Herbert: El artista completo

La presentación a estas alturas de un personaje como Matthew Herbert tendría que ser innecesaria, su figura debería ser tan popular como otros artistas de folletín con un solo hit para luego desaparecer. Herbert es uno de los grandes de la música electrónica en la actualidad, lo que ha conseguido no ha sido gracias a un éxito temporal y superfluo, sino gracias a una carrera en la que ha ido mejorando referencia tras referencia. Londres y sus alrededores han sido su círculo de formación, desde que naciese en 1972 hasta sus primeros experimentos con música en la etapa universitaria. Aquí es donde comienzan los diferentes alias tras los que esconderá su línea más experimental y arriesgada. El primero de ellos fue Whismountain, donde empezó con el gusto por lo natural a la hora de buscar sonidos –las noticias que existen de esa época sitúan a Herbert con una bolsa de patatas como instrumento–; firma dos EPs y un álbum –Whismountainisdead (1998)– en los que el resultado sorprende de forma notable. En estos momentos Herbert no estaba asentado en un sonido fijo, si bien se adelantó a futuras modas con 100 Lbs (1996) en el que el house tomó otra visión, sus idas y venidas como Radio Boy y la reivindicación de su música no traía una constancia en su trayectoria.

A mediados de los noventa llegaría el cambio con un viaje a San Francisco en el que conoció a quien sería su pareja sentimental y artística hasta hoy. Dani Siciliano le influyó desde su experiencia en el campo del jazz, y Herbert aceptó de buen grado firmando Around The House (1998). Todo empezaba a cambiar, el deep house se dejaba contagiar de la clase del acid jazz y ganaba enteros con la aportación vocal de Siciliano. Pero no sería hasta 2001 cuando llegase el culmen de este sonido, Bodily Functions (2001) tenía ya un gran predecesor por lo que no comenzaba de cero, en tres años Herbert y Siciliano habían mejorado desde colaboraciones con terceros hasta discos de remezclas en los que Herbert dejaba ver lo que podía venir en breve. Y así fue, Bodyly Functions no decepcionó a nadie, se convirtió con medios tempos como “It’s Only” o “The Last Beat”, con canciones directamente jazz (“I Know”) y con esa perla dejada para el final del disco (“The audience”), en una obra de referencia para el género, y un trabajo difícil de superar en la discografía del londinense.

Y la aventura no para en este punto, Matthew Herbert continúa publicando temas de la talla de “Moving Like A Train”, discos en los que sigue variando el sonido iniciado como Scale (2006), y todo esto simultaneado con su vena reivindicativa y política. Él no es un hombre corriente, no es un músico más que se limita a publicar un trabajo tras otro. Bajo el título Personal Contract for the Composition of Music (Incorporating the Manifest of Mistakes) (PCCOM) establece una serie de pautas en las que se construirá su música, crea también City X en una visión utópica por solucionar los problemas políticos, además de discos conceptuales bajo sus diferentes alias en los que los ruidos naturales generados por las industrias él los convierte en música –The Mechanics of Destruction(2001), Plat Du Jour (2005)–. Matthew Herbert es un artista completo, un genio que no para de innovar y de experimentar con la música.

para Azul Eléctrico

Matthew Herbert Big Band & Dani Siciliano – The Audience

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Monade - Monstre Cosmic – Too Pure – 2008

 

Para un seguidor incondicional de Stereolab, que dicho proyecto se diversificase en varias ramas, sin que por ello perdiese la estabilidad y la creatividad el núcleo madre, fue una noticia muy bien recibida. Cualquiera escisión como grupo paralelo guarda un buen recuerdo si goza de unos mínimos, y cuando en 1996 Lætitia Sadier decidió crear una nueva vía a la vez que la del grupo británico, las expectaciones estaban creadas.

El primer álbum, Socialisme Ou Barbarie (2003, Duophonic), se presentó en forma de recopilatorio, juntando todas las canciones que Sadier había hecho hasta ahora. Ya en 2005 llega su esperada carta en largo, y tantas expectativas a veces no son buenas. A Few Steps More (2005, Too Pure) sonaba demasiado Stereolab y, aunque poseía cierto atractivo, no acababa de convencer como gran disco. Así que se veía más a Monade como grupo de “matar el tiempo” con buenas canciones pop, pero poco más. Y ahora esta concepción cambia rotundamente. Monstre Cosmic no sólo gana con varios cuerpos de distancia a su predecesor, sino que se sitúa entre los mejores discos de pop de un tiempo a esta parte.

