la ironía y la gracia que ya dejaron ver con “Natalia Verbeke”, vuelve a aparecer en “El cumpleaños de Ronaldo” y “Canción para Beyoncé Knowles”.

El resto se reparte con “Toni”, un anticipo del sonido que llevaría a cabo Francisco Nixon en solitario más tarde, “Dos ostras” con buenas subidas y bajadas entre distorsión, y por último “Los jóvenes realizadores”, otra de sus letras destacadas.

Con este trabajo La Costa Brava demostraron que la incontinencia artística de cuatro discos en dos años puede ir unida con grandes frutos, buenas canciones pop y un punto de distinción dentro de este género, aportando más bien una “filosofía” con la que afrontar la vida y la música, más que canciones sueltas para olvidar tras su escucha.

para Retro Música

La costa brava – Adoro a las pijas de mi ciudad

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The Rumble Strips - Girls and Weather - Fallout Records/Universal Island  – 2007

“La material no se crea ni se destruye, sólo se transforma”. Dicha sentencia científica tan manida bien podría aplicarse al campo musical. Los géneros no se crean ni se destruyen, sólo se transforman. No existe ningún género en la historia que su aparición haya supuesto un lastre para el resto, incluso el reggaetón (aunque nos duela reconocerlo). Ahora The Rumble Strips son los protagonistas de llevar a cabo la transformación de varios géneros en uno sólo. Toda la generación de Franz Ferdinand & CIA, se recoge para conseguir una fórmula con la que lograron tanto éxito, en tan poco tiempo. Pero esto es sólo una apariencia final, en el fondo los verdaderos cimientos los establecen el ska y el soul, todo ello con grandes dosis de power pop. Los británicos parecen tenerlo claro, si hay que juntar, hagámoslo con cabeza, géneros donde el ritmo no para y el oyente se siente contagiado por el ritmo desde un inicio.

Y así es, lo que ofrece su primer largo es ritmo, mucho, sin un ápice que permita relajarse varios minutos en una canción lenta, todas tienen sus partes álgidas en las que no se para. Tras dos EPs y el apoyo de una prensa un tanto mediatizada bajo ciertos intereses (el tufillo de la NME se percibe hasta en Malasia), llegó la hora de concentrar la fuerza de sus directos en un LP y todo ello con sólo tres años desde su formación. La carrera de estos chicos en un auge tan rápido podría plantearse como espontánea en base a su calidad y aceptación por buena parte del público, ya que su sello es un “desconocido” (Fallout Records) dentro del computo global del mercado; pero si se ve de dónde proviene este sello se aclara quizás el apoyo de la NME y el rápido auge. Fallout Records es un label subsidiario de la poderosa Universal Island Records, ahora ya todo aclarado.

Independientemente de si se busca un nuevo hype que reviente listas (por ahora el máximo puesto alcanzado en las de las Islas ha sido un #41 con “Alarm Clock”) y que a los dos días nadie lo recuerde, The Rumble Strips ofrecen buen material para disfrutar con él (un mes, una semana, o un día, pero disfrutar al fin y al cabo).

Todo empieza por “No Soul”, canción más capacitada para ser presentada como single que “Time”. Tranquilos en el inicio, casi desnudos y de repente entra el ritmo, recordando a los buenos hits que todos hemos disfrutado de la banda de Kapranos pero influenciados por unos The Jam con su influencia del ska al máximo, unos The World/Infierno Friendship Society pero sin la carga social de las letras. Así se entra rápido en calor, gracias a uno de sus hilos rítmicos: la importancia de las trompetas en sus canciones, un tema tras otro se va sucediendo sin casi desniveles, aunque la mejor tralla está al comienzo. “Alarm Clock”, “Building A Boat” y “Girls And Boys In Love”, entre las que también se pueden ver cierto aíre a Adam and the Ants y a los de Robert Smith en su fase menos oscura, en especial en “Girls and Boys in Love”, próxima a “Boy Don’t Cry”, aunque como es de esperar, las distancias son abismales entre una y otra.

