Grande-Marlaska - El Momento de Hacer – Tres Pies - 2007

Pese a vérselas con la mano dura de la Justicia, ellos siguen apostando por la ironía y su proyecto de Súper Juez. Garzón ha pasado a mejor vida –sólo en nombre, que el de carne y hueso sigue más vivo que nunca–; si un personaje público no ve el humor por ninguna parte, y encima no se siente alagado por dar nombre a una banda, allá él, ya habrá otros que le suplanten con más clase en esta tarea. El elegido ahora para la segunda etapa es otro juez mediático, Grande-Marlaska.

El trío formado por Roberto, Malela y Pepo es más bien un subterfugio de los que actualmente ya no quedan. La iniciativa que les vino dada con Grabaciones en el Mar y Yoyo Industrias no la desaprovecharon en absoluto. Aquel EP –Otra Fuerza (2005)– fue un buen refresco para el pop de por aquí. Sin pretensiones, pero con un resultado muy gratificante. Al igual que la titular del EP sonó como una de sus canciones más ralladas en los meses siguientes a su lanzamiento, ahora recuperan otras que se convirtieron en más populares que las acompañantes. La demo traía consigo el dardo pop de minuto con treinta segundos más eficaz que han compuesto por ahora. A “JJ. OO.” se une otra ya publicada –esta vez en el recopilatorio Madrid Terminal (2005, Subterfuge)–, “Rompeolas II”, también de corta duración, pero sin el tirón de la anterior.

Destaca el hecho de que hayan vuelto a preferir un sello pequeño, Tres Pies, recién creado por ellos mismos para la ocasión, que una discográfica con un soporte mayor. Con ofertas o sin ellas, la suposición se mantiene en el aíre. Pese a esto, la presentación ha sido muy cuidada, un bonito digi-pack que acompaña de forma elegante a las canciones pop.

En El Momento de Hacer el trío muestra casi todas sus cartas en cuanto a registros. Van desde las canciones más lentas, hasta el pop-punk más alegre, siendo éste último el que mejor controlan. Incluso hasta una canción casi gamberra, por el uso de unos coros un tanto particulares en el estribillo, como es “A Partir de Ahora”, se convierte en un tema pop con gran fuerza, al igual que “Turno de Réplica”, quizás la mejor del largo, en la que tiran de forma descarada al surf con una Malela hiperactiva. La otra cara se muestra con “El Momento de Hacer”, “La Quinta” o “Grant”, pop tranquilo, y en gran partes sólo con una guitarra y la voz de ellos.

Un largo que hace disfrutar a uno del pop sin ornamentación innecesaria, en el que una guitarra con su correspondiente rasgueo, es el sonido más usado acompañado de los diferentes componentes. Política, amor, y una chispa implícita en cada canción. Grande-Marlaska ha sabido encontrar la dosis exacta de cada ingrediente para facturar un gran trabajo.

para Retro Música

Garzón – Otra fuerza

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“Las bandas se encuentran con una industria que no favorece nada a los artistas.”

Un grupo que apuesta por la alegría en sus composiciones, con la frescura del power-pop y el twee pop. En la línea de otros por aquí como Juniper Moon y Los Fresones Rebeldes, y del pop británico de gente como Belle & Sebastian o de la última hornada de pop sueco. Con Nobel, los amantes de este género no quedan desilusionados, tienen canciones pop típicas, de dos a tres minutos en las que en cada escucha se convierten en pequeñas dosis muy pegadizas para alegrarte el día. El eslogan ya lo dice: Pop will make us free; y Nobel lo lleva a la práctica. Su último disco, Cada Momento Es El Mejor, es una buena prueba de ello.

¿De dónde viene el nombre del grupo?

De los nombres de las fundadoras del grupo Noemí, Begoña y de su amiga Elena que estaba con ellas cuando pusieron el nombre.

¿Con qué miembros ha contado el grupo?

Al principio éramos cinco: Noemí (violín, guitarra y voz), Begoña (voz) e Iratxe (voz y guitarra), junto con Eriet al bajo y varios batería que fueron pasando (Jose, Lander, Igor). Y desde que Begoña se fue hemos continuado con la formación de cuarteto Noemí, Iratxe y desde hace ya algún tiempo Itxaso (bajo) y Larry (batería).