Lætitia Sadier ha sabido conducir muy bien las influencias que tenía en su cabeza, cada vez se aleja más del pop particular establecido por su proyecto principal, para aproximarse a una mezcla entre estos posos desde géneros como el downtempo o el acid jazz, e incluso la brasileira. El pop ahora se ve cercano a la chanson debido al origen de la líder y su preferencia por el francés a la hora de las letras, así Monade gana en riqueza de géneros, sin establecerse en ninguno por entero y sin dejar de beber de aquí y allá.

La diferencia esencial con su primer disco se ve en la solidez que guarda Monstre Cosmic, si antes eran canciones pop que podías escuchar en varios grupos del momento (véase Saint Etienne y compañía), ahora la parte melódica se consolida a favor de una diferenciación mayor del simple pop. Los arreglos de viento son mejores y más cuidados, las melodías no se limitan a un simple hilo continuo, sino que tienen sus cambios y casi ninguna permanece estática. Prima más la elegancia de terrenos jazzy que el efectismo del pop.

Un buen ejemplo de esto es “Étoile”, nada más abrir el trabajo nos damos cuenta de todo lo que se puede esconder tras una carátula tan poco acertada (no se puede tener todo al parecer). Pausada y con leves subidas que no acaban de culminar para darle el verdadero protagonismo a la voz inigualable de Lætitia Sader. Aunque esta primera canción nos pueda parecer lenta, el resto del trabajo no mantendrá esta misma temática, si bien “Change of Destination”, la cual cierra el disco, puede semejarse más a ella, el resto prefieren los ritmos más alegres.

“Entre Chein et Loup” puede estar en la frontera comentada, pero cuando a la mitad del tema se da el parón y cambia de ritmo, ahí no hay quien la pare dándose cierto toqueteo funk. Y junto con ella, otra de las mejores es: “Elle Topo”, con unos partes rápidas y unos breaks muy pegadizos. Tema tras tema va hipnotizando, “Lost Language” guarda la relación brasileira y pop que artistas como Bebel Gilberto han sabido desarrollar tan bien; “Regarde” apuesta por la variación de la voz estilo chanson cercana al susurro muy sensual; e “Invitation” es otro de los momentos álgidos, con un inicio muy tranquilo y una variación posterior acertada. Monade consigue firmar su disco a la altura de la calidad de sus miembros, evitando tanta dependencia de sus orígenes. Un disco pop que abre 2008 en plena forma, aunque corre el riesgo de ver si alguien se acuerda de él cuando finalice el año…

 

para Retro Música

 

Monade – Regarde

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Jazzanova - Jazzanova EP - Jazzanova Compost Records (JCR) - 1998

 

En 1995 se juntaban Alexander Barck, Claas Brieler, Jürgen von Knoblauch, Roskow Kretschmann, Stefan Leisering, Axel Reinemer, nombres alemanes impronunciables que crearían uno de los proyectos más influyentes dentro de la revisión del jazz por parte de la electrónica. No hay que verlo como un grupo propicio para tiendas de marca con un hilo musical de fondo, como un grupo destinado a los insufribles recopilatorios de ese género inventado llamado chill out (véase Café del Mar e híbridos menores), o como un grupo que busca explotar un estereotipo en aras de conseguir una popularidad a consta de una música efímera. Jazzanova comenzaron cuando toda esta moda ni siquiera se estaba planteando, cuando el trip-hop tenía ya la cabeza casi enterrada y el jazz se dejaba revisionar entre terrenos del acid o del nu jazz.

Su punto de arranque fue de la forma más meritoria posible. Crearon su propio label y a través de él empezaron a publicar su música. Jazzanova Compost Records (JCR) publicaría sus todos trabajos, hasta que Sonar Kollektiv empezase en los últimos años a sustituirle en esta función, también dirigido por ellos mismos. El campo discográfico lo tenían cubierto a la perfección en una ciudad como Berlín, esquivando cualquier posible moda de la capital electrónica que les hiciese cambiar al minimal de turno.

Las primeras referencias fueron dos 12” perfectos, y para cubrir otros campos sin utilizar el formato vinilo al poco publican el maxi que ahora abordo. Sólo cuatro canciones, pero vaya cuatro.

Empiezan con “Caravelle”, una de las mejores de este género en los últimos tiempos. Se echa a la espalda el jazz y lo hace suyo desde el prisma del mejor lounge neoyorquino al estilo De Phazz, pero sin la gran aportación vocal de estos últimos. Y es que no la necesitan, sus melodías ya llevan el ritmo y todo lo atractivo que necesita un tema para enganchar. Quizás el gran fuerte de los berlineses sea la utilización de varios instrumentos a la vez que usan la parte electrónica, función que muchos de este género no hacen y acaban firmando referencias más bien opacas, faltas del sentido rítmico que se pide a los buenos temas.