Después se abre paso “Motorcycle”, en la que Charlie Waller (voz y guitarra) deja el término falsete clavado al final sin desentonar –¿dónde está ese tal Mika aquí?– . Lo malo de todo este material es que sí, son chutes de adrenalina, de los que consiguen alegrarle a uno el día, pero parecen tener una caducidad muy limitada (por poner un ejemplo: “Don’t Dumb Down”). Más bien destinados a la pista de alguna discoteca con el DJ “indie” de turno, que para disfrutar sin parar uno en su habitación o en su MP3. En The Rumble Strips se ve algo, o por lo menos se confía en ver algo que no sólo se limite a vender, sino a disfrutar de la música. Realidad o ficción, disfrutemos un rato de este disco. ¿Dexy’s Midnight Runners? No, eso son palabras mayores.

para Retro Música

The Rumble Strips – Alarm Clock

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Xabel Vegas & Las Uvas de la Ira - El Óxido – Mushroom Pillow – 2008

Por aquí el término cantautor está muy denotado. No hay casi ningún artista que se autodenomine a sí mismo como tal ahora mismo, y en cambio sí que suelen atribuirse la denominación de songwriter. El concepto anglosajón sí, el original no. Los motivos pueden verse en toda la generación de cantautores que ha tenido España y que durante décadas triunfaron tanto. Por desgracia, la unión entre estos artistas y ciertos criterios, como ver en ellos estatismo u obsolescencia, están a la orden del día. Es el propio Xabel Vegas quien aclara que no es ningún cantautor en el dossier: “Soy muy cobarde y me gusto muy poco como para cantar sólo con la guitarra acústica; quiero hacer rock.” Pero cuando empieza a sonar El Óxido no se ve ese disco de rock tal y como se entiende “rock”, lo que sí que se ve es el folk propio de una persona que dota de una gran importancia la letra por encima de la melodía acompañante de éstas últimas.

Y es que las letras es lo mejor que tiene este trabajo, versos que ahondan en actitudes y vivencias personales, pero que como todas las buenas letras, se pueden personalizar en cada persona. Xabel Vegas dota a cada verso de un fraseo característico iniciado por su hermano en España, y que ha variado respecto a su primer EP, Canciones Sobre Traiciones y Mentiras (2007, Mushroom Pillow). En él se veían cinco canciones muy próximas a la discografía de Nacho Vegas, y ahora consigue una distinción mayor. Quizás un paso más que le separe de tanta sombra familiar, siempre pesada.

Para poner en pie las canciones se vale de nuevo de la banda Las Uvas de la Ira, está vez formada por: Jon Álvarez, Eras Sánchez, Eva Díaz y Alfredo González. Aunque la parte melódica tampoco está tan explotada, es más bien un soporte, muy bien trabajado, pero soporte. A veces se intercambia el papel protagonista de quién lleva a quién en la canción, si la letra o la propia melodía, pero suele ser la primera quien se haga con el dominio.

Todo primer largo es un examen para cualquier artista, y más si tiene detrás el peso de la gran obra hecha con Manta Ray, se busca en él un sello distintivo para seguir su obra. Este sello, el toque personal del músico bueno, Xabel Vegas lo consigue en su primera obra; sobre todo con dos canciones: “Dios Salve Al Rey” y “Aida ‘La Carbonera’”. Ambas son dos buenos ejemplos de letra y fuerza en el que sí puede verse ese “rock” que busca el gijonés, aunque se busque más bien el espíritu del género mítico y no su sonido propio. La primera es una letra perfecta, enrevesada, con juegos de significados, con un gran cambio de ritmo y con una ironía propia de los buenos escritores de canciones (que no cantautores). Y la segunda, sigue el mismo camino, las guitarras mantienen su papel protagonista, y el estilo de la narración recuerda a “Maldición” de su hermano, con personajes como Ezequiel, perdedores y olvidados por el resto de la sociedad.