Ciudad Natal: Portugalete, Bizkaia.

Ciudad “habitual”: Getxo, Gernika, Logroño…

¿Cuándo empezó el grupo como tal, año?

Iratxe, Noemí y Begoña nos empezamos a juntar para hacer canciones en 1999, pero empezamos a ensayar con banda un par de años después, en 2001 editamos la primera maqueta y en 2002 hicimos nuestro primer concierto.

¿Existen grupos relacionados con el vuestro?

Hacemos esporádicamente colaboraciones con otras bandas, Itxaso es bajista del grupo de folk Eztauz y Larry es batería de Playskull y también dirige el grupo de percusión Tarumba.

¿Influencias?

Canciones pop de todas las épocas: Los Beatles, los grupos españoles de los 60 (Brincos, Bravos, Fórmula V…), los grupos de chicas de los 60, los grupos de la movida (Alaska, Aerolíneas Federales, Objetivo Birmania…), grupos indies de los 90 nacionales (Los Flechazos, Undershakers, La Buena Vida…) e internacionales (Teenage Fan Club, Belle & Sebastian, Ocean Colour Scene, The Cardigans…)

¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?

Es muy difícil, por no decir que es casi imposible con un proyecto propio. Es más viable como colaborador, músico de banda, de sesión,… Aún así, en nuestro caso nos dedicamos profesionalmente a la música en otros ámbitos como la enseñanza, las artes escénicas o la gestión musical.

¿Cómo veis la escena española?

La escena en cuanto a grupos está muy bien, hay muchas bandas de calidad que hacen cosas diferentes, muy buenas pero se encuentran con una industria que no favorece nada a los artistas.

¿Existe un futuro?

Existe un futuro incierto a nivel comercial, pero muy interesante en cuanto a propuestas creativas fuera de la industria. El avance tecnológico de los últimos años permite elaborar trabajos de calidad en estudios caseros y las nuevas plataformas de difusión en la red, los ponen al alcance de todo el mundo.

Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión? Unido a esto, las infraestructuras con que se cuentan en España en relación a salas es mínima… ¿Así cómo podemos disfrutar de la música? El sonido es infame en muchas, el aforo…

Los conciertos son la mejor manera que tienen los grupos para dar a conocer su música, hacerse un hueco ante el público y la prensa y para vender discos directamente sin necesidad de dar dinero a las distribuidoras. Sin embargo, hasta que un grupo no tiene un poco de nombre y repercusión, las condiciones para los conciertos son francamente lamentables. No es raro el grupo que ha tenido que pagar por tocar en cualquier garito, y esto perjudica directamente a la profesionalización de los músicos de la escena.

para Retro Música

Tarik y la Fábrica de Colores - Directo sala Neu! Club - Madrid - 16-02-2008

En la antigua Galileo Galilei, actualmente conocida como Neu! Club, Álvaro Muñoz se colgaba la Gibson al cuello encima de un traje espléndido. Tarik, junto a su Fábrica de Colores, volvía a coger forma para presentar su cuarto disco, El Hueso y La Carne (2007, Mushroom Pillow). Para la ocasión, la sala eliminaba sus mesas del piso inferior y acondicionaba el recinto, haciéndolo más accesible a este tipo de música.

El sonido de estudio escuchado en sus trabajos se mantuvo muy fiel en el directo, consiguiendo por tanto un gran nivel y mejorando lo que hasta entonces sus seguidores ya conocíamos de tanto escucharle. “Antes de la Niebla” fue una buena elección para dar comienzo al evento, las guitarras más crudas en su último disco sonaron muy bien en el tema, aunque “Anticipo”, por la letra, apuntaba más a abrir la fiesta que merecía el concierto. Este último tema fue muy bien encadenado con “Tormenta Esta Noche” –continuación también en el disco–. Pero no sólo sonaron canciones de El Hueso y La Carne, también recuperó Sequentalee (2005, Mushroom Pillow), aunque fueron sólo algunas respecto al conjunto; la presentación del último trabajo prevaleció ante él.