Ya el primer tema cumple de sobra con el concepto de maxi: una canción con gancho y otras tres que le hagan de acompañamiento. Pero a Jazzanova pareció no agradarles mucho hacer del material restante un relleno. Esto se comprueba rápidamente con “Konclave”, de 8 minutos y poco de duración, la mayor del trabajo, que se pasan sin darse cuenta. Tiene dos partes dicho tema, una primera cercana al downtempo desde el jazz y luego una final donde la percusión coge más importancia.

Para finalizar apuestan también por la suavidad de “Introspection”, título al dedillo para la canción más lenta y con más presencia de viento, donde un buen saxo tranquilo se mezcla entre la base; y “Fedimes Flight” yéndose a Brasil con la bossa y los ritmos propios de la batucada, es aquí donde una mínima chica se encuentra, aunque se usa más bien como recurso, que como parte principal.

Posteriormente a este maxi, los berlineses se labrarán una carrera muy consolidad paso a paso, que les valdrá desde el apoyo de gente como Gilles Peterson, hasta participar en múltiples trabajos de remezclas, además de conseguir entrar con una recopilación propia en el sello más prestigioso de jazz a nivel general: Blue Note. Jazzanova son una delicia para los oídos.

 

para Retro Música

 

Jazzanova – Bohemian Sunset

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En la mezcla está la alegría

Taera es un nuevo proyecto que está comenzando a tomar forma por los circuitos que posibilitan a los nuevos grupos: los conciertos y actualmente MySpace. Sin ser un proyecto en exclusiva personal, Taera además de añadir el nombre propio decide prestar la voz a canciones escritas por ella. El disco se basa en una mezcla de estilos, desde el funk hasta el árabe pasando por un soul templado. Buenos temas que ya han recibido menciones en algunos premios. Falta mucho que cuidar, que ir mejorando, pero lo escuchado no defrauda.

¿De dónde viene el nombre del grupo?

Es mi nombre: Taera

¿Con qué miembros ha contado el grupo?

Con Cata (bajo y arreglos), con Guille Arrom (Guitarras), Javi Castiñeiras (batería). Y ahora viene a tocar con nosotros Marcos Bayón a la electrónica a tiempo real es decir, synthes, efectos, loops…

¿Cuándo empezó el grupo como tal, año?

Empezamos en el 2005, yo llevaba 2 años grabando mis canciones y retocándolas y en ese año decidimos juntarnos a tocarlas (ya tocábamos de antes juntos).

¿Tocáis en otros proyectos?

Javi toca en Femme Fatal, Guille en su trío de jazz, Cata es el guitarrista del Combolinga y Marcos el cantante y yo ahora sólo me dedico a este proyecto.

¿Según está el panorama actual es posible dedicarse a la música en exclusiva?

Depende, si trabajas en proyectos de otros artistas sí, uno en exclusiva, es difícil pero con tiempo sí.

¿Cómo veis la escena española?

Mediocre

Muchos grupos dicen que la única manera de impulsar su carrera es por los conciertos, en los que se consiguen mantener mejor que con los discos, ¿compartís esta opinión?

Sí, y no es sólo la mejor manera de impulsar tu carrera es lo que le da sentido a hacer música desde luego para mí. Bueno, hay una serie de clubs pequeños en Madrid como el Fenderclub, el Marula, La boca del lobo, El junco… que cuidan mucho su programación y cuentan con grupos de la escena jazz-soul y gracias a ellos puedes tocar a menudo y bien.

Carta Sonora es vuestro primer disco, ¿Qué supone para vosotros este trabajo?

Supone sacar de dentro un montón de cosas, un trabajo de composición, de introspección de arreglos, aportaciones de todos, de grabar con un productor: Fernando Polaino arreglando y dirigiéndolo todo.

Por ahora veo que no hay una discográfica detrás, ¿lo estáis moviendo vosotros?

Sí, estoy dándolo a sellos. La experiencia a veces bien, a veces regular… Todavía no nos han contestado.

Se juntan muchos estilos, es casi ecléctico el disco: soul, funk, acid jazz, mestizaje, y árabe… ¿A qué se debe esta riqueza de registros?

El soul es lo que me mueve de siempre por mi registro vocal y es en lo que me siento mejor, el funk en algún tema más bailable y el rollo oriental de mis raíces ¿y por qué no? es parte de mi también.

Donde yo veo que brillan más las canciones es cuando tiráis al soul y al acid jazz, y también en otras al funk ¿Dónde os encontráis más cómodos?

Sí, la verdad es que en el soul groove que es la base musical del disco.

Sin masterizar la copia y suena bastante bien, ¿masterizada habrá una gran diferencia?