Esta pareja no son las únicas que dejan un buen sabor de boca, también “Dulce Sangrar”, más templada con leves subidas y una duración de nada menos que siete minutos, “Exilio, País Natal”, compuesta de una letra que todos alguna vez sentimos como propia, y “Plan Num. #3#”, un buen broche final para el trabajo.

Entre medias quedan otras como la intimista “Encadenado”, voz, piano y amor, o “Enciéndeme”, con un buen ritmo, pero les falta un punto más que les impulse como las anteriores. Al igual que le pasa a “Junto Al Mar” con su constante repetición del estribillo.

Todo ello da pie a un álbum sólido, que le lleva por un camino construido en buenas canciones y buenas letras, sin referentes anglosajones (él prefiere su propia experiencia) pese a estar muy cercanos buenos nombres del género, e iniciando con él su (esperemos) prometedora carrera de fondo.

para Retro Música

Xabel Vegas – Neu!Club 17/02/07

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Eric Copeland – Hermaphrodite – Paw Tracks – 2007

Paw Tracks, la misma discográfica de Panda Bear y Animall Collective, presenta su nueva vuelta de tuerca de lo establecido como común. Eric Copeland es quien se enfunda el traje de libertino del sonido y decide no sólo experimentar como hace con Black Dice y Terrestrial Tones, sino que va más allá: él fusiona cualquier tipo de sonido y lo mezcla para obtener su canción soñada desde hace tiempo. Un tiempo exacto de dos años, los que lleva Copeland para conseguir la mezcla adecuada. Aparentemente sin nada que ver con el manifiesto de Matthew Herbert en el que no es válido para la creación musical la utilización de un mismo sonido dos veces, y que sólo puede ser obtenido de la realidad, el neoyorquino cae en las mismas pautas que el británico, aunque en dos estilos opuestos. Prefiere para la construcción del tema loops que se mantengan y sobre ellos una mezcla de ritmos muy bien conseguida en “Hermaphrodite”, más marciano en “Green Burrito”, cercano a un tribalismo de juguete en “La Booly Boo” y próximo al industrial con “Tree Aliens”. Un trabajo complejo, difícil y curioso.

para Mondo Sonoro

Eric Copeland – Live

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“Nobel se diferencia por el protagonismo de las armonías vocales y el violín”

Grande-Marlaska - El Momento de Hacer – Tres Pies - 2007

Pese a vérselas con la mano dura de la Justicia, ellos siguen apostando por la ironía y su proyecto de Súper Juez. Garzón ha pasado a mejor vida –sólo en nombre, que el de carne y hueso sigue más vivo que nunca–; si un personaje público no ve el humor por ninguna parte, y encima no se siente alagado por dar nombre a una banda, allá él, ya habrá otros que le suplanten con más clase en esta tarea. El elegido ahora para la segunda etapa es otro juez mediático, Grande-Marlaska.

El trío formado por Roberto, Malela y Pepo es más bien un subterfugio de los que actualmente ya no quedan. La iniciativa que les vino dada con Grabaciones en el Mar y Yoyo Industrias no la desaprovecharon en absoluto. Aquel EP –Otra Fuerza (2005)– fue un buen refresco para el pop de por aquí. Sin pretensiones, pero con un resultado muy gratificante. Al igual que la titular del EP sonó como una de sus canciones más ralladas en los meses siguientes a su lanzamiento, ahora recuperan otras que se convirtieron en más populares que las acompañantes. La demo traía consigo el dardo pop de minuto con treinta segundos más eficaz que han compuesto por ahora. A “JJ. OO.” se une otra ya publicada –esta vez en el recopilatorio Madrid Terminal (2005, Subterfuge)–, “Rompeolas II”, también de corta duración, pero sin el tirón de la anterior.