Dos de ellas fueron: La claridad pop de “Porque Es Domingo“, y la canción “A Balón Parado”, que bien podría haber sido un hit en toda regla cuando salió. Pero el momento clave de esta recuperación fue con “Vengan Los Amantes”, aquí Álvaro Muñoz se marcó una buena dedicatoria hacia el sector episcopal y su forma de hacer las cosas. Si escuchasen más temas como este, otro gallo cantaría.

Y por si fuera poco la banda encima del escenario, por allí aparecieron Fino Oyonarte y Cristina Plaza, pareja que forma Clovis, para poner guitarra y voz a “Vuelta a Los Colores”, una de las últimas declaraciones de intenciones del cordobés. También, en otro de los mejores momentos de la noche, se volvió a contar con una colaboración femenina, esta vez la cantante de Underwater Tea Party, Clara Martínez. Recuperaron una de las principales de Sequentalee, “Velvet Suicide”, dotándola de un gran final instrumental y con Clara repitiendo el estribillo mientras.

Los finales de algunos temas también se vieron modificados para bien, alargados, variando como es lógico el resultado de estudio cuando se lleva al directo. Entre estos destacaron “La Ascension de Lupo”, la cual no defraudó en absoluto, e incluso “Subir Al Tren”. Y ya hecha la pantomima de todos los conciertos, donde el artista sale dos segundos, intenta que el público se ponga como loco pidiendo un bis que sabe que le van a conceder, retomaron con dos sólo, entre ellas “Algo Cae Como la Lluvia”. Otro buen concierto para Tarik.

para Retro Música

Holy Fuck – LP – Young Turks – 2007

Algunos proyectos emocionan más que otros, calan más en determinados amantes de la música que lo que pudieran hacer ciertos tipos de discos o grupos, y esto se debe a un hecho sencillo: la diversidad de la propuesta. Un disco de pop puede atraer, puede convertirse en un buen disco, pero si no goza de un cierto ápice de diferencia, está sin nada que lo distinga del resto, y por eso los canadienses Holy Fuck pueden levantar la cabeza tranquilamente después de haber publicado este trabajo, porque la magia con que cuentan es única.

Ya habían comenzado a experimentar hace dos años con un largo homónimo publicado por el colectivo Dependent Music –ejemplo a seguir para el futuro musical–; la jugada salió bien pero faltaba más práctica. El EP posterior al largo, más los dos años entre medias, han conseguido esa maduración necesaria en lo musical. Y ahora se presentan con un compendio sin brechas de ningún tipo, unidos todos los miembros en busca de buenas canciones.

Brian Borcherdt es, al parecer, una de las cabezas pensantes del proyecto. El songwriter canadiense ha estado en multitud de proyectos (Burnt Black, Trephines, Hot Carl Loves the Ladies, By Divine Right, Junior Blue) y tanta experiencia consigue estar bien plasmada a la hora de organizar a tantos músicos que forman Holy Fuck.

Por su parte, el largo se reparte entre nueve temas donde se produce una buena mezcla entre electrónica, experimental y un post-rock de base. Es la reformulación de este último género a partir de los primeros lo que atrae tanto. Todas las canciones prescinden de cualquier intento de añadir una voz posterior –si bien en varias aparece este elemento, sólo cumple una función ornamental–, sólo hay melodía desde el inicio hasta el final.

La atmósfera es un concepto que es tan recurrente en boca de muchos como la fotografía es para el cine en boca de otros tantos. Una atmósfera buena, una atmósfera ficticia o creada… mil variedades se pueden leer de qué es este concepto, y al final realmente se quedan en nada. Es en discos como éste donde el término atmósfera coge realmente significado, ya que todo se construye en base a algo, en base a dotar de un campo sonoro, de un espacio, y lo más importante, se consigue. Los canadienses logran a su manera igualar los logros de grupos como Sigur Ros, Mogwai o Don Caballero, y últimamente Battles. Todos ellos dejan a los instrumentos vagar libres y con una calidad muy destacada.