Sí, habrá más volumen y mejor ecualización.

Las letras tratan de amores y de historias personales en la mayoría de los casos, ¿Qué hay detrás de ellas?

Las he escrito yo hablan de las cosas que me pasan de mis obsesiones, reflexiones, relaciones… salvo dos que son letras de mi hermana Sara que hablan de insatisfacción y de amor.

¿Hay hueco en España para el proyecto de Tarea? ¿Cómo lo defenderíais?

Si, sobre el escenario.

Habéis conseguido ya ser seleccionados recientemente para lo de Javier Limón, entre las 15 mejores de 2006 para la Mondo… las expectativas no es que sean pequeñas…

En general a todo el que lo escucha le engancha de alguna manera.

De los doce temas si sólo tuvieseis que elegir uno… ¿Cuál? (Yo me quedo con “Tune In” donde De Phazz parece sonar)

Yo me quedo con “Suspendida del cielo”.

 

para Popchild

 

 

 

2001 se convirtió para la carrera de Matthew Herbert en su punto de inflexión, todo lo que había hecho hasta ahora había servido para dar formar al tercer disco y a su vez sólo habían sido procesos de aprendizaje culminados en esta gran obra. De la misma manera, todo la labor posterior se ve bajo la influencia, y exigencia, de Bodily Functions (2001, Studio !K7). La pega se encuentra en la publicación de un trabajo tan redondo y que los demás se perciban de forma menor, cuando tendría que ser lo contrario; reconocer los méritos de este disco al igual que los siguientes dentro de su contexto. Scale (2006, Studio !K7) fue el disco que continuó la fórmula, un trabajo infravalorado porque se quería una segunda parte del anterior y Herbert no lo quiso así, presentó algo más bailable, muy influenciado por su colaboración con Roisin Murphy en su aventura en solitario.Antes de su tercer largo el genio londinense ya había sorprendido a muchos con su presentación –1000 Lbs (Phono)–, en la que daba una visión particular del house, adelantándose a lo que vendría después de países como Alemania. También había experimentado su parte reivindicativa y experimental en sus diversos alias, bajo Wishmountain o Radio Boy, proyectos que dan más valor aún a la carrera del británico. Pero el momento especial, donde cambia su sonido hacia terrenos más jazzy, se halla a mediados de los 90 cuando conoce a su actual pareja sentimental y artística Dani Siciliano en un viaje a San Francisco. Así Around The House (1998, Phonography) es la obra a caballo entre un sonido y otro, la trayectoria de Siciliano en el jazz influye gratamente al eclecticismo de Herbert y el resultado no se hace esperar.

Son catorce canciones que componen un conjunto perfecto, desde la confluencia en un mismo punto de géneros tan variados como el deep house del que Herbert era tan afin, hasta un acid jazz más cercano a la elegancia del lounge neoyorquino. Predominan los medios tempos a los que Dani Siciliano saca el máximo rendimiento con su voz, suave, tranquila y con juegos acertados evitando la monotonía que otros discos del género traen consigo. La variedad llega desde el inicio, templado con “You’re Unknown to Me”, a la que continua “It’s Only” poniéndonos en situación de qué va a venir después. “Suddenly” y “Leave Me Now” combinan los distintos elementos creando una atmósfera insuperable; “You Saw It All” es de las pocas canciones donde colabora con alguien que no sea su pareja; Luca Santucci es quien añade un toque dub a todo lo anterior.

Y no sólo se apoya en estos sonidos, el jazz se va haciendo un hueco con temas completamente instrumentales sin casi ornamentos eléctricos. “I Know” con un piano y un gran contrabajo ayudado de la batería; al igual que “About This Time Each Day” en la que prefiere bajar la intensidad con el predomino del piano. Estos experimentos Matthew Herbert los continuará dos años después con su banda firmando Goodbye Swingtime (2003, Accidental), entre altibajos constantes a la hora de enfocar el jazz.

La joya del trabajo la reserva para el final en la que “The Audience” brilla por sí sola. Un funk eléctrico combinado con lo ya mencionado, Siciliano pone voz y deja ver lo que firmaría tres años después en Likes… (2004, Studio !K7), Herbert también descubre la fórmula usada en Ruby Blue (2005, Echo) con unos instrumentales mantenidos y culminados arriba de forma impecable.

Bodily Functions se ha ganado el puesto de forma merecida entre lo mejor del siglo XXI, tanto de electrónica como en general, al igual que se ha convertido en uno de los discos más influyentes dentro de su género. Matthew Herbert es un artista único, desde conseguir melodías de simples ruidos a intentar cambiar el mundo de forma utópica con su música.

 

para Retro Música

 

Herbert – The Audience

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