Destaca el hecho de que hayan vuelto a preferir un sello pequeño, Tres Pies, recién creado por ellos mismos para la ocasión, que una discográfica con un soporte mayor. Con ofertas o sin ellas, la suposición se mantiene en el aíre. Pese a esto, la presentación ha sido muy cuidada, un bonito digi-pack que acompaña de forma elegante a las canciones pop.

En El Momento de Hacer el trío muestra casi todas sus cartas en cuanto a registros. Van desde las canciones más lentas, hasta el pop-punk más alegre, siendo éste último el que mejor controlan. Incluso hasta una canción casi gamberra, por el uso de unos coros un tanto particulares en el estribillo, como es “A Partir de Ahora”, se convierte en un tema pop con gran fuerza, al igual que “Turno de Réplica”, quizás la mejor del largo, en la que tiran de forma descarada al surf con una Malela hiperactiva. La otra cara se muestra con “El Momento de Hacer”, “La Quinta” o “Grant”, pop tranquilo, y en gran partes sólo con una guitarra y la voz de ellos.

Un largo que hace disfrutar a uno del pop sin ornamentación innecesaria, en el que una guitarra con su correspondiente rasgueo, es el sonido más usado acompañado de los diferentes componentes. Política, amor, y una chispa implícita en cada canción. Grande-Marlaska ha sabido encontrar la dosis exacta de cada ingrediente para facturar un gran trabajo.

para Retro Música

Garzón – Otra fuerza

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“Las bandas se encuentran con una industria que no favorece nada a los artistas.”

Un grupo que apuesta por la alegría en sus composiciones, con la frescura del power-pop y el twee pop. En la línea de otros por aquí como Juniper Moon y Los Fresones Rebeldes, y del pop británico de gente como Belle & Sebastian o de la última hornada de pop sueco. Con Nobel, los amantes de este género no quedan desilusionados, tienen canciones pop típicas, de dos a tres minutos en las que en cada escucha se convierten en pequeñas dosis muy pegadizas para alegrarte el día. El eslogan ya lo dice: Pop will make us free; y Nobel lo lleva a la práctica. Su último disco, Cada Momento Es El Mejor, es una buena prueba de ello.

¿De dónde viene el nombre del grupo?

De los nombres de las fundadoras del grupo Noemí, Begoña y de su amiga Elena que estaba con ellas cuando pusieron el nombre.

¿Con qué miembros ha contado el grupo?

Al principio éramos cinco: Noemí (violín, guitarra y voz), Begoña (voz) e Iratxe (voz y guitarra), junto con Eriet al bajo y varios batería que fueron pasando (Jose, Lander, Igor). Y desde que Begoña se fue hemos continuado con la formación de cuarteto Noemí, Iratxe y desde hace ya algún tiempo Itxaso (bajo) y Larry (batería).

Ciudad Natal: Portugalete, Bizkaia.

Ciudad “habitual”: Getxo, Gernika, Logroño…

¿Cuándo empezó el grupo como tal, año?

Iratxe, Noemí y Begoña nos empezamos a juntar para hacer canciones en 1999, pero empezamos a ensayar con banda un par de años después, en 2001 editamos la primera maqueta y en 2002 hicimos nuestro primer concierto.

¿Existen grupos relacionados con el vuestro?

Hacemos esporádicamente colaboraciones con otras bandas, Itxaso es bajista del grupo de folk Eztauz y Larry es batería de Playskull y también dirige el grupo de percusión Tarumba.

¿Influencias?

Canciones pop de todas las épocas: Los Beatles, los grupos españoles de los 60 (Brincos, Bravos, Fórmula V…), los grupos de chicas de los 60, los grupos de la movida (Alaska, Aerolíneas Federales, Objetivo Birmania…), grupos indies de los 90 nacionales (Los Flechazos, Undershakers, La Buena Vida…) e internacionales (Teenage Fan Club, Belle & Sebastian, Ocean Colour Scene, The Cardigans…)

¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?