Aunque ellos apuestan por estructuras más libres, en las que se alarguen los solos instrumentales de bajos y baterías mezclados siempre bajo diferentes efectos, añadiendo el último elemento al sonido. Desde un inicio que no tiene pérdida con “Super Inuit (Live)”, distorsión, la voz en unas subidas propias de un manicomio, junto a una melodía oscura; a la aparente tranquilidad y luminosidad que trae consigo “Lovely Allen”. También tenemos la mecánica repetida de “The Pulse” que hipnotiza, las esas subidas tremendas de “Royal Gregory” y por si fuera poco, el caos oscuro de “Echo Sam”. ¿Acaso se puede pedir más?

La verdad es que sí, pero el resto de los temas, aunque están bien encaminados, no terminan de igualarse a los mencionados. Quizás no es posible a estas alturas pedir un disco redondo en este género o quizás es los canadienses estén aún muy verdes para ofrecerlo. De lo que no hay ninguna duda es que es un gran trabajo para los que admiramos este sonido y disfrutamos con perlas instrumentales tan bien construidas como las suyas. Y siempre será mejor un grupo que intenté arriesgar en la búsqueda de un nuevo resultado, a otro grupo que establezca el mismo pop de siempre pero con otro nombre.

para Retro Música

Holy Fuck -Lovely Allen at Metro, 05/23/07

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Pulp – This Is Hardcore – Island – 1998

Una portada provocativa traería consigo el fin de uno los mejores pop que hasta ahora ha habido. Pulp conseguían una obra perfecta como consecuencia de dar un paso más dentro del brit-pop, luego, tres años después, la historia concluiría con un buen final, y aunque ellos dicen que este proyecto no se ha acabado, todo apunta a que We Love Life (2001, Island) es el último trabajo que publica la banda.

Jarvis Cocker creció como artista desde 1983 con la publicación de It (Cherry Red Records), por aquel entonces la new wave y el sonido de madchester tenían la mayor influencia en el proyecto de los británicos. Según fue avanzando toda la escena crecieron con ella, aunque también se podría decir al contrario, y se les incluyó en el global, y comercial, brit-pop. Un género donde entraban desde Oasis y su rock copiado de mil grupos, hasta The Boo Radleys, con la psicodelia bien presente. Así que Pulp era como el superdotado de la clase, mientras otros publicaban obras menores, y seguían manteniendo la fama por su mejor disco, ellos seguían mejorando trabajo tras trabajo. El predecesor a This Is Hardcore fue Different Class (1995, Island), pop de altura que muchos hubiesen tenido el vértigo de intentar repetir. Cocker y compañía olvidan esta carga y se echan la manta a la cabeza evitando quedarse estacados en ese pop que se acercaba cada vez más a campos comerciales.

El sexto trabajo recuperaría a otro dandy inglés, David Bowie, y más exactamente su etapa glam. El fraseo de Cocker y la mayoría de las melodías, se ven impregnadas de este cambio de miras. Un cambio nada forzado, como si desde sus primeros temas hubiesen sonado así. Al igual que mejoran en la parte melódica, las letras recogen otro estadio de madurez, adentrando al pop en la no común unión de letras inteligente y trabajadas, con melodías tan accesibles. Desde una visión irónica de los maltratos físicos, hasta una oda hacia los mayores, todo apunta a que aquí nada es común.

Pero la derivación a terrenos propios de quien en su día se escondiese tras el excéntrico Ziggy, no trae consigo un abandono total del brit-pop más puro, aquel en el que el pop era más un fin que un medio por el que saltar a la fama y vivir felices en la NME. Así lo demuestra uno de los hits del disco –aunque bien podrían ser todas las canciones consideradas como tales–, “I’m a Man” tiene la trayectoria de los británicos detrás, y el dardo pop conseguido con el estribillo tan pegadizo. Otros temas como “Help The Aged” bien podrían haberse incluido entre lo mejor del género, una buena inclusión en discos como Parklife (1994, Food/EMI) o en los mejores Suede. Tenían para todos los gustos, hasta para saltar a la dance floor como hicieron con “Party Hard”, otro himno para su repertorio, precedido de la intimista “Dishes” cuya letra la hace valer ya todos los elogios posibles.

Algún posible desnivel sí que podría atribuírsele, “TV Movie” parece seguir tanto la ironía de su mensaje que no llega a convertirse en un buen tema, y “A Little Soul” recuerda a los temas pastelosos de las películas de Hugh Grant, pese a guardar el potencial en su dura letra. Estos mínimos retoques son escondidos cuando “The Fear” abre el disco, oscura, solemne y continuada al final por “Seductive Barry”, en la que hasta un indicio al soul de Marvin Gaye por la pausa de su fraseo puede verse.

Muchas veces se hace hincapié sobre sus dos grandes discos anteriores, pero This Is Hardcore tiene el mismo nivel que ellos y no merece ese tercer puesto o incluso inferior que se le da, dentro de la discografía de Pulp, sino un número uno o dos compartido con los ya mencionados.

para Retro Música

Pulp – Party Hard

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Amen Corner - The Very Best of Amen Corner – Brilliant - 1999

No soy muy partidario de los grandes éxitos de los grupos, no veo ningún atractivo en ellos, ya que siempre se dejan algo fuera del tintero y resulta ser el elemento que da al grupo su distinción, desde una canción muy importante, a por el contrario, un orden nefasto en estas. Además cada artista tendría que defender su repertorio en sus respectivos largos, –a no ser que publique sólo EPs o 7”, en cuyo caso, lo defendería en este formato– porque quizás tengan todos los discos iguales (pobres…) y les salga el recopilatorio como un trabajo más, pero cuando cada trabajo es un estilo diferente, el recopilatorio se tambalea por sí solo.

Por desgracia, conseguir hoy algunos trabajos de los sesenta se antoja más bien como una tarea de arqueólogo o de intrépido melómano. Para estos casos es cuando los grandes éxitos de este tipo sí se ven justificados. Muchos grupos que sólo sacaron un disco, e incluso algunos que sólo publicaron su material en siete pulgadas, hoy pueden verse borrados del mapa por la dificultad para escucharlos. En varios casos son grupos a tener en cuenta, desconocidos por políticas comerciales erradas o por distintos intereses. Y en otros casos, son grupos que tuvieron su éxito efímero y después no se ha vuelto a saber nada de ellos. Este es el caso de Amen Corner, quienes consiguieron su único número uno en 1969 en las listas británicas con “(If Paradise Is) Half as Nice” y justo ese año se separaron.

Llama la atención que lo consiguiesen con una de las canciones más flojas de su repertorio, donde tiraban hacia registros muy pastelosos, e incluso horteras, en los que la voz de Andy Fairweather Low mantiene un constante falsete cansino con unos coros y una melodía de melodrama barato. Esto se verá después aumentado cuando Andy empieza en solitario y colabora con los Bee Gees. Pese a intentar revivir el éxito con un directo y un regreso, la banda se quedó en sus dos primeros discos y no pasó de ahí más.

En este recopilatorio se ve lo ya comentado, la variedad de los diferentes estilos que podía tener un grupo en unos pocos trabajos. Desde la mezcla desastrosa que hicieron cuando derivaron al pop, mezclándolo con un góspel-soul orquestado a más no poder, hasta los inicios en los que la psicodelia y el soul (esta vez del bueno) se dejaban fundir perfectamente con el pop.

Además de ofrecer su repertorio, añaden tres versiones muy en la línea de lo que solían hacer. Así versionan el “Get Back” de The Beatles, “Proud Mary” de Creedence Clearwater Revival, aunque la versión de Tina Turner y su ex Ike puso en otro nivel este tema, y por último la mítica canción de The Band “The Weight”.

Para no contradecir a la producción de aquellos tiempos en muchas de las canciones se ve como la base se mantiene como un todo, junto y sin apenas aperturas, alguna que otra trompeta para variar el resultado, pero ninguna guitarra que deje a la batería constante sin su presencia. Cuando tiran por la vía de grupos como The Who o Small Faces se quitan un poco estas restricciones, y los temas salen mejor (“Hello Sussie”, “Welcome to the Club”) e incluso con la psicodelia de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (1967, Parlophone) presente en “Lady Riga”. Como curiosidad, la canción “Things Ain`t What They Used to Be” tiene un gran parecido a la de “Rock & Roll Star” de Sabino y Loquillo, mero hecho anecdótico o coincidencia intencionada por parte de estos últimos.