Es muy difícil, por no decir que es casi imposible con un proyecto propio. Es más viable como colaborador, músico de banda, de sesión,… Aún así, en nuestro caso nos dedicamos profesionalmente a la música en otros ámbitos como la enseñanza, las artes escénicas o la gestión musical.

¿Cómo veis la escena española?

La escena en cuanto a grupos está muy bien, hay muchas bandas de calidad que hacen cosas diferentes, muy buenas pero se encuentran con una industria que no favorece nada a los artistas.

¿Existe un futuro?

Existe un futuro incierto a nivel comercial, pero muy interesante en cuanto a propuestas creativas fuera de la industria. El avance tecnológico de los últimos años permite elaborar trabajos de calidad en estudios caseros y las nuevas plataformas de difusión en la red, los ponen al alcance de todo el mundo.

Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión? Unido a esto, las infraestructuras con que se cuentan en España en relación a salas es mínima… ¿Así cómo podemos disfrutar de la música? El sonido es infame en muchas, el aforo…

Los conciertos son la mejor manera que tienen los grupos para dar a conocer su música, hacerse un hueco ante el público y la prensa y para vender discos directamente sin necesidad de dar dinero a las distribuidoras. Sin embargo, hasta que un grupo no tiene un poco de nombre y repercusión, las condiciones para los conciertos son francamente lamentables. No es raro el grupo que ha tenido que pagar por tocar en cualquier garito, y esto perjudica directamente a la profesionalización de los músicos de la escena.

para Retro Música

Tarik y la Fábrica de Colores - Directo sala Neu! Club - Madrid - 16-02-2008

En la antigua Galileo Galilei, actualmente conocida como Neu! Club, Álvaro Muñoz se colgaba la Gibson al cuello encima de un traje espléndido. Tarik, junto a su Fábrica de Colores, volvía a coger forma para presentar su cuarto disco, El Hueso y La Carne (2007, Mushroom Pillow). Para la ocasión, la sala eliminaba sus mesas del piso inferior y acondicionaba el recinto, haciéndolo más accesible a este tipo de música.

El sonido de estudio escuchado en sus trabajos se mantuvo muy fiel en el directo, consiguiendo por tanto un gran nivel y mejorando lo que hasta entonces sus seguidores ya conocíamos de tanto escucharle. “Antes de la Niebla” fue una buena elección para dar comienzo al evento, las guitarras más crudas en su último disco sonaron muy bien en el tema, aunque “Anticipo”, por la letra, apuntaba más a abrir la fiesta que merecía el concierto. Este último tema fue muy bien encadenado con “Tormenta Esta Noche” –continuación también en el disco–. Pero no sólo sonaron canciones de El Hueso y La Carne, también recuperó Sequentalee (2005, Mushroom Pillow), aunque fueron sólo algunas respecto al conjunto; la presentación del último trabajo prevaleció ante él.

Dos de ellas fueron: La claridad pop de “Porque Es Domingo“, y la canción “A Balón Parado”, que bien podría haber sido un hit en toda regla cuando salió. Pero el momento clave de esta recuperación fue con “Vengan Los Amantes”, aquí Álvaro Muñoz se marcó una buena dedicatoria hacia el sector episcopal y su forma de hacer las cosas. Si escuchasen más temas como este, otro gallo cantaría.

Y por si fuera poco la banda encima del escenario, por allí aparecieron Fino Oyonarte y Cristina Plaza, pareja que forma Clovis, para poner guitarra y voz a “Vuelta a Los Colores”, una de las últimas declaraciones de intenciones del cordobés. También, en otro de los mejores momentos de la noche, se volvió a contar con una colaboración femenina, esta vez la cantante de Underwater Tea Party, Clara Martínez. Recuperaron una de las principales de Sequentalee, “Velvet Suicide”, dotándola de un gran final instrumental y con Clara repitiendo el estribillo mientras.

Los finales de algunos temas también se vieron modificados para bien, alargados, variando como es lógico el resultado de estudio cuando se lleva al directo. Entre estos destacaron “La Ascension de Lupo”, la cual no defraudó en absoluto, e incluso “Subir Al Tren”. Y ya hecha la pantomima de todos los conciertos, donde el artista sale dos segundos, intenta que el público se ponga como loco pidiendo un bis que sabe que le van a conceder, retomaron con dos sólo, entre ellas “Algo Cae Como la Lluvia”. Otro buen concierto para Tarik.

para Retro Música

Holy Fuck – LP – Young Turks – 2007

Algunos proyectos emocionan más que otros, calan más en determinados amantes de la música que lo que pudieran hacer ciertos tipos de discos o grupos, y esto se debe a un hecho sencillo: la diversidad de la propuesta. Un disco de pop puede atraer, puede convertirse en un buen disco, pero si no goza de un cierto ápice de diferencia, está sin nada que lo distinga del resto, y por eso los canadienses Holy Fuck pueden levantar la cabeza tranquilamente después de haber publicado este trabajo, porque la magia con que cuentan es única.

Ya habían comenzado a experimentar hace dos años con un largo homónimo publicado por el colectivo Dependent Music –ejemplo a seguir para el futuro musical–; la jugada salió bien pero faltaba más práctica. El EP posterior al largo, más los dos años entre medias, han conseguido esa maduración necesaria en lo musical. Y ahora se presentan con un compendio sin brechas de ningún tipo, unidos todos los miembros en busca de buenas canciones.

Brian Borcherdt es, al parecer, una de las cabezas pensantes del proyecto. El songwriter canadiense ha estado en multitud de proyectos (Burnt Black, Trephines, Hot Carl Loves the Ladies, By Divine Right, Junior Blue) y tanta experiencia consigue estar bien plasmada a la hora de organizar a tantos músicos que forman Holy Fuck.

Por su parte, el largo se reparte entre nueve temas donde se produce una buena mezcla entre electrónica, experimental y un post-rock de base. Es la reformulación de este último género a partir de los primeros lo que atrae tanto. Todas las canciones prescinden de cualquier intento de añadir una voz posterior –si bien en varias aparece este elemento, sólo cumple una función ornamental–, sólo hay melodía desde el inicio hasta el final.

La atmósfera es un concepto que es tan recurrente en boca de muchos como la fotografía es para el cine en boca de otros tantos. Una atmósfera buena, una atmósfera ficticia o creada… mil variedades se pueden leer de qué es este concepto, y al final realmente se quedan en nada. Es en discos como éste donde el término atmósfera coge realmente significado, ya que todo se construye en base a algo, en base a dotar de un campo sonoro, de un espacio, y lo más importante, se consigue. Los canadienses logran a su manera igualar los logros de grupos como Sigur Ros, Mogwai o Don Caballero, y últimamente Battles. Todos ellos dejan a los instrumentos vagar libres y con una calidad muy destacada.

Aunque ellos apuestan por estructuras más libres, en las que se alarguen los solos instrumentales de bajos y baterías mezclados siempre bajo diferentes efectos, añadiendo el último elemento al sonido. Desde un inicio que no tiene pérdida con “Super Inuit (Live)”, distorsión, la voz en unas subidas propias de un manicomio, junto a una melodía oscura; a la aparente tranquilidad y luminosidad que trae consigo “Lovely Allen”. También tenemos la mecánica repetida de “The Pulse” que hipnotiza, las esas subidas tremendas de “Royal Gregory” y por si fuera poco, el caos oscuro de “Echo Sam”. ¿Acaso se puede pedir más?