Buenos temas pop para rescatar o para conocer si no se ha hecho aún, aunque dejando de lado otros como “At Last I’ve Found Someone to Love” o “Mr Nonchalant” si no se quiere sufrir un ataque de caries por injerir demasiado dulce.

para Retro Música

Amen Corner – Hello Suzie

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Apenino – Un Rayo de Sol – Jabalina – 2007

Tercera referencia de quien estuviese en Dar Ful junto a Xabi Font. Marco Maril no se apea del pop electrónico que le ha caracterizado desde En la Hora Azul (2003, Jabalina) con grandes dosis de lo-fi. Un pop que ha conseguido firmar como propio, bebiendo de muchos, pero consiguiendo que a la primera escucha se le asocie con su nombre.

Sigue madurando el sonido como ya hiciese en Bumerán, Bumerán (2004, Jabalina). Canciones que suenan cada vez más a conjuntos melódicos cerrados, con la voz de Marco llegando a convertirse en un instrumento de viento más, de seguir en siguientes trabajos por la misma línea.

Son más bien desarrollos melódicos en los que disfrutar de la tranquilidad del sonido y de la calidad de las letras. A veces puede llegar a causar tedio si uno no es amante de este género, pero con las escuchas va ganando calidad, disfrutando de matices antes desapercibidos. Pese a construir el sonido bajo un pilar claro Marco Maril no se corta al aproximarse a la figura de Carlos Berlanga en “Dias de Septiembre”, un techno-pop elegante que contrasta por la visión tan banal que hacen otros grupos de tal género. Aún así las mejores llegan en el inicio con “El Chico de la Camiseta a Rayas” con la variación del tempo entre samplers y las diferentes voces; y esa perla de himno mod delicado que es “Sol de Japon” donde cada verso es un fiel reflejo de la cultura moderna. Por el camino quedaron la oscura “Dias de Septiembre” propia de la Maqueta Plateada de los donostiarras Family, también “La Cancion del Verano!” rememorando el tiempo estival y sus acontecimientos; y finalmente “Nos Sienta Grande” entre distorsión y Marco como un susurro por encima sin variar.

También tiene sus momentos de estancamiento en los que cuesta sacar algo diferente de un sonido tan monótono en apariencia. “Below the Stars” es un naïf demasiado sobrecargado, “El Amor Nos Hace Viajar” no deja de sonar a una versión actualizada de “Como un aviador” de Family; y “El Balneario” es inocente, podría tener su atractivo si cambiase luego el registro a otro sonido pero no varía casi y se pierde.

Un buen disco de género, de esos que esquivas en días de lluvia apagados y que hay que saber apreciar dentro de su contexto. Sencillo, y a la vez la maniobra más complicada que ha hecho Marco Maril en su trayectoria como Apenino.

para Retro Música

Apenino – Días de Septiembre

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Dali’s Car - The Waking Hour – Paradox – 1984

En 1983 un grupo mítico se separa, Bauhaus decide acabar aquí el camino y contemplar los escasos cinco años en activo con una producción discográfica asombrosa, cinco LPs en sólo tres años, de lo mejor del post-punk de la época, con una presentación –In The Flat Field (1980, 4AD) que sigue hoy más vigente que nunca. De la vuelta a los escenarios, del nuevo trabajo y de cómo intentar sacar rentabilidad veinte años después a un mito, mejor se habla otro día.

Una de las cabezas pensantes de aquel grupo era su carismático cantante, Peter Murphy, éste, intentando seguir en la música tras la separación de la banda, comienza a buscar nuevas propuestas para llevar a cabo. Casualmente un año antes, en 1982, otro grupo emblemático dejaba de sonar por los circuitos londinenses. Japan y su new wave precoz también abandonaban el mercado discográfico, esta vez para volver del mismo modo a finales de los 80 e irse según llegaron, con broncas entre ellos y con una reunión desastrosa. Murphy se juntó entonces en ese momento con el bajista de los londinenses, Mick Karn, un tipo con unas inquietudes y un desarrollo musical bastante amplio, perfecto para complementar a la voz del ex-Bauhaus. El tercer pie de apoyo sería Paul Vincent Lawford, centrado en la parte electrónica y de percusión, además de una mayor presencia en los directos.

Al mezclar la experiencia que cada uno tenía, el resultado iba a ser similar pero con muchos matices. Murphy traía consigo la oscuridad, su voz, y dejaba atrás las letras cerradas de su anterior proyecto por desgracia, además de su sonido; mientras tanto Karn quería desarrollar más su protagonismo al bajo, y así se establecerán los largos desarrollos instrumentales con los que cuenta The Waking Hour (1984, Paradox), además del sonido de Japan venido a menos.

Entre una new wave en apariencia reciente, el post-punk como punto de inicio y la seducción de una electrónica pobre, Dali’s Car comienza a andar. El único largo que publicaron para Paradox se completa con siete canciones, las primeras y últimas que publicarían –salvo la cara B de su, también único, single– debido al fiasco de ventas de su álbum. A esto último no se le puede achacar la existencia de un público sordo e inexperto en cuanto a la comprensión de su sonido, sino más bien al propio resultado del grupo. Canciones intentando sonar más experimentales y cayendo en la monotonía de un teclado y un bajo sin nada más, unas letras un tanto vacías pese al esfuerzo de cubrirlas de temas “trascendentales”, y así una y otra vez repitiendo el ritmo en el que no aportan nada nuevo.

Con el comienzo se dan los dos temas que pueden ofrecer lo mejor del trabajo, “Dali’s Car” y “His Box”, donde el bajo deriva hacia terrenos propios del funk, para luego bajar hasta “Create And Melt”, en el que se intenta tirar de estribillo para levantar algo todo. El funk débil de base que muchas veces intentan no es conseguido nunca, sólo son partes electrónicas que hasta tocan con ritmos árabes vacíos de interés. Así el carácter solemne de “Cornwall Stone” se antoja como eterno y “Moonlife”, pese a tener una melodía no tan mala como los otros temas, tiene en la repetición su perdición.

Después, el sello británico Beggars Banquet, reeditaría el trabajo cuatro años después de su salida al mercado, con las carreras de ambos miembros ya estabilizadas, intentando seguir al pie del cañón. Un LP muy flojo para lo que se podía haber esperado de la unión de dos buenos artistas, con un interés especial en ver qué hicieron, cómo unieron sus carreras, pero sin estar a la altura de otros grupos del momento.

para Retro Música

Dali’s Car – “His Box”

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Suite - Piezas Contentas – Astro Discos – 2007

El grupo barcelonés Suite se presenta en el mercado de la mano de Astro para poner en largo lo que llevan haciendo desde 2002 en directo. Tras una sugerente portada al estilo Jagger o Springteen con sus vaqueros, se escode un buen disco de pop de por aquí. Un pop que si bien mira al extranjero y a su tradición rockera, el idioma, y la forma de afrontar cada tema, tienen tantas similitudes con grupos patrios como con grupos extranjeros.

Los primeros nombres que se vienen a la cabeza son dos grandes: David Bowie y Marc Bolan, ambos en su etapa glam, una influencia que Suite tiene bastante presente en todo el largo, pero después poco a poco se van viendo parecidos con el pop que está llevando a cabo los andaluces Lori Meyers, ciertos atisbos a Sidonie y por qué no, también a La Costa Brava. El pop es power pop, o es glam muy influenciado por el rock anglosajón y el pop de los británicos Supergrass, pero acaba resultando ser una buena melodía pegadiza y alegre, todo ello sin caer a terrenos cercanos de Perezas y demás grupos de la fast-music.

Todo esto no ha surgido de la nada, sino que se nota la preparación musical de los miembros, cada uno curtido en varios proyectos y poniendo así su grano de arena al resultado final. Robert Castellanos, voz y guitarras, formó parte de Carrots, y también como técnico de Sidonie; Alvaro Suite, guitarra y voz, está en varios sitios a la vez, desde los propios Suite, hasta en los Smack Dab y en la nueva banda de Bunbury; Luis Bestard en El Diablo en el Ojo; y por último, Robert Gómez “Revolbert” ha participado en varios proyectos con su guitarra. Así que experiencia tienen y se nota para bien.