La verdad es que sí, pero el resto de los temas, aunque están bien encaminados, no terminan de igualarse a los mencionados. Quizás no es posible a estas alturas pedir un disco redondo en este género o quizás es los canadienses estén aún muy verdes para ofrecerlo. De lo que no hay ninguna duda es que es un gran trabajo para los que admiramos este sonido y disfrutamos con perlas instrumentales tan bien construidas como las suyas. Y siempre será mejor un grupo que intenté arriesgar en la búsqueda de un nuevo resultado, a otro grupo que establezca el mismo pop de siempre pero con otro nombre.

para Retro Música

Holy Fuck -Lovely Allen at Metro, 05/23/07

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Pulp – This Is Hardcore – Island – 1998

Una portada provocativa traería consigo el fin de uno los mejores pop que hasta ahora ha habido. Pulp conseguían una obra perfecta como consecuencia de dar un paso más dentro del brit-pop, luego, tres años después, la historia concluiría con un buen final, y aunque ellos dicen que este proyecto no se ha acabado, todo apunta a que We Love Life (2001, Island) es el último trabajo que publica la banda.

Jarvis Cocker creció como artista desde 1983 con la publicación de It (Cherry Red Records), por aquel entonces la new wave y el sonido de madchester tenían la mayor influencia en el proyecto de los británicos. Según fue avanzando toda la escena crecieron con ella, aunque también se podría decir al contrario, y se les incluyó en el global, y comercial, brit-pop. Un género donde entraban desde Oasis y su rock copiado de mil grupos, hasta The Boo Radleys, con la psicodelia bien presente. Así que Pulp era como el superdotado de la clase, mientras otros publicaban obras menores, y seguían manteniendo la fama por su mejor disco, ellos seguían mejorando trabajo tras trabajo. El predecesor a This Is Hardcore fue Different Class (1995, Island), pop de altura que muchos hubiesen tenido el vértigo de intentar repetir. Cocker y compañía olvidan esta carga y se echan la manta a la cabeza evitando quedarse estacados en ese pop que se acercaba cada vez más a campos comerciales.

El sexto trabajo recuperaría a otro dandy inglés, David Bowie, y más exactamente su etapa glam. El fraseo de Cocker y la mayoría de las melodías, se ven impregnadas de este cambio de miras. Un cambio nada forzado, como si desde sus primeros temas hubiesen sonado así. Al igual que mejoran en la parte melódica, las letras recogen otro estadio de madurez, adentrando al pop en la no común unión de letras inteligente y trabajadas, con melodías tan accesibles. Desde una visión irónica de los maltratos físicos, hasta una oda hacia los mayores, todo apunta a que aquí nada es común.

Pero la derivación a terrenos propios de quien en su día se escondiese tras el excéntrico Ziggy, no trae consigo un abandono total del brit-pop más puro, aquel en el que el pop era más un fin que un medio por el que saltar a la fama y vivir felices en la NME. Así lo demuestra uno de los hits del disco –aunque bien podrían ser todas las canciones consideradas como tales–, “I’m a Man” tiene la trayectoria de los británicos detrás, y el dardo pop conseguido con el estribillo tan pegadizo. Otros temas como “Help The Aged” bien podrían haberse incluido entre lo mejor del género, una buena inclusión en discos como Parklife (1994, Food/EMI) o en los mejores Suede. Tenían para todos los gustos, hasta para saltar a la dance floor como hicieron con “Party Hard”, otro himno para su repertorio, precedido de la intimista “Dishes” cuya letra la hace valer ya todos los elogios posibles.

Algún posible desnivel sí que podría atribuírsele, “TV Movie” parece seguir tanto la ironía de su mensaje que no llega a convertirse en un buen tema, y “A Little Soul” recuerda a los temas pastelosos de las películas de Hugh Grant, pese a guardar el potencial en su dura letra. Estos mínimos retoques son escondidos cuando “The Fear” abre el disco, oscura, solemne y continuada al final por “Seductive Barry”, en la que hasta un indicio al soul de Marvin Gaye por la pausa de su fraseo puede verse.

Muchas veces se hace hincapié sobre sus dos grandes discos anteriores, pero This Is Hardcore tiene el mismo nivel que ellos y no merece ese tercer puesto o incluso inferior que se le da, dentro de la discografía de Pulp, sino un número uno o dos compartido con los ya mencionados.

para Retro Música

Pulp – Party Hard

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