Tranquilos en “La Gran Ciudad” y en “Piezas Contentas” con buenas letras, prefiriendo las guitarras en “Virgine” y “Suite” rememorando el rock británico y los buenos riffs, una psicodelia mínima para “Fiebre de Amor”, y un buen dardo con “Duque Dellate”, aunando pop y glam para abrir el trabajo. La presentación antoja un resultado más que llamativo, un disco disfrutable y agradable para la escena española, y que pone a Suite en órbita, reclamando una atención merecida.

para Popchild

Suite – Duque Detalle

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Refree – Directo sala Neu! Club – Madrid – 09-02-2008

El ambiente era el más propicio para este concierto; como todos los buenos del jazz, la adecuación a salas pequeñas en las que el público es una selecta minoría, es donde más crece su repertorio. Aquí Refree hace valer todas sus posibilidades sin que incómodas conversaciones interrumpan la recepción del concierto, y además la comodidad está asegurada, la preferencia de estar casi dos horas de pies para mantener la atención de este tipo de espectáculos es muy reducida frente a un cómodo asiento. Todo esto no evita la insoportable espera de media hora para que el artista siga detrás del escenario y todos esperándole.

Raül Fernández sigue presentando su último disco Els Invertebrat (2007, Acuarela) por las distintas localizaciones de España. El pop en él se va reduciendo paulatinamente hasta llegar un día en que el jazz pueda seducirle más que el género de los tres minutos. Esto se debe desde el resultado que ha entregado en sus últimos discos, a la forma a que encara el directo: con un contrabajo, unos teclados y una batería jazzy, además de él a la guitarra. Refree va rompiendo el cascarón que nunca ha tenido, ya que siempre ha sido un ejercicio bastante libre en el que no había molestos corsés y barreras de los que no salirse. Cuando se escuchan en directo sus composiciones uno se imagina a un modisto específicamente para Raül Fernández, un modisto que combina los diferentes trajes musicales que el catalán tiene, y toda la experiencia a sus espaldas, para diseñarle un traje que según crece se le queda igual que a un niño sus primeros vaqueros.

De sus cuatro discos publicados Nones (2003,Acuarela) es quizá su disco más redondo, una joya, delicado y emotivo, así que abrir con “Les Soldats Perdus” de manera acústica, él solo con la guitarra, anticipaba que todo iría como la seda. Y así fue, la alegre “Un Oficio Antiguo”, de su último disco, le daba el paso a la mezcla con el jazz, desde el ritmo de la canción hasta la presentación del tema como hacen las figuras de este género, acto que haría varias veces en los temas siguientes. La voz de Raül Fernández es un buen soporte para sus versos rebuscados en los que parece ver la realidad desde otro punto de vista, los falsetes los alcanza bastante bien sin desviarse demasiado, y consigue variar el ritmo al igual que los instrumentos que la acompañan. “Que Vivan Los Feos” es de esas canciones que le hacen especial, mantenida, con un piano y una batería construyéndola, que parece que se va a descomponer en el aíre pero no, llega perfecta hasta el final, impecable como las demás. Pero la sorpresa estaría en la reformulación de “La Trampa” o “El Hueco” hacia los mismos caminos comentados, más razones por las que Refree va haciendo su particular evolución poco a poco, en la que incluye incluso la evolución de sus anteriores temas.

Entre medias “Els Peut del Llit” alegrando el ritmo, “Inventario” y “Marlina”, aunque cualquier podría destacarse por el buen nivel que llevan consigo, dejando a Refree como a uno de los artistas más importantes de por aquí, y sobre todo, con unas ganas de ver si al siguiente trabajo el sastre definitivamente le pone el traje entero de jazz y se deja contagiar por más ritmos cercanos a Chano Dominguez, una colaboración utópica, pero mágica de llevarse a cabo algún día.

para Retro Música

Refree – Envejece

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